Jorge Ávalos

Jorge Ávalos en Maga 69, revista de Panamá

2011-10-20T18:31:00.000-07:00

LA UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA DE PANAMÁ
PRESENTARÁ NÚMERO CONMEMORATIVO
DE REVISTA CULTURAL “MAGA”
EL 8 DE NOVIEMBRE

La más reciente edición de la revista cultural Maga es un número conmemorativo de los 30 años de existencia de la Universidad Tecnológica de Panamá. Será presentado formalmente el martes 8 de noviembre, a las 6:00 p.m., en el Salón 306 del edificio de Postgrado, en el campus “Víctor Levi Sasso” de la UTP. Los expositores serán los escritores: Melquíades Villarreal Castillo, Fulvia Morales de Castillo y Carlos Fong. Este acto cultural está abierto a todo público, la entrada es gratuita.

Se trata del número 69, que consta de 120 páginas y ofrece cuentos, poemas, ensayos, entrevistas y reseñas de libros. En esta edición participan 28 autores panameños y 6 de otros países (Chile, México, El Salvador, Costa Rica, España), tanto de reconocido prestigio como nuevos creadores. Con diseño gráfico de Silvia Fernández-Risco y portada e ilustraciones de Enrique Jaramillo Barnes, Maga continúa siendo dirigida por el escritor Enrique Jaramillo Levi, su fundador en 1984. Traspasada a la UTP en 2008 a fin de darle continuidad y permanencia institucional, Maga es la única revista literaria de Panamá.

En este número especial colaboran: Ariel Barría Alvarado, Isabel Burgos, Moisés Pascual, Luz Lescure, Javier Alvarado, Marisín González, Claudio de Castro, Sonia Ehlers Prestán, Indira Moreno, Roberto Pérez-Franco, Ruth Sinán Domínguez, BolívarAparicio, Mady Miranda, Federico Rodríguez Gutiérrez, Melanie Taylor, Adalcristo Guevara, Lupita Quirós Atanasiadis, José R. Castro Montilla, Katia del Carmen Malo y Enrique Jaramillo Levi, entre otros escritores nacionales a quienes les será entrega la revista en el acto de presentación. Asimismo, el chileno Fernando Burgos, los mexicanos Mónica Lavín, Armando Alanís y Arabelle Jaramillo Ochoa, el salvadoreño Jorge Ávalos, el costarricense Ronald Bonilla y el español Antonio Machado. También hay una sección de Noticias Culturales de la UTP y otra de Noticias Literarias en general.

El manto del volcán de San Salvador

2011-10-15T13:55:00.000-07:00

Una fotografía que tomé al final de la tarde el viernes 14 de octubre muestra el manto de nubes que rodea el volcán de San Salvador durante el intenso temporal de lluvias que han creado un estado de calamidad en El Salvador. Allí se encuentras las antenas de los principales medios de comunicación; mientras escribo esto, la del canal 12 está en peligro de derrumbarse, y esto afectaría también la transmisión de la televisión y la radio estatal. No quise molestarme con los canales tradicionales de editores así que publiqué la imagen por medio del canal Testigo Ciudadano en el sitio de Internet de El Diario de Hoy. La fotografía en la publicación original se puede ver aquí: elsalvador.com.

Esta es la nota que escribió el editor de Testigo Ciudadano:

Jorge Ávalos tomó esta impresionante fotografía el pasado viernes 14 de octubre. En la imagen se ve como las nubes envuelven al volcán de San Salvador. El país está en alerta debido a las fuertes lluvias de los últimos días.

La elección de los proscritos

2011-10-02T16:21:00.000-07:00

Mi artículo La elección de los proscritos aparece publicado este mes en la revista Carátula, 44, octubre de 2011. Este número especial de la revista cultural centroamericana dirigida por Sergio Ramírez fue editado por el historiador Carlos Cañas-Dinarte, y es un “Homenaje a El Salvador” en el marco del “Bicentenario del Primer Grito de Independencia 1811-2011”. Es impresionante la pintura que ilustra la portada, un óleo sobre la “primera reforma agraria” de 1935 pintado por Pedro Ángel Espinosa.

La elección de los proscritos es parte de una serie de textos que escribí en torno al plagio y que, juntos, conforman un solo ensayo. Esta pieza en partícular se centra en la obra novelística de Rafael Menjívar Ochoa, quien ha sido injustamente acusado por algúnos críticos de elaborar pastiches (y me refiero específicamente a un comentario de Catherine Rendón, por ser el más sólidamente sustentado). Yo retomo esas supuestas faltas y en lugar de combatirlas las asumo como parte del estilo y la tradición de un género que ha cobrado una gran importancia para la narrativa centroamericana actual: la narrativa negra.

Este es un fragmento de la nota editorial de Carátula sobre mi artículo: «Introduciendo su comentario en el cuerpo de la figura del plagio, Jorge Ávalos plantea un acercamiento a la médula escritural y a la predilección sobre el “pulp fiction” (“género policial” y “narrativa negra”)... mostrando con ello algunos de los fundamentos —“trabajo de tensión entre la astucia del autor y el horizonte de expectativas del lector”— que Menjívar usó en su creación. Certero, conciso, esplendorosamente pulcro en el decir, con una prosa exenta de alardes verbales y de grandilocuencias, Ávalos, en este texto, nos abre una rendija por donde penetrar a los meandros de una obra que merece mayor atención, la de Rafael Menjívar Ochoa.»

Ávalos, Jorge. “La elección de los proscritos”. Carátula, # 44, edición “Homenaje a El Salvador”, octubre de 2011, Managua, Nicaragua.

2011-09-27T08:46:00.000-07:00

El primer anuncio de la antología del cuento centroamericano que publicará muy pronto el Fondo de Cultura Económica en México, Puertos abiertos, apareció al final de una entrevista a su editor, Sergio Ramírez, en el periódico Tiempo Argentino. El escritor salvadoreño Jorge Ávalos es uno de los autores incluidos en la antología que será presentada el próximo 29 de noviembre en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara. A las preguntas “¿Qué pasa hoy con los escritores centroamericanos? ¿Por dónde andan sus voces que casi no se escuchan en el sur?”, Ramírez respondió:

Diría que la literatura centroamericana se libró de esta sombra vernácula de la primera mitad del siglo XX y más tarde también ya se libró del realismo mágico, que también fue una especie de plaga. Con motivo de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, el Fondo de Cultura Económica me pidió preparar dos antologías contemporáneas: una de poesía y otra de cuentos, donde incluí sólo autores vivos porque si no la lista se vuelve infinita. La de cuentos llevará por título “Puertos abiertos” y la de poesía será “Puertas abiertas”. Son antologías muy numerosas donde va a poder verse la dinámica de la literatura centroamericana que es desconocida.

Kovaci, Fabián. “En Centroamérica nos libramos de la plaga del realismo mágico”. Entrevista a Sergio Ramírez, Tiempo Argentino, 27 de septiembre de 2011.

El silencio y la tempestad

2011-09-17T15:41:00.000-07:00

La literatura Centroamericana es una invitación a la turbación, a la angustia, a la paradoja, al enigma, a la confusión, a la inquietud y sí, también, a la incertidumbre...

Este día, sábado 17 de septiembre de 2011, se publicó en la página de portada del suplemento cultural de El Nuevo Diario de Nicaragua, “Nuevo Amanecer Cultural”, mi ensayo El silencio y la tempestad.

Sobre la historia de la fotografía en El Salvador

2011-09-01T17:09:00.000-07:00

CAMERA OBSCURA

Una aproximación a la historia secreta
de la fotografía en El Salvador

Jorge Ávalos
Escritor y fotógrafo

¿Por qué no hay una historia general de la fotografía en El Salvador? El investigador Jorge Ávalos explora los problemas que afronta el investigador de las artes y propone medios alternos para descubrir y contar una historia ignorada que se remonta a la década de 1850 en El Salvador.

Patrocinado por la Fundación AccesArte, el Museo de Arte de El Salvador y EsFoto.

La imagen, de los "Hermanos Imery" (Benito y Narciso) es un retrato de Rubén Darío y su amigo José Marcelino Pacheco tomada en el estudio de los Imery en San Salvador en noviembre de 1889.

Una fotografía del Ballet de Camagüey de Cuba

2011-06-28T16:37:00.000-07:00

Mi fotografía de la primera bailarina del Ballet de Camagüey de Cuba, Siuchi Ávila Fong, agració la portada del suplemento cultural de El Diario de Hoy. La fotografía, que ocupa toda la página, la tomé durante la Gala de los 20 años de la Fundación Ballet de El Salvadro el 25 de junio, y en ella aparece Siuchi con su pareja de baile Yanni García Del Risco.

La entrevista, realizada por Jhoel Díaz, y una versión pequeña de la fotografía original también están en el Internet: Bailarina que no se caiga, no es bailarina, “Cultura y sociedad”, El Diario de Hoy, martes 28 de junio de 2011, San Salvador, El Salvador.

Los cuatro grandes regalos

2010-12-29T22:49:00.000-08:00

Un cuento publicado en El Diario de Hoy el miércoles 29 de diciembre de 2010, como parte de una serie especial de cuentos para la época navideña. Pese a la temática de la temporada, me inspiré en las tradiciones de la narrativa oral de los indígenas de la zona nororiental de El Salvador, descendientes de los lencas, algo que se distingue por la fantasía antropomórfica en las imágenes descriptivas.

También hay una versión en línea: Los cuatro grandes regalos.

Taller de dramaturgia por Jorge Ávalos

2010-11-20T08:42:00.000-08:00

del 25 al 29 de octubre de 2010
[ de 8:30 a.m. a 12:30 p.m. ]

Taller

Dramaturgia de la Acción escénica
a cargo de Jorge Avalos.

objetivo
proporcionar las herramientas técnicas para crear personajes, situaciones y conflictos dramáticos con el fin de integrarlos en obras escritas específicamente para el teatro.

Jorge Ávalos
es poeta, narrador, dramaturgo y crítico de las artes escénicas. En los últimos diez años siete de sus obras de teatro han sido llevadas con éxito a la escena por los directores salvadoreños más talentosos y reconocidos. En el 2004 recibió el Premio Centroamericano de Literatura Rogelio Sinán por su libro de cuentos La ciudad del deseo.

Entre sus obras más conocidas se encuentran La canción de nuestros días, un innovador monólogo a tres voces sobre la vida de tres hermanas al inicio de la guerra civil en El Salvador; Ángel de la Guarda, un monodrama en el que una sola actriz interpreta varios personajes incluyendo a un ángel y a una niña víctima de incesto; La balada de Jimmy Rosa, drama satírico en clave policial sobre el tráfico de personas por el que recibió el Primer Premio de Teatro Ovación en el 2009. También produjo, adaptó y dirigió para la escena una versión de El Asco de Horacio Castellanos Moya y actualmente trabaja en una adaptación al español de la obra Les Belles-Soeurs de Michel Tremblay, que será puesta en escena en el Teatro Luis Poma en la temporada 2011.

dirigido a
tanto dramaturgos de trayectoria como a escritores que quieren iniciarse en la dramaturgia o actores que deseen ahondar en la construcción del personaje.

Para participar en el taller no se necesita experiencia previa en dramaturgia.
Indispensable inscripción previa enviando currículo y carta de motivación a más tardar el 20 de octubre a: apublico@ccespanasv.org

Fuente: Centro Cultural de España El Salvador.

Literatura en la Sala Nacional de Exposiciones

2010-07-20T00:44:00.000-07:00

El giro dado a la sala nacional ha favorecido la llegada de un público nuevo: el que asiste a las presentaciones de libros, recitales de poesía y conferencias que se llevan a cabo dentro del marco de las exposiciones y en alianza con entidades culturales, como el Foro de Escritores de El Salvador. Intelectuales como Jorge Ávalos, Roberto Laínez y Jacinta Escudos han impartido talleres literarios. Así, el público no sólo tiene la oportunidad de acercarse a las invaluables piezas de las artes visuales, sino también amplía su espectro artístico, ya que puede conocer a los escritores que se presentan en el recinto.

Ahí han leído sus obras literarias el español Antonio Porpetta, el turco Adnan Ozer, el carismático escritor ruso Yevgeny Yevtushenko, el argentino Jorge Boccanera y los nacionales como Rafael Mendoza y sus hijos Rafael y Metzi Xuch, quienes presentaron el poemario Este mal de familia. La poeta Dora Guerra también, quien después de más de 50 años de residir en Francia y ya de nuevo en El Salvador, sostuvo una amena charla con el investigador Carlos Cañas Dinarte, dio un recital y conversó con jóvenes poetas y público en general.

María Cristina Orantes
Directora de la Sala Nacional de Exposiciones Salarrué
San Salvador, 20 de julio de 2010

Para leer el artículo completo: Sala Nacional de Exposiciones, Secretaría Nacional de Cultura

Talleres de escritura: técnicas, intercambio y creación

2010-04-03T17:39:00.000-07:00

» Los facilitadores de estos seminarios aseguran que los imparten para brindar herramientas y no para “hacer” escritores

Gabriela Mendoza

Nadie puede aprender a ser escritor por medio de un taller. Sin embargo, un taller sí puede abrir una puerta a nuestro potencial creativo, al potencial que ya está en nosotros, y puede mostrar opciones para canalizar el talento o la necesidad apremiante para la expresión personal.”
Jorge Ávalos

Cuando un aspirante a escritor siente la necesidad de asistir a un curso de instrucción literaria lo primero que buscará es un taller de escritura que podrá encontrar en universidades, casas de la cultura o centros culturales, pero ¿son útiles estos talleres? ¿podrán guiarlo para que pueda estructurar una narración, un poema?

Según el escritor Jorge Ávalos, quien ha sido facilitador en estos seminarios, nadie puede aprender el oficio de escritor por medio de un taller, lo que estos sí hacen es “abrir las puertas a nuestro potencial creativo y demostrar opciones para canalizar el talento o la necesidad para la expresión personal”.

De la misma opinión es el poeta Roberto Laínez, quien en febrero comenzará dos talleres de escritura en el Palacio Tecleño de la Cultura y las Artes. Según él, los talleres no forman escritores, simplemente dan las herramientas que incluyen técnicas como la construcción de personajes, manejos de tiempo y espacio, entre otros elementos.

Conocimiento

Los escritores, entrevistados vía correo electrónico, coinciden en definir a un taller de escritura como un intercambio de experiencias que permite “conocer la vida a través de la palabra”, tal como afirmó Alondra Umanzor, una poeta que comenzó a asistir a estas reuniones a sus 16 años y ahora, a sus 24, coordina talleres financiados por Oxfam América en el marco de la prevención de la violencia los fines de semana.

“El año pasado estuvimos en Ahuachapán, Santa Tecla y San Marcos impartiendo clases para jóvenes”, mencionó Umanzor.

Por otra parte, Claudia Blanco, estudiante de psicología, es parte de los talleres literarios de la Universidad Tecnológica impartidos por la escritora Silvia Elena Regalado. La experiencia, asegura, ha sido enriquecedora y estimulante, además puede compartir sus escritos con los demás.

Para el escritor Manlio Argueta, la importancia de que se impartan estos talleres en el país es vital, además propone que dentro del sistema educativo se descubran talentos para becarlos en escuelas o talleres de escritura.

Mendoza, Gabriela. Talleres de escritura: técnicas, intercambio y creación, El Diario de Hoy, San Salvador, miércoles 27 de enero de 2010.

La entrevista completa a Jorge Ávalos realizada por Gabriela Mendoza para este artículo está aquí: Un taller sí puede abrir una puerta a nuestro potencial creativo.

Entrevista a Jorge Ávalos

2010-04-03T15:45:00.001-07:00

“Un taller sí puede abrir una puerta a nuestro potencial creativo”

Gabriela Mendoza

Usted dijo que el tipo de taller que impartía era diferente a los demás, ¿qué tiene de diferente?

Nadie puede aprender a ser escritor por medio de un taller. Sin embargo, un taller sí puede abrir una puerta a nuestro potencial creativo, al potencial que ya está en nosotros, y puede mostrar opciones para canalizar el talento o la necesidad apremiante para la expresión personal. Los contenidos, la metodología y el diseño de mis talleres obedecen a esta convicción.

¿Qué temáticas incluye en los talleres que brinda?

Cada sesión de un taller debe estar estructurada alrededor de un objetivo de enseñanza. Los contenidos corresponden a estos objetivos. Yo me concentro en tres metas claramente definidas: la primera es desarrollar las habilidades de percepción de los estudiantes; la segunda es trabajar la memoria como fuente inagotable de inspiración; y la tercera es ejercitar la voluntad y el hábito de trabajo, que requiere dedicación y pasión constante.

¿Incluye alguna metodología para sus alumnos?

Sí. Mis estudiantes dedican un tercio del tiempo haciendo actividades prácticas para ejercitar la percepción sensorial; otro tercio, en ejercicios de memoria y de imaginación; y otro tercio en ejercicios de escritura.

Por lo general, ¿cuánto tiempo duran los talleres?

Yo prefiero una estructura de una sesión a la semana durante dos meses. Un taller debe ofrecer espacio para que el escritor trabaje por su cuenta y también debe tener un límite para que el escritor se gradúe de esa etapa y ponga a prueba lo que ha aprendido.

¿Qué se espera de los alumnos, que escriban algo grande, que publiquen?

No. Un taller es un período de proceso que permite la experimentación y la libertad. No es necesario que un participante escriba algo "grande". Lo más importante que un taller le ofrece al participante es la oportunidad para asumir la voluntad de crear por medio de la palabra. Para llegar a eso, el instructor tendrá que brindar nuevas herramientas y el participante deberá descubrir y utilizar sus propias habilidades y talento. Aun así, no niego el poder de la publicación. Los resultados de mi último taller de narrativa, organizado por el Foro de Escritores, fueron publicados, y tanto los participantes como yo nos sentimos muy orgullosos de los logros, tan evidentes.

¿Es importante que se impartan talleres de literatura en el país?

Sí, en la medida en que estén bien diseñados y con el interés del participante en mente.

¿Se considera detractor o partidario de los talleres?

Soy partidario de motivar la imaginación y la creación por cualquier medio, pero me opongo a las siguientes deformaciones de un taller, y las cuales he visto en El Salvador: primero, un taller no debe ser permanente, porque esto crea un sentido de dependencia en el taller por parte del participante; segundo, un taller no debe convertirse en una capilla para el escritor que lo imparte, porque esto atrofia el talento individial del participante; por último, un taller debe ser un espacio de confianza en el que no se viole la distancia saludable que debe existir entre la persona que imparte el taller y la persona que lo recibe. Este último punto es un imperativo ético que está a la raíz de cómo funciona un taller: los participantes son vulnerables porque comparten sus historias personales, nos abren sus corazones y exponen sus emociones. Por lo tanto, violar ese vínculo de mutua confianza es siempre un abuso de poder.

¿Recomendaría a los jóvenes que quieren empezar una "carrera" como escritores que se acerquen a los talleres literarios para formarse como tales?

Algunos de los participantes en mis talleres, que sentían que no podían escribir, son ahora escritores de oficio, algunos de ellos periodistas. Esto sucedió porque encontraron la confianza en sí mismos para confirmar una vocación que ya estaba latente. Así que sí es posible usar un taller para explorar la posibilidad de una carrera como escritor, como comunicador o como periodista.

¿Cuál es el papel del director del taller y cuál el del alumno?

Un taller es un proceso participativo. El instructor del taller es ante todo un facilitador que dirige al alumno a través de un proceso de auto aprendizaje. Mi filosofía es que el escritor se hace a sí mismo. No puede ser de otra manera porque escribir es una tarea muy solitaria y necesitamos aprender a gozar de esa soledad creativa.

Puede mencionar algunas experiencias enriquecedoras cuando ha impartido los talleres, algún caso en especial.

Yo tengo un ejercicio que llamo "del ángel", que funciona como una frontera: a menudo se convierte en la primera vez en que el participante escucha su propia voz. Casi siempre, más de alguno se pone a llorar al leer los resultados de ese ejercicio. Ese momento siempre es emocionante y enriquecedor para todos.

¿Algún resultado de sus talleres lo ha sorprendido?

Sí. Hay gente que desborda talento y uno no puede más que maravillarse. También he descubierto que hay escritores ya publicados, principalmente hombres, que sufren una crisis del ego cuando nadie los elogia en los talleres, es un fenómeno muy extraño que desaparece cuando aprenden a superar estímulos externos y se enfocan en sus propias fuerzas internas.

¿Qué debería esperar un alumno al terminar su taller de escritura?

Encontrar su propia voz.

Esta entrevista de fondo fue realizada por Gabriela Mendoza para sustentar el artículo Talleres de escritura: técnicas, intercambio y creación, publicado en El Diario de Hoy el miércoles 27 de enero de 2010.

El amor a las palabras

2010-01-25T17:05:00.000-08:00

Jorge Ávalos

A Ricardo Lindo

en su cumpleaños.

Marzo de 2001.

1

Cuando yo tenía trece años de edad, mi obsesión por escribir me llevó a desarrollar compulsiones maniáticas en un esfuerzo por parecer un escritor. A imitación de Proust, y para horror de mi madre, dejé de abrir las ventanas de mi cuarto y me encerraba toda la tarde para leer, escribir y dibujar. Las paredes de mi cuarto estaban decoradas con mis dibujos a tinta de los escritores que admiraba. No tenía escritorio; me arrodillaba sobre una pequeña alfombra y utilizaba mi cama como una mesa, una costumbre que conservo hasta este día.

Cuando leí que Balzac caminaba con un bastón decorado con piedras preciosas, me hice la idea de que también yo debía tener uno. A falta de dinero le compré un ridículo paraguas negro a un vendedor ambulante. No era un bastón decorado con piedras, pero tenía una esmeralda de fantasía que lo abría automáticamente cuando se oprimía.

¿Mi mayor esfuerzo literario de ese período? Mis memorias. Un gesto insignificante me liberó poco a poco de esas manías: el hermano de mi madre me dio una copia de la llave de mi casa. Era un voto de confianza en mi madurez. Su único consejo: que usara bien esa llave, que no abusara de mi nueva libertad para salir y venir de casa. Mis primeras excursiones fueron bastante tímidas: los jardines de la Basílica de Guadalupe, donde me sentaba a leer bajo la sombra de los árboles, el Teatro Presidente, donde se presentaba la Orquesta Sinfónica, y algunas tiendas de libros. Un día de tantos, intrigado por mi interés en la literatura, mi padre mencionó al escritor Hugo Lindo.

“Es propietario de una librería”, me dijo, “si quieres visitarlo, yo mismo te puedo llevar”.

Yo nunca había conocido a un verdadero escritor. Acepté de inmediato y mi padre me llevó a visitarlo esa misma tarde.

La librería Altamar era muy pequeña. Estaba instalada en el garaje de una casa localizada en los alrededores de la plaza El Salvador del Mundo. Los libros estaban alineados contra la pared. Al centro de la librería había un escritorio y allí, alto, delgado, con el pelo blanco, y con anteojos que daban a su mirada una terrible intensidad, se sentaba el doctor Hugo Lindo. Entré sin decir una palabra. Él apenas se percató de mi presencia; se concentraba en leer un libro.

Después de una hora de circular su escritorio mirándolo de reojo, el doctor Lindo asentó de golpe sobre su escritorio el libro que leía, enfocó sobre mí sus ojos proyectados por los lentes y dijo: “¿Ha venido a buscar libros o ha venido a mirarme a mí?”

“A buscar libros”, contesté.

“¿Y que está buscando?”

“No tengo mucho dinero”, confesé.

“¿Cuánto tiene?”

“Cinco colones.”

El doctor Lindo se puso de pie, caminó alrededor de la librera situada a espaldas de su escritorio y extrajo un libro de bolsillo con una cubierta tan simple que me pareció vulgar. Lo compré y me marché.

Esa noche leí, embriagado por las palabras, los rubái-yáts de Omar Khayam incluidos en esa edición. Apenas podía creer que un poema de cuatro líneas podía contener tanta verdad y pasión. Khayam escribió cientos de ellos. Ese libro iluminó mis primeros pasos en la escritura de la poesía. Abandoné todos mis esfuerzos por escribir mis torpes y mal nutridas versiones inspiradas en las palabras de otros escritores. Abandoné los motivos conscientes y comencé a escribir en función de la claridad, de la concisión y del descubrimiento personal. Dejé a un lado mis falsas pretensiones y algunas de mis manías (no todas, admito) y comencé a desarrollar un ímpetu nuevo por la escritura. Mi relación con los libros también cambió. El acto de leer dejó de ser un escape de la realidad y se convirtió en un pasaje constante y transformador hacia mi verdad. Dejé de buscar y comencé a encontrar.

2

Durante dos o tres años continué visitando al doctor Lindo en su librería. Mi relación con él nunca fue más allá de la recomendación y transacción de libros, pero esas recomendaciones me llevaron a explorar campos que de otra manera nunca habría explorado: la historia, la filosofía, el arte. La lectura de libros dejó de ser un canon inmutable y se convirtió para mí en un ramaje respirante de infinitas posibilidades.

Cierto día, explorando los libros viejos de mi padre, descubrí un volumen de poesía del guatemalteco Manuel José Arce y Valladares. Era el libro Los Argonautas vuelven, del que sólo recuerdo dos versos memorables:

Y entre un te quedas y te vas eterno,

tu espíritu se afirma en vigilancia.

La página titular contenía una dedicación personal del autor al doctor Lindo, a quien llamaba “poeta suicida” y “auto-difunto”. Mi padre obtuvo el libro en Chile, en la embajada salvadoreña, años después de que el doctor Lindo había vivido en ese país cumpliendo funciones diplomáticas. Yo pensé que era correcto devolver ese libro a su verdadero dueño. Esa tarde visité al doctor Lindo en su librería y le entregué el libro sin decir una palabra. Él lo examinó con sorpresa, leyó la dedicación y, trémulo de emoción, me dijo: “Tome un libro, cualquier libro, no tiene que pagar”. Dejó su escritorio y desapareció por la puerta del fondo de la librería. Unos minutos después, a través de la misma puerta, apareció un joven de 32 años, barbado, delgado y muy blanco. Él sugirió que tomara el más reciente libro de Jorge Luis Borges, El Libro de Arena. Yo no sabía entonces quién era Ricardo Lindo, hijo del doctor Lindo y un autor con méritos propios, pero en el transcurso de ese año -1980- nos hicimos amigos.

Mi amistad con Ricardo no se desarrolló sólo porque él era escritor, sino a partir de mi descubrimiento de la clase de escritor que él era. Después de todo, a pesar de mis escasos 15 años, yo conocía a toda una generación de escritores jóvenes. En ese entonces yo era la viva sombra de Mario Noel Rodríguez. Con él visitaba librerías, “cafetines” y teatros. Con él navegué el mundo cultural de ese período y, gracias a él o con él, conocí a Roberto Franco, a Jaime Suárez Quemain, a Carlos Santos, a Roberto Salomón, a Álvaro Menén Desleal y muchos otros.

En una nota introductoria a mi poesía, publicada en la revista literaria de la Universidad Nacional, LetraViva, en 1987, Ricardo recordó una de mis más curiosas manías de 1980: mi tendencia a compensar mi juventud con la solemnidad verbal. “Jorge afirmaba”, escribió él, “que en el fondo tenía 2000 años. Sus amigos, en broma, querían celebrar su cumpleaños 2001”. No es fácil ser un poeta maldito a tan temprana edad sin incurrir en lo ridículo, sobre todo en un país cuya cultura no tolera pretensiones de ningún tipo. Ricardo, sin estar del todo conciente de ello, me ayudó a sobrepasar esa prueba de fuego.

Una noche, después de atender una obra de teatro, él y yo fuimos al Café Don Pedro a conversar. A solas, tuvimos la oportunidad de discutir sus obras y el proceso mismo de escribir. Yo abrí mi corazón en esa conversación tratando de desentrañar por qué escribía, por qué la poesía era tan importante para mí como el aire que respiraba. No lo sabía entonces, pero necesitaba un voto de confianza, una llave perdurable que me abriera una puerta a la libertad de escribir. Esa noche, Ricardo me obsequió el acceso a una llave mágica, una llave indestructible que aparece en mis manos cuando la necesito. “No importa”, me dijo, “por qué razón comenzamos a escribir, lo que importa es por qué nos quedamos a escribir. Yo escribo por amor a las palabras”.

3

De entre todos los escritores que conocí en ese difícil y extraño tiempo de caos histórico y terror cotidiano, me impresionó que Ricardo no estuviera, ni en lo más mínimo, preocupado de su reputación. No practicaba la arrogancia o la falsa modestia. No andaba a la caza de premios. No predicaba posturas estéticas o discriminaba sobre la base de credenciales políticas. Tampoco se entregaba a los debates intelectuales con la misma pasión con que se entregaba a compartir hallazgos. En lugar de demarcar un territorio intelectual, él se dedicó a enriquecer el reino literario de todos, compartiendo sus conocimientos, sus libros y promoviendo la obra de los demás.

Cuando me marché de El Salvador en Julio de 1984, recién cumplidos los veinte años, dejé en sus manos unos cuantos poemas escritos entre mis 16 y 19 años. A él nunca le importó mi edad; eso nunca fue para él un factor de peso al evaluar mi poesía. Pero pronto descubrió que no sería fácil publicar mi poesía por ese motivo. De hecho, durante una de esas reuniones en el pequeño “palomar” donde vivía, y en la que estaba presente José Roberto Cea, el “Pichón”, Ricardo afirmó que mi poesía y la de Carlos Santos representaba lo mejor que se escribía en El Salvador en ese tiempo. Esto sucedió en enero de 1984. Yo tenía 19 años. Esa tarde yo leí un poema que comienza con los versos: “Fui sujeto a la soledad como un loco, / en un sitio de varias, simultáneas paredes blancas”.

Mientras Ricardo celebró el poema por su estructura y sus imágenes, el Pichón lo criticó negativamente por las mismas razones. Por tres años, Ricardo trató de publicar el poema sin suerte hasta que en 1987, apareció en la revista de la Universidad Nacional LetraViva, en una nueva sección llamada “De jilote”, en donde se publicaría, en palabras del Pichón, “la poesía de poetas en formación, como el maíz cuando está en jilote”. La manera condicional en que mi poema fue publicado provocó una reacción de ira de Ricardo, quien me escribió una carta criticando el ambiente de “gazmoñería” de El Salvador, y disculpándose por lo sucedido. Pero desde entonces él nunca dejó de abrir espacios para mi poesía: en Taller de Letras, en Ars y en otras publicaciones.

A finales de 1988, llegó a manos de Ricardo un poema mío en el que yo incluía una consigna anti imperialista. Me escribió de inmediato una fuerte carta reprochándome. “Este no es el tiempo de los cantos épicos”, escribió. “Espera y verás”. La carta estaba acompañada de las pruebas de galera del último libro de Jaime Suárez Quemain, el poeta y periodista asesinado en mayo de 1980. Una frase de Ricardo consignaba el manuscrito: “Víctima de la guerra”. No respondí a su carta. No sabía qué decirle. En enero de 1989, recibí otra carta suya acompañada por una acuarela. Era un texto memorable por su brevedad: “Espero que te hayan llegado los papeles que te mandé, y que no hayas tomado a mal recriminaciones que te hice, realmente, con cariño”.

La noche que leí esas palabras tuve un extraño sueño: soñé que una pareja me visitaba durante la noche, mientras dormía. Ambos tenían cabeza y alas de pájaro. El sueño tenía el color de la sangre coagulada. Un par de años después descubrí esa imagen en un libro: era una pintura del español José Gutiérrez Solana. Recordé entonces el sueño y recordé la última conversación que tuve con Ricardo antes de partir en 1984, en la que discutimos al olvidado y maravilloso artista, quien una vez declaró: “Si yo no fuera pintor, sería un famoso criminal”.

Ricardo me había comunicado lo que sólo él pudo haberme dicho en ese tiempo de terrible incertidumbre: “Nosotros los artistas debemos hacer lo que hacemos porque somos quienes somos. Es un papel que no hemos elegido. Por razones y circunstancias que no comprendemos del todo, estamos aquí. Estamos solos en nuestra vocación, pero es una vocación pura y digna. No nos es dado cambiarla por nada”.

Ávalos, Jorge. El amor a las palabras, El Faro, 30 de junio de 2003, San Salvador.

Ilustración: Pájaros de José Gutiérrez Solana.

Tercera llamada al Premio Ovación 2010

2010-01-16T13:47:00.001-08:00

Miguel Marroquín

Con el fin de fomentar la actividad creadora mediante el apoyo a proyectos de desarrollo artístico en El Salvador, el Teatro Luis Poma Y la Fundación Luis Poma, hace un recordatorio a los artistas escénicos salvadoreños, para que participen en la convocatoria para el premio “Ovación” en su edición 2010.

Todo artista que desee participar, aún tiene la oportunidad de hacerlo ya que la fecha final para entrega de proyectos es el próximo 14 de febrero. El ganador de la edición anterior (2009) fue Jorge Ávalos con la obra de teatro La balada de Jimmy Rosa, la cual fue incluida en la segunda temporada de teatro 2009 del Teatro Luis Poma.

El Premio “Ovación” consta de cinco mil dólares, que son otorgados al ganador no en efectivo, sino en recursos y apoyo bajo concepto de gastos de producción, capacitación y difusión de la obra ganadora.

Pueden participar proyectos relacionados con cualquiera de las ramas del arte escénico: dramaturgia, actuación, producción, dirección, coreografía, escenografía, vestuario, maquillaje, fotografía o video. Serán considerados, de forma individual o colectiva, hombres y mujeres de cualquier edad, de nacionalidad salvadoreña y todos aquellos legalmente establecidos en El Salvador.

“La entrega de dicho premio nace con el fin de que los artistas nacionales puedan acceder al siguiente nivel de perfeccionamiento en su campo de elección. Además facilita el identificar el talento donde se encuentre, fomentar la actividad creadora y favorecer la promoción y la difusión de las obras”, expresó Roberto Salomón, director del Teatro Luis Poma.

Marroquín, Miguel. Teatro Poma hace los últimos llamados para el Premio Ovación 2010. La Página, enero 15 de 2010, San Salvador.

A los que hablan con negatividad de nuestra cultura

2009-12-12T12:48:00.000-08:00

Carlos Velis

Si algo se puede decir de Álvaro Menén Desleal es que era un escritor profesional: vivía de la escritura, como proyecto de vida, con los riesgos de pobreza que eso implica, cosa que en este país, muy pocos lo pueden decir. En sus últimos años, cuando vino a radicarse al país, mantuve una buena amistad con él, por supuesto, salvando las distancias de la edad, pero con mucha historia en común. Sé que renegó de muchos desplantes que hizo en su vida, a gente que no lo merecía.

Con relación a la Luz negra, es una obra con gran influencia de Samuel Becket, pero no es un plagio. Eso lo puedo asegurar, que me sé de memoria ambos autores. Yo me quedaría con las palabras de Miguel Ángel Asturias, que la llama un “absurdo tropical”, por tanto más exhuberante y rico que los textos de Becket. Hasta ahora, sigue siendo la obra dramática más importante de El Salvador, que aún se puede ver en algún montaje en cualquier lugar alrededor de la tierra, como Inglaterra, Japón, etc. Es cierto lo que dicen algunos comentaristas, que Luz negra no tiene una idea clara, un “superobjetivo” claro, como le llamamos en el teatro; es un texto despelotado y caótico, pero ese es su valor, precisamente. Al final de cuentas, despierta polémica, lo que ya de por sí es valioso. Pero su gran contenido es sobre el respeto a la vida, la tolerancia entre las diferentes ideologías y cómo las dimensiones de la realidad cambian después de la muerte. Es, verdaderamente, lo mejor que saliera de la pluma de Álvaro.

A los que hablan con negatividad sobre nuestra vida cultural... les recomiendo que lean más lo nuestro, que vayan al teatro y a los eventos culturales, porque ahora hay más que nunca, a pesar de las dificultades que afrontamos los hacedores de cultura, como la exclusión social a que nos ha condenado el régimen arenero (y los anteriores, desde Martínez) y que las consecuencias van a durar muchos años, o sea, mientras exista el monopolio mediático. Esa es una injusticia que tienen que reivindicar los futuros gobiernos.

Cada año, nuestros escritores ganan premios internacionales en América y Europa; Quetzaltenango, practicamente es dominio de los salvadoreños. En poesía, se puede mencionar a Mario Noel Rodríguez, Carmen González Huguet, Jorge Galán, Otoniel Guevara; en cuento, a Claudia Hernández, Rafael Francisco Góchez, Lito Montalvo, Luis Salazar Retana; en dramaturgia, a Carlos Velis, Jorgelina Cerritos, Jorge Ávalos; en novela, a Berne Ayalá, Horacio Castellanos Moya, David Hernández, Mario Bencastro, entre otros muchos; también tenemos a escritores que ejercen con igual maestría cualquiera de estos géneros, como David Escobar Galindo, Ricardo Lindo (que, por cierto, fue el que le dio un manuscrito a Álvaro y éste lo publicó con su nombre), José Luis Valle; y no quiero olvidar a los ensayistas, como Geovani Galeas, Astrid Bahamond, Rafael Rodríguez, Rafael Lara Martínez, Carlos Cañas Dinarte, etc., etc., etc...

A los que ven de manera derrotista la descomposición de los jóvenes, les invito a que se acerquen a ellos, van a ver que no todos son descompuestos; al contrario, la esperanza se mantiene.

Por fin, me gustaría que se reconsiderara el nombre “Roque Dalton” que ostenta el teatro Municipal de Cámara, por el de Edmundo Barbero, ya que san Roque, por mucho que se le venere, no ejerció el género dramático. Su única incursión al teatro fue en la superproducción de los sesenta, Edipo Rey, con el Teatro Universitario, dirigida por Jean Moreau y no hay muy buenas referencias de su disciplina escénica.

Velis, Carlos. “A los que hablan con negatividad de nuestra cultura”, Conversaciones con Neto Rivas, 30 de agosto de 2009.

Una cita con la controversia

2009-12-09T06:43:00.000-08:00

Entre los eventos del décimo primer aniversario de La Luna, Casa y Arte habrá también una noche para la polémica, con un montaje multimedia de El asco de Horacio Castellanos Moya.

La novela ha sido adaptada al teatro por el escritor Jorge Ávalos para acompañar el estreno de un video de Guillermo Escalón en el que Castellanos Moya discute su libro más controversial.

“Vamos a ofrecer una presentación muy interesante en dos partes que se reflejan mutuamente como en un espejo: por un lado el personaje de El asco y por otro lado el autor, que es un personaje de la literatura y la realidad nacional; no sé quién creó a quién”, explicó Ávalos.

Esas dos partes son el video de Escalón y un monólogo adaptado de la novela y el cual será interpretado por el actor Juan Ramón Galeas, mejor conocido por su trabajo en El jardín de las angustias de Filánder Funes.

Según Ávalos, el video es en realidad otro monólogo, en el que Castellanos Moya profundiza en los temas que abordó en El asco.

“El público podrá constatar que la transición del texto de la novela a las declaraciones de Castellanos Moya contenidas en la entrevista de Escalón es bastante fluida, como si se trataran de las dos partes de una sola obra”, resaltó Ávalos.

Esta presentación especial dedicada a la novela El asco tendrá lugar mañana a las 9 p.m. en La Luna. La entrada será gratuita.

“Una cita con la controversia”, La Prensa Gráfica, San Salvador, lunes 2 de diciembre de 2002.

Las nuevas propuestas teatrales

2009-12-09T05:22:00.000-08:00

Fernando Umaña considera que con La canción de nuestros días se está abriendo una nueva brecha dentro del teatro nacional.

Regina Miranda

La canción de nuestros días es una de las tres piezas de dramaturgia salvadoreña que forman parte de los estrenos de la muestra de teatro 2009 “De las tablas a la literatura, de la literatura a las tablas”, coordinada por la Asociación de Arte Dramático (AAD).

La puesta en escena de La canción de nuestros días, original del escritor y periodista Jorge Ávalos, estuvo a cargo de Fernando Umaña, director del Teatro Estudio de San Salvador (TESS).

Esta obra es la apertura al teatro profesional de las actrices salvadoreñas Marlen Argueta, Gabriela Avilés y Jennifer Vásquez. Comenzará a presentarse el miércoles 27 de mayo, para continuar el 28 y 29 en la pequeña sala del Teatro Nacional.

La obra narra cómo la paz y tranquilidad de tres hermanas que viven en la zona montañosa de Morazán les fue arrebatada con el inicio del conflicto armado en los años setenta, una situación que experimentaron miles de personas en el país.

“Este montaje es muy diferente a los otros cuatro que como director he hecho para el TESS. Anteriormente trabajé mucho la fisicalidad (movimiento) del actor; este trabajo es más interno. Lo hemos llamado teatro de la quietud: la acción no es transmitida por lo físico, más bien la palabra toma el rol”, manifestó el director.

Fernando Umaña considera que con La canción de nuestros días se está abriendo una nueva brecha dentro del teatro nacional.

“Es una puesta de escena donde el movimiento es mínimo; y si lo hay es un movimiento de alto grado de contención interna, donde se reduce al máximo la expresión”, agregó el director.

Miranda, Regina. Fragmento de “Las nuevas propuestas teatrales”, El Diario de Hoy, sábado 23 de mayo de 2009.

El día nacional del asco

2009-12-08T23:56:00.000-08:00

Cómo llevé a escena la novela de Horacio Castellanos Moya

Jorge Ávalos

La adaptación escénica que presenté de El asco de Horacio Castellanos Moya en La Luna, Casa y Arte el 3 de diciembre de 2002, fue un acto de justicia en más de un sentido. La génesis de El asco está íntimamente ligada con este espacio cultural dirigido por Beatriz Alcaine, y que en ese entonces cumplía 11 años de ser el espacio generador de actividades artísticas innovadoras más importante del período de la posguerra, una especie de laboratorio cultural que permitió nuevas avenidas de expresión y de debate.

Una leyenda urbana, que al parecer no está muy alejada de la verdad, es que Horacio escribió El asco en La Luna, en un rincón junto al jardín; al menos así lo recuerda Beatriz. Además, los personajes de la novela, Edgardo Vega y un tal Moya, que sin duda representa al autor, se reúnen en un café bohemio claramente inspirado en La Luna. Más importante aún, es que Horacio ha sugerido que el encuentro narrado en la novela está basado en la realidad; de que, en efecto, un día de tantos se reunió en La Luna con un amigo que visitaba el país, y que la conversación giró en torno a los vicios de la identidad salvadoreña, deformada por la guerra y la violencia. Por lo tanto, La Luna no es sólo el escenario real de la escritura de la obra, también es el espacio real del encuentro que inspiró el escenario ficticio en el que transcurre la acción narrativa.

Publicada en 1997, El asco se convirtió de inmediato en un éxito de ventas, pero dividió a los críticos. Para dar un ejemplo, Miguel Huezo Mixco la consideró la mejor novela de la década; por su parte, Geovani Galeas la consideró un simple libelo; ambos, por cierto, publicaron sus opiniones en la misma revista en la que Horacio había trabajado como editor por muchos años: Tendencias. Si bien el valor de la novela todavía es discutido, lo que no puede negarse es que la ironía corrosiva del autor sí caló muy hondo en la conciencia del lector salvadoreño. La obra contiene un ataque sistemático y mordaz de los signos más emblemáticos de la cultura salvadoreña, y provocó reacciones violentas entre algunos lectores, incluyendo amenazas de muerte contra el autor, las cuales provocaron su exilio.

En el 2002, cinco años después de su publicación, El asco continuaba generando polémicas. Fue entonces cuando el cineasta salvadoreño, Guillermo Escalón, que radicaba en Guatemala, decidió hacerle una entrevista a Horacio. Al editarla, Guillermo no incluye un marco contextual a la entrevista y suprime las preguntas. El video, por lo tanto, refleja, como en un espejo, la estrategia de la novela, y se convierte en un monólogo no muy distinto al que encontramos en El asco, narrado en primera persona por un personaje llamado Edgardo Vega (el mismo “Thomas Bernhard” en El Salvador al que se alude en el subtítulo). El monólogo de Horacio en el video es también una disección de la identidad salvadoreña. Y yo me atrevería a decir que su diatriba —construida con sus respuestas en torno a su novela El asco, con sus opiniones sobre la identidad salvadoreña y con su apreciación del verdadero escritor suizo Thomas Bernhard— es incluso más interesante, más corrosiva y más divertida que la novela en sí.

Por una extraña coincidencia, en un mismo día tuve tres encuentros fortuitos que me impulsaron a decir: ¿por qué no llevamos El asco a escena? El primero de estos encuentros fue con Miguel Huezo, no el escritor que cree que la novela de Horacio es la mejor de la década, sino el tenaz promotor cultural de la Casa de los Mestizos en Suchitoto. Él había visto el video con la entrevista de Horacio, y aseguraba que Guillermo deseaba un estreno provocativo. La propuesta de Miguel era que debía correrse el rumor de la existencia del video, indicando que era aún más controversial que la novela.

“¿Cómo se inicia un rumor así?”, pregunté.

Mi pregunta debió haber sido muy ingenua porque Miguel y los otros tres amigos que nos acompañaban comenzaron a reír.

“Está bien”, dije, “corran la voz, pero a mi manera de ver, la presentación de esta entrevista debería estar acompañada de una representación en vivo de El asco.”

La respuesta que recibió mi propuesta todavía me intriga.

“En estos tiempos”, dijo un escritor amigo, “¿quién se va a atrever a leer El asco públicamente, mucho menos, quién se va a atrever a presentarlo?”

Esa misma tarde pasé por el café y bar La ventana, que en ese entonces estaba ubicado en la zona bohemia de El Barrio. Allí, en la barra me encontré con un actor, Juan Ramón Galeas, y de inmediato comenzamos a hablar de la pobreza de propuestas en el teatro salvadoreño. Desde el 2001, Galeas había interpretado el papel de Federico García Lorca en el El jardín de las angustias, una obra adaptada de textos del poeta andaluz y puesta en escena por Filánder Funes. Fue la mejor obra salvadoreña del 2001 y en el 2002, no había nada en los escenarios que se le comparara. Al menos así lo creía Juan Ramón. De pronto, se me ocurrió hacerle una pregunta que me pareció obvia.

“Es verdad que no hay propuestas interesantes en el teatro”, observé, “pero, ¿cuál es tu propuesta? Es decir, ¿qué es lo que te gustaría hacer en el teatro, en este momento?”

Juan Ramón me miró muy fijamente y luego miró su vaso vacío.

“Me gustaría hacer algo que valga la pena”, respondió. “Algo que sacuda al espectador, un texto provocador, algo así como El asco, pero para la escena”.

“¡Qué curioso! Eso es exactamente lo mismo que yo estaba pensando”, le dije, y en ese mismo momento intercambiamos teléfonos, motivados a hacer algún tipo de escenificación de El asco.

Aunque cueste creerlo, cinco minutos después de mi conversación con Juan Ramón tenía un trato para presentar El asco. Al salir de La Ventana crucé la callé, entré al supermercado y allí me encontré con Beatriz, y de inmediato comencé a hablar con ella del video de la entrevista con Horacio sobre El asco y de mi idea de estrenarlo precedido de una puesta en escena de la novela.

“¿Sabías que Horacio escribió El asco en La Luna?”, dijo.

La verdad, no lo sabía. Esa misma noche le propuse a Beatriz realizar el evento en La Luna.

Habría olvidado este encuentro fortuito con Bea en un supermercado de no ser porque hace poco descubrí que todavía conservo el correo electrónico en el que propongo la idea, y que data del 18 de octubre de 2002: «Sobre lo que te conté en el supermercado… Entre el Museo de la Palabra y la Imagen y una ONG guatemalteca se produjo un video de media hora realizado por Guillermo Escalón sobre Horacio Castellanos Moya. El video es en realidad un monólogo de Horacio hablando en términos bastante similares a como escribe en El asco. Y es muy entretenido, deberías oírlo hablar de “los dos ejes de pudrición de El Salvador”… Estamos planeando hacer más de un evento con Horacio, el libro El asco y con el video. Dentro de un par de días recibimos noticia de Horacio a ver si puede venir en esa época. Pero en La Luna lo chivo sería valorar el aspecto creativo y artístico de El asco, que es una creación después de todo y que nació allí. La idea que discutimos a mí me parece chivísima, con un actor interpretando El asco, y con una proyección creativa del video. Planifiquemos para diciembre, en el marco del aniversario de La Luna.»

Beatriz aceptó la propuesta de inmediato, aunque debo decir que la declaración plural que utilicé para inspirarle confianza en el proyecto —“estamos planeando”— resultó ser una ilusión, porque como productor del evento acabé quedándome solo. Ni la Casa de los Mestizos ni el Museo de la Palabra y la Imagen me dieron apoyo alguno. Al final, sin embargo obtuve una donación anónima de cien dólares para la producción, que me sirvió para pagarle 50 dólares al actor por una presentación y el resto para pagar todos los tragos que consumimos durante los ensayos que llevamos a cabo en los bares más importantes del país. Cuando Bea se enteró de que nadie estaba detrás del proyecto, excepto yo, cambió la redacción del anuncio en el calendario y me hizo prometerle que no le iba a fallar. Para el día 3 de diciembre de 2002, el calendario de La Luna literalmente reza: “Jorge Ávalos presenta…”. Así, con cien dólares y una idea me convertí en empresario teatral.

El 20 de noviembre, Bea me escribió para saber si todo estaba bien. He aquí mi respuesta: «Sí, el 3 de diciembre es el día nacional del asco. El programa incluirá el estreno del video de Guillermo Escalón (de 30 minutos), una entrevista con Horacio Castellanos Moya sobre su novela El asco y una lectura de fragmentos de la novela por el actor Juan Ramón Galeas. Todo el programa durará una hora. Mañana en la noche me reúno con Juan Ramón para amarrar detalles. Yo me encargo de hacerle publicidad en La Prensa Gráfica para ese día. Vos hacé lo demás. Con Juan Ramón discutimos la idea de comenzar con una dosis de teatro invisible. O sea, sin que la gente sepa que él es el actor, que comience expresando molestia de que estos eventos siempre empiezan tarde, qué a qué horas empieza, que a la gran púchica este país, y así cuando la gente menos lo siente ya están escuchando el monólogo del El asco. No sé si eso te parece…».

«Me parece genial lo del teatro invisible y perfecto el actor para tal asco», respondió Bea. Así que todo estaba en marcha. En apariencia. Porque aunque sí tenía una idea muy clara de lo que quería hacer y una propuesta de montaje bastante avanzada, tenía un par de dificultades. En primer lugar, no tenía todavía una adaptación, y me quedaba un margen de tiempo muy breve para redactar un texto. En segundo lugar no tenía permiso ni de Horacio para adaptar su novela ni de Guillermo para presentar su video. Y sobre esto último, me acababa de enterar de que el video de la entrevista con Horacio se había perdido. La única copia que yo conocía la tenía Miguel de la Casa de los Mestizos y había sido robada del carro de un amigo de él.

“¿Un ladrón se robó el video de la entrevista con el autor de El asco?”, le pregunté a Miguel. “¡Me corto un brazo si no se le puede llamar a eso irónico!”.

“¿Qué querés decir con ‘irónico’?”, fue la réplica al otro lado del teléfono.

Mantengo que el hecho fue irónico, tanto así que todavía conservo mis dos brazos en el lugar que les corresponde. Ahora bien, si quería una versión digitada del texto de El asco y una copia del video, tenía que obtener el permiso de los dos artistas y pedirles a ellos, con cierta urgencia, ambas cosas. He aquí el texto de mi correo a Horacio enviado el 21 de noviembre: «Horacio: Te escribo por un par de cosas. El martes 3 de diciembre, La Luna estará presentando el video que realizó Guillermo Escalón sobre El asco, y que es una entrevista con vos. Lo que queremos hacer es presentar el video y una lectura en vivo de El asco por un actor. No habrá debates ni discusiones ni nada de eso al final. Será un evento para gozar el texto del libro puramente. El evento se dará en el marco del aniversario de La Luna y de los Juegos Centroamericanos y del Caribe. Imaginate que rico será revisitar El asco en ese doble contexto. Celebración y crítica, un acto imaginativo y de repudio al mismo tiempo. Si esto te parece, quería pedirte un favor. ¿Hay alguna posibilidad de que me puedas enviar en Word el texto de El asco? No se va a leer completo, pero queremos hacer una buena selección que complemente y se enriquezca con tus comentarios en el video. Nos facilitaría el trabajo, nada más. Por cierto, ¿tenés el correo electrónico de Guillermo Escalón?».

Increíblemente, Horacio me respondió de inmediato: «Estimado Jorge: Qué buena noticia que presenten en La Luna el video realizado por Guillermo, y en especial en el aniversario de un lugar tan querido para mí. Desgraciadamente no tengo El asco levantado en Word; el disket en que estaba, un viejo Word para Mac, se borró con el tiempo (han pasado cinco años desde entonces). De todas maneras, veré qué puedo hacer, aunque lo veo casi imposible.» De hecho, fue imposible, pero al menos me envió el correo de Guillermo, a quien le escribí: «Guillermo: Te escribo por un par de cosas. El martes 3 de diciembre, La Luna estará presentando un montaje escénico de El asco. Lo que queremos hacer es realizar una presentación en vivo de El asco interpretada por un actor seguida por la entrevista en video que le hiciste a Horacio. No habrá debates ni discusiones ni nada de eso al final. Será un evento para gozar el texto del libro puramente. El evento se dará en el marco del aniversario de La Luna y de los Juegos Centroamericanos y del Caribe. Imaginate que rico será revisitar El asco en ese doble contexto. Celebración y crítica, un acto imaginativo y de repudio al mismo tiempo. Si esto te parece, quería pedirte un favor. ¿Hay alguna posibilidad de que me puedas enviar una copia del video?».

Diez días después, el 3 de diciembre el “día nacional del asco” llegó y, aunque ahora me parezca mentira, todo estaba listo. Beatriz había elegido como escenario el rincón favorito de Horacio en La Luna, una esquina junto al jardín, al lado del técnico de música. Aunque El asco es, en esencia, un monólogo, la idea de un interlocutor es una parte integral de la novela. Yo no quería que el actor se dirigiera al público. Parte del efecto cómico, a mi manera de ver, sería motivada por cierto grado de realismo. Mi propuesta requería que el personaje Edgardo Vega le leyera a “Moya” la novela que había estado escribiendo sobre El Salvador. “Moya”, en la escena, no era interpretado por otro actor, sino por una efigie bastante realista de San Simón, a quien ubicamos al otro lado de la mesa con el actor. De esa manera, el personaje tenía un interlocutor silencioso, pero que cumplía muy bien el papel de servir como un sujeto real para la atención del actor. Aunque el hecho de que Juan Ramón le hablara al santo de los bohemios fue un inspirado efecto cómico, a San Simón lo tomamos muy en serio. Parte del proceso fue pedirle su ayuda en el montaje. Bea le explicó lo que haríamos y luego lo sentó en la mesa elegida. Al final nadie se rió de San Simón, sino del personaje, Edgardo Vega, quien adquirió ciertos matices emocionales, cierto patetismo que le infundió más profundidad a la actuación de Juan Ramón, gracias a la compañía del santo.

La idea del teatro invisible, es decir, la idea de borrar la frontera entre el momento presente y el momento escénico, y entre la realidad y la ficción, funcionó muy bien. Y el actor la extendió a lo largo de todo el monólogo. Después de quejarse, ubicado entre el “público”, de que en este país todos estos eventos empezaban tarde, Juan Ramón se puso de pie y se sentó en el rincón elegido, desde allí pidió que se apagara la música, que lo tenía harto. Por un par de minutos, una parte del “público” realmente se incomodó con la actitud de Juan Ramón, pues no sabía que era el actor. Sólo con el cambio de luces, cuando una cenital roja iluminó la mesa del rincón y el resto del espacio quedó en sombras, cayó en cuenta la gente, ahora sí transformada en público, de que el suceso teatral estaba por comenzar. Al hablarle a San Simón, el actor se refería a la novela que estaba escribiendo, y ese manuscrito, que era mi adaptación de El asco, estaba construido con recortes a tijera de dos ejemplares de la novela, con mis notas a mano, y las selecciones de texto hechas con un marcador amarillo fluorescente. Una de las indicaciones que le di a Juan Ramón, que estaba vestido con el traje blanco típico de los turistas norteamericanos en la década de 1950, es que mantuviera el ritmo del autor e interrumpiera su monólogo pidiendo tragos al mesero de turno, a quien tenía que llamar con su nombre real. Yo marqué dos interrupciones. Juan Ramón hizo cinco. Terminó su monólogo ebrio y feliz.

En un sentido muy real, Beatriz fue una escenógrafa de primer orden. Creó un ambiente perfecto para Edgardo Vega, pero sin romper con la continuidad del espacio. No había una frontera clara entre la mesa en la que el personaje se sentaba de las otras mesas; el escenario estaba plenamente integrado al espacio de La Luna. Al mismo tiempo, una vez que inició la presentación del monólogo, había detalles mínimos, en la iluminación, en el decorado y en la posición de la mesa, claramente visible a todo el público, que convertían el espacio en un “escenario”. La brillante idea de usar a San Simón para representar a Moya se la debo a ella. Realismo y teatralidad se combinaban en una alquimia perfecta. Uno de los trucos más simples y bellos de Bea fue utilizar para ese rincón escénico un telón de fondo colgado con ganchitos de ropa. Bajo la luz roja que se utilizó durante la presentación se veía rojo, pero una vez que se da la fluida transición entre el texto del actor y la voz de Horacio en el video, la luz cambia gradualmente y vemos que el telón se hace blanco, entonces aparece la imagen del video y el personaje interpretado por Juan Ramón desaparece entre las sombras. Esta transición creó un efecto de espejo: el personaje se transforma en su reflejo, interpretado con igual maestría por Horacio en el video.

La recepción por un público principalmente conformado por artistas visuales fue inolvidable. Marta Eugenia Valle, mejor conocida como una pionera de la instalación, escribió una crónica del evento que fue publicada en el portal de Internet salvadoreño Infocentros. En ese artículo concluyó que «La presentación conjunta del monólogo y el video definitivamente nos permite penetrar y conocer otras facetas del libro El asco, que nos obligan a separarnos de lo emotivo, para llevarnos a la reflexión sobre los procesos históricos, políticos, sociales y culturales que hemos vivido y que estamos viviendo los salvadoreños.» Horacio, que estaba fuera del país, agradeció el artículo tan descriptivo de Marta Eugenia. Por su parte, Guillermo estaba encantado. Unos días después me escribió: «Me alegra mucho que haya funcionado, es una forma de válvula de escape necesaria que me deja una sensación de alivio. Ojalá circule de nuevo este subversivo montaje que hicieron.» Pero por una serie de razones que no vale la pena recordar, el “montaje subversivo” de El asco no se volvió a hacer. Fue un evento único. Y la verdad, lo prefiero así, porque, a su manera, fue el suceso teatral perfecto. Así lo quiero recordar.

Ávalos, Jorge. “El día nacional del asco”. San Salvador, 3 de diciembre de 2009.

Con Policarpo y Rosa se enreda esta cosa: En el teatro

2009-12-08T16:46:00.000-08:00

Un fragmento de Con Policarpo y Rosa se enreda esta cosa

Jorge Ávalos

Acto I, escena 1: La canción del día a día.

Entra la Narradora y con un chasquido de los dedos (o algún otro mecanismo) congela la acción.

NARRADORA: ¡Ah, el teatro, el teatro! Ustedes pensarán que es una mera distracción, una extraña forma de entretenimiento, la ocupación de un grupo de excéntricos comediantes apasionados por la máscara y el disfraz, por el hechizo de la palabra y la belleza de la expresión. En realidad, no hay nada más ordinario y común que el teatro. El mundo está de lleno de ellos, porque todos somos actores. (Chasquido de los dedos, comienza la música y la canción. Opción: La Jefa y el Asistente salen o se unen a la canción).

Adónde estamos
en qué teatro
en qué faceta de la vida estamos
adónde iremos
y qué haremos
una canción de amor habrá que inventar

Cada mañana
enciendo el cielo
y salgo al día iluminada con mis sueños

la calle baila, el sol me sigue
y canto la canción del día a día

Este es mi triunfo
mi único triunfo
este es mi triunfo
ser la verdad de mi verdad
ese es mi triunfo

A diario desempeñamos nuestros papeles. Los aprendemos poco a poco, al principio. Y después los creamos nosotros mismos, los ajustamos a la medida de lo que somos y de lo que podemos y necesitamos hacer. Nuestra personalidad es nuestra máscara; nuestra actitud, nuestro disfraz.

Adónde estamos
en qué teatro
en qué faceta de la vida estamos
adónde iremos
y qué haremos
una canción de amor habrá que inventar

Cada semana
salgo al mundo
convencida que mi vida nace
con mis sueños

la calle canta, el sol me sigue
y me entrego al ritmo de los días

Este es mi triunfo
mi único triunfo
este es mi triunfo
Ser la verdad de mi verdad
ese es mi triunfo

¿Hasta qué punto pretendemos ser lo que no somos? ¿Hasta qué punto somos lo que somos de verdad? Usted, por ejemplo, ¿quién es usted? En la mañana, es la madre responsable: el desayuno de los niños, los dientes cepillados, los zapatitos lustrados, el uniforme planchado, ¡vamos, vamos, se hace tarde! Y con ellos usted, la súper mamá, lista para la faena, con su traje formal y sus zapatos de vestir. Pero cuando cruza la puerta de la empresa, ¿quién es usted? Ah, soy la secretaria, soy la gerente de mercadeo, soy la cocinera, soy la directora de recursos humanos, soy… soy la mujer trabajadora… una mujer y su sueño. Y usted, sí, usted, ¿quién es usted? Ah, soy el nuevo vendedor, el gerente de la planta, el técnico, el director, soy… el hombre trabajador… un hombre y su sueño. Pero al llegar a casa cambiará de papel y será el padre cariñoso pero cansado, que levanta a los hijos en sus brazos, ¿dónde está mamá? ¿Hiciste los deberes? Y cuando ella aparezca y lo bese, juntos, todos, desempeñarán el papel de una familia. Los niños contarán sus fantásticas aventuras, y cuando se duerman, papá y mamá se hablarán con la mirada, y el amor los hará tan bellos como aquél día cuando un nervioso y mutuo sí los convirtió en algo más que uno…

Y cuando acabe la función
que nadie diga
que no hice lo mejor que pude hacer
pues desempeñé el papel más importante:
ser lo mejor que pude ser
en cada acto y su función
en cada día
de mis días y mis sueños

Este es mi triunfo
mi único triunfo
este es mi triunfo
Ser la verdad de mi verdad
ese es mi triunfo

Así que desempeñamos papeles todo el tiempo, a lo largo de nuestra vida. Lo importante es aprender cómo hacerlo, sólo así podremos desempeñar el papel que más importa: el que nos permite lograr lo que queremos, el que nos ayuda a convertir en realidad nuestros sueños.

Ávalos, Jorge. Con Policarpo y Rosa se enreda esta cosa. San Salvador, agosto de 2005.

© 2005, Jorge Ávalos

La Constancia hace cultura

2009-12-08T16:32:00.000-08:00

La empresa líder hizo del teatro un eficaz aliado, en esa lucha por ser los mejores

El autor, Jorge Ávalos concibió una comedia muy cotidiana sobre una ingenua secretaria y sus enredos, en el primer día de labores.

Rosemarie Mixco

Resulta que la mística está en último lugar. Al final de todo. Escondida tras las sombras. Pero, no porque su valor sea mínimo. Al contrario, su importancia es tal que es necesario tenerla en la base del éxito, como la meta final y detrás de cada proyecto.

Industrias La Constancia (ILC) ha sido, es y quiere seguir siendo líder. Para ello, navega constantemente en aguas agitadas, donde ser ágil, creativo y eficaz es esencial. Nutrir una mística de trabajo leal y responsable es una de sus grandes apuestas. Quieren generar una cultura del desempeño. Para ello, en esta era de la globalización, la ILC apostó por una alianza estratégica con las artes escénicas.

Fue en Artteatro, dirigido por el director y productor Fernando Umaña, donde sus expectativas encontraron eco. En menos de dos meses, los artistas asumieron el reto, crearon un guión, maximizaron ensayos y ofrecieron una comedia empresarial que conquistó a dos mil empleados. Con Policarpo y Rosa, se enreda esta cosa, la titularon.

El resultado

El sábado, a las 3:00 de la tarde, teatreros y ejecutivos clausuraron una jornada de ocho funciones que satisfizo las expectativas. Con Policarpo y Rosa se enreda esta cosa no sólo reunió todos los conceptos creados para fomentar esa cultura del desempeño, también logró vencer esas barreras que suelen confabularse contra este tipo de proyectos. La audiencia la disfrutó. La retroalimentación fue un éxito.

“Estamos convencidos que escogimos a los mejores”, expresó Emma de Benítez, directora de Recursos Humanos, al referirse a los virtuosos.

Para Martín van Dam, director de País de ILC, la propuesta escénica mostró a los empleados lo que “hay qué hacer y no hacer”, de una forma fácil de digerir y entretenida. El autor, Jorge Ávalos concibió una comedia muy cotidiana sobre una ingenua secretaria y sus enredos, en el primer día de labores. La obra ofreció hora y media de diversión a todos los empleados.

Mixco, Rosemarie. “La Constancia hace cultura”, El Diario de Hoy, San Salvador, 5 de septiembre de 2005.

Presentan novela ganadora del Sinán

2009-12-08T16:03:00.002-08:00

Jorge Ávalos presentó la novela ganadora del Premio Sinán Listones de Colores.

Al centro, el autor, Carlos Alberto Soriano. A la izquierda: Silvia Elena Regalado.

Esta no es una novela sobre las pandillas, es una novela sobre personas que viven en condiciones de exclusión social”.

Jorge Ávalos

Jorge García F.

La Universidad Tecnológica de El Salvador (UTEC) realizó ayer la presentación de la novela Listones de colores del escritor salvadoreño Carlos Alberto Soriano.

La presentación de esta obra ganadora del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán” 2005-2006, se realizó en el auditórium ingeniero Adolfo Araujo de la UTEC.

En el acto de presentación participaron los escritores. Silvia Elena Regalado, Carlos Soriano y Jorge Ávalos, quien realizó los comentarios sobre la novela.

“Esta no es una novela sobre las pandillas, es una novela sobre personas que viven en condiciones de exclusión social”, enfatizó durante la reunión, el escritor y periodista Jorge Ávalos.

Soriano, quién inició su carrera literaria a los 12 años, recalcó que para la creación de sus personajes, se apega al estilo periodístico de la entrevista.

“Esta es una historia de amor ambientada en el mundo de las pandillas”, puntualizó el autor de la obra.

Este libro escrito en primera persona maneja como temas principales: la locura, la violencia y el uso de las drogas.

García F., Jorge. “Presentan novela ganadora del Sinán”, El Diario de Hoy, San Salvador, 2 de noviembre de 2006.

Afiche de la Muestra de Teatro 2009

2009-12-08T03:37:00.000-08:00

Tres historias de amor en medio de la cruenta guerra

2009-12-08T03:23:00.000-08:00

La canción de nuestros días refleja el fuerte sentido de identidad colectiva que une a sus tres personajes ante el drama de la guerra.

Maryelos Cea

La Muestra de Teatro 2009 presentará al público cinco propuestas netamente salvadoreñas. Entre ellas, La canción de nuestros días del grupo Teatro Estudio de San Salvador (TESS), bajo la dirección de Fernando Umaña.

La obra es original del escritor Jorge Ávalos, conocido por Ángel de la guarda, y relata tres historias de amor que suceden en el comienzo de la guerra civil, que por 12 años desgarró a El Salvador.

Ávalos llama a su obra un “monólogo a tres voces”: las voces de las hermanas Vitelia, Lucía y Elena (encarnadas, respectivamente, por Gabriela Avilés, Jennifer Vásquez y Marlen Argueta).

Umaña habría preferido como título “Ángel por un día” (una frase de la obra), pero La canción de nuestros días refleja el fuerte sentido de identidad colectiva que une a sus tres personajes ante el drama de la guerra.

“Es una forma de narrar bien curiosa, sólo hasta el final te das cuenta de quién es la historia”, indicó Fernando Umaña.

El proceso de llevar a escena La canción de nuestros días inició hace cuatro meses. Sin embargo, fue hace unos cuatro años cuando Ávalos le mostró el texto a Umaña; desde ese momento, el director quiso llevar la obra a las tablas.

La oportunidad se dio con esta muestra y la producción ha implicado varias conversaciones con el autor y visitas a El Mozote.

El estilo del montaje pertenece a algo que el autor llama “teatro de la quietud”. La obra tiene una gran carga emocional, pero a través de la palabra más que de los movimientos.

La obra se presentará en la Pequeña Sala, del 27 al 29 de mayo, a las 6:00 de la tarde. El 30 y el 31 de mayo, las funciones serán a las 11:00 de la mañana y a las 4:00 de la tarde.

Cea, Maryelos. “Tres historias de amor en medio de la cruenta guerra”, Diario El Mundo, San Salvador, miércoles 29 de abril de 2009.

Muestra de teatro 2009 rescata producción nacional

2009-12-08T03:14:00.000-08:00

La Muestra de Teatro 2009 inicia este 15 de mayo, con textos inéditos y originales de salvadoreños.

Maryelos Cea

Del 15 al 31 de mayo, la Gran Sala y la Pequeña Sala del Teatro Nacional de San Salvador albergarán la Muestra de Teatro 2009, que en su segunda edición se propone rescatar la dramaturgia salvadoreña.

“De las tablas a la literatura, de la literatura a las tablas” es como la Asociación de Arte Dramático (AAD) ha denominado a la muestra. Y es que las cinco obras que se presentarán son textos inéditos y originales de escritores salvadoreños, e incluso de los mismos actores y actrices que participan en los montajes, explicó Fernando Umaña, de la AAD.

Así, la muestra no sólo expondrá el talento escénico de grupos salvadoreños, también fomentará la producción nacional y brindará el espacio a aquellos actores y actrices que tienen la necesidad de crear sus propios textos, agregó Umaña.

De hecho, la gran actriz Isabel Dada regresa a las tablas, en el contexto de este proyecto, con una obra escrita por ella misma.

Esta dinámica de presentar obras inéditas y originales se convierte, a partir de esta segunda edición, en la carta de identidad de la Muestra de Teatro.

Montajes con toque de mujer

Curiosamente, comentó Umaña, esta muestra se distingue por reunir los distintos roles de las mujeres en el quehacer teatral: como actrices, dramaturgas y directoras.

Tres obras tendrán su estreno en la Gran Sala. Del 15 al 17 de mayo, se presentará Vecinas, del grupo Moby Dick. Del 22 al 24, le toca el turno al grupo Los del quinto piso, con el texto de Jorgelina Cerritos, Respuestas para un menú. Y del 27 al 31 de mayo, Isabel Dada regresa con La Madona de las cuatro lunas.

En la Pequeña Sala, del 21 al 24 de mayo, Teatro Célula presentará El discreto encanto del matrimonio. El grupo Teatro Estudio de San Salvador (TESS), del 27 al 31 de mayo, presentarán la obra La canción de nuestros días.

La entrada general es de $3; los estudiantes pagarán $2. En la Gran Sala, los palcos costarán $5.

Cea, Maryelos. “Muestra de teatro 2009 rescata producción nacional”, Diario El Mundo, San Salvador, miércoles 29 de abril de 2009.

Lo que no se dice: Monólogo de la madre

2009-12-08T01:45:00.000-08:00

Un fragmento de Lo que no se dice

Jorge Ávalos

Escena 4. Monólogo de la madre.

En una iglesia. Al fondo, una actriz representa a la Virgen María (alternativamente, un actor representa al Cristo crucificado). La Madre entra y se arrodilla en el suelo, pero de cara al público. Junta las manos, cierra los ojos y comienza a rezar. En ese preciso instante, entra otra mujer: la Abogada. Ella trae una vela y la enciende durante la oración de la Madre. En algún momento reconoce lo que la Madre está diciendo, quizás cuando oye la palabra “abogada”, y se da vuelta y la escucha con atención, mostrando sorpresa cuando comprende qué es lo que la madre está confesando.

LA MADRE: Señor, no soy digna de hablarle. Tenía tiempo de no venir. Ya usted sabe que trabajo mucho. La maquila nos tiene cose y cose, día tras día. Y últimamente me ha tocado cubrir también los fines de semana. No me quejo. Estoy feliz porque mi niña tiene todo lo que necesita y usted sabe que eso es todo lo que yo necesito. Ella está creciendo. Se ha hecho tan inteligente. Es una buena niña. Si sigue así podría ser algo. Al principio pensé que como es tan linda, no sé, podría ser secretaria, o trabajar en un hotel. Pero ahora sé que puede ser más: doctora o abogada, lo que ella quiera. Todavía juega fútbol en la escuela pero ya se está haciendo señorita. Por eso quería hablarle, Señor. Algo le pasó a mi niña. Algo muy serio. Un maestro de su escuela la abusó. Más que eso, usted ya sabe lo que pasó: la violó. Eso no se le hace a una niña. Yo lo denuncié a la autoridad, a la directora de la escuela, pero ahora ella dice que todo esto lo provocó mi niña. Yo sé que no es verdad. El día que esto pasó, ella sangró mucho. La llevé a la clínica y me explicaron todo, todo lo que mi niña no me pudo explicar. Ella llora en la noche y tiene miedo de ir a la escuela. Yo quiero que me ayude, Señor. No le pido mucho, sólo quiero que me diga qué puedo hacer para que ella sea como antes, esa niña que podía ser cualquier cosa en el mundo: abogada o doctora, una mujer sin miedo, dueña de su vida y de su futuro. Gracias, Señor.

© 2009, Jorge Ávalos.

Postales de La canción de nuestros días

2009-12-08T01:04:00.000-08:00

La canción de nuestros días

2009-12-07T23:48:00.000-08:00

LA CANCIÓN DE NUESTROS DÍAS

de Jorge Ávalos

Marlen Argueta - Elena

Gabriela Avilés - Vitelia

Jennifer Vásquez - Lucía

Dirección y puesta en escena Fernando Umaña

Teatro Estudio de San Salvador

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 2009

La canción de nuestros días se presentará

del 27 al 29 de mayo a las 6:00 p.m.

y el 30 y 31 de mayo a las 11 a.m. y a las 4:00 p.m.

Pequeña Sala del Teatro Nacional de El Salvador

Entrada general: $3 / Estudiantes: $2

Parqueo disponible en Parqueo Morazán

(frente a la plaza Morazán

a media cuadra del Teatro Nacional)

LA CANCIÓN DE NUESTROS DÍAS

Teatro de la quietud. Un espacio donde voces olvidadas o perdidas se reúnen para tejer una historia común con los hilos de la memoria. Tres voces, una historia: La canción de nuestros días recrea la vida de tres hermanas en el mundo inhóspito de las zonas montañosas del norte de Morazán, El Salvador, poco antes de que la guerra transformara ese mundo para siempre.

Con sus imponentes paisajes naturales, con sus manantiales de agua pura y su fauna de leyenda, Morazán fue el escenario implacable de una cultura cerrada y fecunda, donde la música popular se cultivaba con especial empeño y el amor era la piedra angular de la familia para sobrellevar el aislamiento y la pobreza de las pequeñas comunidades en que vivían.

Esta es, por lo tanto, la historia de una ruptura. En las historias cómicas o emotivas, crueles y esperanzadoras de tres mujeres se registra el fin de la intemporalidad y la llegada de la historia, el momento preciso cuando un estado de inocencia es reemplazado por una toma de conciencia.

En La canción de nuestros días la identidad se erige no en lo que nos separa de los otros, en lo que nos hace diferentes, sino en los que nos une con los otros, con quienes nos identificamos y a quienes amamos. Es por todo esto que podemos afirmar que la cultura es como el amor: es lo queda cuando creemos que todo se ha perdido.

Jorge Ávalos

»Prensa

Postales de La canción de nuestros días. Distribuidas por el Teatro Estudio de San Salvador en abril y mayo de 2009.
Afiche de la Muestra de Teatro 2009: de la literatura a las tablas, de las tablas a la literatura, abril de 2009, Asociación de Artes Dramáticas y Concultura, El Salvador.
Muestra de teatro 2009 rescata producción nacional, Maryelos Cea, Diario El Mundo, San Salvador, miércoles 29 de abril de 2009.
Tres historias de amor en medio de la cruenta guerra, Maryelos Cea, Diario El Mundo, San Salvador, miércoles 29 de abril de 2009.
Teatro de autoría nacional, Gabriela Mendoza, El Diario de Hoy, San Salvador, jueves 30 de abril de 2009.
Teatro made in El Salvador, Patricia Cruz, La Prensa Gráfica, San Salvador, miércoles 6 de mayo de 2009.
Las nuevas propuestas teatrales, Regina Miranda, El Diario de Hoy, San Salvador, sábado 23 de mayo de 2009.
La canción de nuestros días: un estremecimiento teatral, Claudia Hernández, Xibalbá, San Salvador, jueves 28 de mayo de 2009.
Móvil inmóvil: La canción de nuestros días, Ricardo Lindo, El Faro, San Salvador, lunes 4 de junio de 2009.

El Asco

2009-12-07T23:12:00.000-08:00

EL ASCO

de Horacio Castellanos Moya

Adaptación, producción y dirección escénica

de Jorge Ávalos

Con el actor

Juan Ramón Galeas como Edgardo Vega / Thomas Bernhard

Escenografía: Beatríz Alcaine

Presentación exclusiva

el martes 3 de diciembre de 2002

a las 9 pm en La Luna, Casa y Arte

La presentación incluirá el estreno de Voces

un video realizado por el cineasta salvadoreño

Guillermo Escalón

y producido por

El Museo de la Palabra y la Imagen

Voces es una entrevista con el controversial escritor

Horacio Castellanos Moya

en el que habla sobre El Salvador

y sobre El Asco (novela que acontece en La Luna)

Entrada gratis

La Luna, Casa y Arte

Calle Berlín, # 228

Urbanización Buenos Aires 3

Tel. 2260-2921

info@lalunacasayarte.com

http://www.lalunacasayarte.com

Me alegra mucho que haya funcionado, es una forma de válvula de escape necesaria que me deja una sensación de alivio. Ojalá circule de nuevo este subversivo montaje que hicieron.

Guillermo Escalón

» Prensa

Una cita con la controversia, La Prensa Gráfica, San Salvador, lunes 2 de diciembre de 2002.
El Asco: la pesadilla de Castellanos Moya, Marta Eugenia Valle, Infocentros [infocentros.org.sv], viernes 6 de diciembre de 2002.
El día nacional del asco: cómo llevé a escena la novela de Horacio Castellanos Moya, Jorge Ávalos, San Salvador, 3 de diciembre de 2009.

Teatro de autoría nacional

2009-12-07T21:31:00.000-08:00

El director de La canción de nuestros días, Fernando Umaña, discute vestuarios

con las actrices Gabriela Avilés, Merlen Argueta y Jennifer Vásquez.

La canción de nuestros días, original del escritor y periodista Jorge Ávalos, cuenta el paso “de la inocencia” a “la toma de conciencia” de tres hermanas que viven en la zona montañosa de Morazán años antes al conflicto armado.

Gabriela Mendoza

Historias sobre matrimonios infelices, violencia física, psicológica y sexual hacia la mujer, la historia de tres hermanas del norte de Morazán y un monólogo es lo que la Muestra de teatro 2009 traerá a la Gran Sala y a la Pequeña Sala del Teatro Nacional a partir del jueves 14 de mayo.

“De las tablas a la literatura, de la literatura a las tablas” es el título de esta segunda edición coordinada por la Asociación de Arte Dramático (AAD) y patrocinada por el Consejo Nacional para la Cultura y el Arte (Concultura).

El primer estreno será el monólogo La Madona de las cuatro lunas, inédito, escrito e interpretado por la actriz Isabel Dada, el miércoles 27, el cual es un material autobiográfico.

Ese mismo día, pero a distinto horario, Teatro Estudio de San Salvador (Tess) también presentará por primera vez la pieza La canción de nuestros días, original del escritor y periodista Jorge Ávalos. La obra cuenta el paso “de la inocencia” a “la toma de conciencia” de tres hermanas que viven en la zona montañosa de Morazán años antes al conflicto armado.

La tercera novedad será Respuestas para un menú, un drama que refleja “la incomunicación del hombre de hoy y la mujer” (jueves 21), el cual ha sido escrito por la actriz Jorgelina Cerritos, quien actuará con el actor Rafael Pineda, ambos miembros del grupo Los del quinto piso.

Y para iniciar la muestra, Moby Dick presentará su comedia Vecinas y Teatro Célula El dulce y discreto encanto del matrimonio.

Mendoza, Gabriela. “Teatro de autoría nacional”, El Diario de Hoy, San Salvador, jueves 30 de abril de 2009.

Teatro made in El Salvador

2009-12-07T19:45:00.000-08:00

Jennifer Vásquez, Merlen Argueta y Gabriela Avilés interpretarán La canción de nuestros días.

Por primera vez en el país una muestra teatral reúne únicamente obras de teatro escritas por salvadoreños en la muestra “De las tablas a la literatura, de la literatura a las tablas”.

Ando con la onda de hacer cosas de El Salvador, de buscar textos que me digan cosas de mí en cuanto salvadoreño que soy.”
Fernando Umaña, Asociación de Artes Dramáticas

Patricia Cruz

Se ha dicho que en El Salvador no hay dramaturgia, que si se producen obras son pocas. Sin embargo, Fernando Umaña, al frente de la Asociación de Arte Dramático (AAD), cree que sí hay y se dio a la tarea de indagar de grupo en grupo de teatro qué estaban produciendo. De manera que encontró cinco montajes que ha incluido en la muestra de teatro “De las tablas a la literatura, de la literatura a las tablas”, que se llevará a cabo del 15 al 31 de mayo en el teatro Nacional.

“Esta muestra va a ser un incentivo para los grupos que quieren profesionalizarse. Esto es para potenciar los grupos profesionales y que se arriesguen y que le apuesten a textos nuevos, a la dramaturgia salvadoreña, ese es el propósito”, según Umaña.

Serán tres las obras de estreno para esta muestra: “Respuestas para un menú” de Jorgelina Cerritos a cargo del grupo Los del Quinto Piso; “La canción de nuestros días” de Jorge Ávalos con teatro Estudio de San Salvador (TESS); y “La Madonna de las cuatro lunas”, ópera prima de Isabel Dada e interpretada por ella misma.

Esta es la segunda edición de la muestra de teatro, que se desarrolla en alternancia al Festival Centroamericano de teatro Creatividad sin Fronteras.

Cruz, Patricia. “Teatro made in El Salvador”, La Prensa Gráfica, San Salvador, miércoles 6 de mayo de 2009.

Móvil inmóvil: La canción de nuestros días

2009-12-07T14:29:00.000-08:00

El tono es poético aunque utilice un lenguaje de extrema sencillez. Ese mundo sencillo va cobrando matices más ricos y complejos, hasta que el horror llega como una guacalada de agua fría y al final tenemos un nudo en la garganta.”

Ricardo Lindo

En la Muestra nacional de teatro 2009, en la pequeña sala del Teatro Nacional de San Salvador, se presentó a finales de mayo la nueva producción de Teatro Estudio de San Salvador.

Unos años atrás su director, Fernando Umaña, logró lo que parecía imposible: volver dinámica una pieza inmovilista, Luz negra de Álvaro Menéndez Leal. La volvió incluso interesante, pese a tratarse de una obra bastante aburrida. Hoy ha llevado a cabo el montaje de otra obra inmovilista, La canción de nuestros días de otro autor salvadoreño, el narrador y poeta Jorge Ávalos, quien ya antes había hoyado los caminos de la dramaturgia. Ávalos presenta así su obra: “Teatro de la quietud. Un espacio donde voces olvidadas o perdidas se reúnen para tejer una historia común con los hilos de la memoria. Tres voces, una historia: La canción de nuestros días recrea la vida de tres hermanas en el mundo inhóspito de las zonas montañosas de norte de Morazán, El Salvador, poco antes de que la guerra transformara ese mundo para siempre.”

Mucho relaciona la obra de Ávalos con Luz negra. Se trata de que los muertos nos digan su versión de hechos monstruosos donde fueron víctimas, se trata de la crueldad y de la injusticia. Pero, si la obra de Menéndez Leal transcurre en un espacio hipotético, que pudiera situarse en cualquier lugar del mundo, Ávalos habla de un lugar concreto —un mundo patriarcal y al margen de la civilización, aislado en las montañas de nuestra tierra—, y de un hecho concreto —la guerra que vivió El Salvador no hace mucho.

Poema para voces, La canción de nuestros días ha sido montado por Fernando Umaña como tal. No veremos aquí las luminosas ruedas conteniendo las cabezas cortadas que hacía girar en su versión de Luz negra, no veremos grandes efectos. Sobriamente, tres mujeres jóvenes sentadas en sillas paralelas van alternándose para narrar su historia, la historia del amor que la guerra destruye. El tono es poético aunque utilice un lenguaje de extrema sencillez. Ese mundo sencillo va cobrando matices más ricos y complejos, hasta que el horror llega como una guacalada de agua fría y al final tenemos un nudo en la garganta.

No hay aquí una opción política, una acusación que pudiera ser esgrimida por un bando contra el otro. Pero hay una acusación más vasta y no es únicamente la guerra vista desde un ángulo pacifista, sino asimismo el mortuorio redoble de campanas sobre esas comunidades de sencillez evangélica que se van hundiendo en el pasado, aquí y en todas partes del globo. El drama del pequeño pueblo de Morazán va más lejos: es un poema miles de años cantado el que perdemos con él.

Menéndez Leal, hombre de gran ingenio y extraordinario cuentista, logró que Luz negra fuera traducida a diversos idiomas y montada en varios países, pero, ya con la perspectiva que da el tiempo, vemos en ese trabajo suyo un humanismo artificioso y frío. La obra que ahora nos presenta Teatro Estudio, en cambio, tiene vida.

Tres actrices nuevas en escena, Marlen Argueta, Gabriela Avilés y Jennifer Vásquez, han interpretado sus papeles con contención, con mesura, con efectividad.

Ha sido dicho tanto con casi nada. Esta vez Fernando Umaña ha ganado la apuesta siguiendo el camino inverso y también la ha ganado el poeta Jorge Ávalos.

Lindo, Ricardo. “Móvil inmóvil”, El Faro, San Salvador, lunes 4 de junio de 2009.

La canción de nuestros días: un estremecimiento teatral

2009-12-07T12:46:00.000-08:00

La canción de nuestros días de Jorge Ávalos es un nuevo estremecimiento, cuyo epicentro radica en la memoria histórica de El Salvador”.

Claudia Hernández

Este día comenzó con el estremecimiento de la tierra y con una lluvia. No pude dormir tras el temblor de cuatro grados; después de eso, mi mente trabajó en recordar la vulnerabilidad de este país: pensé en las grietas del volcán, en las colonias cercanas a “Las Colinas” que se derrumbaron en el sismo del 2001, en las casas de bajareque… en fin, llegué al trabajo con cara de desvelo.

A la salida de la jornada manejé como loca hacia el centro de San Salvador para poder llegar a tiempo a ver una obra de teatro y, milagrosamente, llegué al parqueo frente a la Plaza Morazán. Tenía años de no entrar a la pequeña sala del Teatro Nacional. Me vinieron muchos recuerdos gratos. Además caí en la cuenta de que he dejado de consumir lo que más me gusta: espectáculos de danza y teatro (por compromisos de danza, vale decir).

Se apagó la luz y en escena aparecieron tres mujeres. La más pequeña parecía la más real de las tres (era la única vestida diferente y con zapatos). Las dos restantes tenían una mirada cautivante y me encantó la forma desenfadada de hablar. Ellas se sentaron a recordar “aquellos días” bajo un árbol de almendro. Y fue entonces que estas hermanas narraron la vida campesina en Morazán, al norte del país, quizá ubicándose a principios de la década de los ochenta del pasado siglo. Aquellas historias me atraparon, pues además de describir el amor, ¡con tanto amor!, y rememorar aquellas “pasaditas y picardías” con un sano humor, me despertó el interés por saber más de esta historia (detalles que no me corresponde contar y si quiere saber más vaya al teatro este viernes, sábado o domingo).

Las hermanas cantaron una canción, muy linda, que desconozco de dónde la sacó el autor. Es una melodía que me pareció un bello legado para la mujer de los zapatos.

Cuando estaba disfrutando de aquella interpretación, sumada a una puesta en escena muy creativa en detalles de luz y movimiento (de las actrices y de los elementos escénicos), la atmósfera escénica cambió. Cuando eso pasó, pensé que me tocaría vivir un nuevo estremecimiento, cuyo epicentro radica en la memoria histórica de mi país.

Así fue. Me estremeció cómo aquellas mujeres terminaron su historia. Brindaron un relato propio y a la vez común para muchos campesinos y campesinas sobre su contacto con la guerra salvadoreña (1980-1992). Entonces entendí porque sólo una de estas hermanas parecía real, dos de ellas llegaron —doce años después— al árbol de almendro, que alguna vez fue cómplice de amores, desafiando a la muerte… salvando su memoria y la de sus seres queridos.

Creo que la obra duró una hora, pero yo no la sentí. Pensé que había sido breve, pero aún así no digerí al cien por ciento de su contenido pues fue intensa y como dicen, lo poco es más. Mucho más.

Salí del teatro con la misma sensación que tuve hace un par de meses, cuando asistí a la capilla de la UCA a presenciar los relatos de sobrevivientes de masacres, torturas y ejecuciones extrajudiciales. En esa ocasión me impactó escuchar las memorias de hombres y mujeres que vieron morir a sus familias cuando apenas tenían 12 años de edad. Estas personas, los sobrevivientes de estos hechos, lloraron y me hicieron llorar, pero al final los vi crecer y personalmente me permitió comprender por qué la verdad y la justicia son valores a los que jamás se debe renunciar.

Quizá por eso la obra fue el segundo movimiento telúrico de este día. Totalmente recomendable, La canción de nuestros días.

***

Y bueno, cuando salí del teatro vi esa plaza Morazán tan linda y hacía un calor agradable. Me pareció el perfecto escenario para fingir y eso hice. Fingí que la ciudad es segura y me puse a caminar por ahí y por allá. Pero no me duró mucho, en mi cartera andaba mi cámara de fotos de reciente adquisición y me acordé que por ahora 14 personas mueren diariamente a causa de la delincuencia. Di la vuelta y me fui. Mi breve interpretación sobre cómo pajarear en el centro de San Salvador se terminó.

La canción de nuestros días es una obra de teatro escrita por Jorge Ávalos y dirigida por Fernando Umaña. Fue interpretada por las actrices: Marlen Argueta, Jennifer Vásquez y Gabriela Avilés. Se presentó en el Teatro Nacional del 27 al 31 de marzo de 2009.

Hernández, Claudia. “La canción de nuestros días: un estremecimiento teatral”, Xibalbá, San Salvador, jueves 28 de mayo de 2009.

Muestra Independiente de Teatro ARTTES 2009

2009-12-05T07:37:00.000-08:00

Organizada por la Asociación de Artistas de Teatro de El Salvador (ARTTES)

Miércoles 4: “La fiesta” – La Bocha Teatro

Jueves 5: “Sueño del ángel” – Grupo de Teatro Mal Camino

Viernes 6: “El rastro” – Acento Escénica

Sábado 7: “Divertimento” – Jaime Ruano

Sábado 7: “Réquiem para un malabarista” – Viktorio Godoy

Domingo 8: “Respuestas para un menú” – Los del quinto piso

Miércoles 11: “Lo que no se dice” – Escena X Teatro

Jueves 12: “Maquila” – La Cocina Teatro

Viernes 13: “A puerta cerrada” – La Barraca Teatro

Sábado 14: “Niños prohibidos” – Teatro Libre

Domingo 15: “Vecinas” – Moby Dick Teatro

Actividad: Teatro
Fecha: Del 04/Noviembre al 15/Noviembre
Lugar: Teatro Luis Poma, Metrocentro 10ª Etapa, San Salvador
Hora: De miércoles a sábado 7 p.m. – domingo 5 p.m.
Entrada: General $3 – Estudiantes con carné $2

“Muestra Independiente de Teatro 2009”, Agenda Click, 4 de noviembre de 2009, San Salvador.

Teatro independiente llega en noviembre

2009-12-05T07:06:00.000-08:00

Lo que no se dice se presentará el 11 de noviembre en el Teatro Luis Poma.

Alfredo García

La Muestra Independiente de Teatro 2009, que se iniciará el 4 de noviembre, ofrecerá humor absurdo, denuncia social, pantomima y existencialismo.

Once espectáculos, producidos en su mayoría durante todo este año, se presentarán durante dos semanas. El escenario será el Teatro Luis Poma.

Por segundo año, la Muestra Independiente, organizada por la Asociación de Artistas de Teatro de El Salvador (Arttes), se llevará a cabo como una iniciativa separada del Festival de Artes Escénicas: Escena 2009, organizada también en noviembre por la Secretaría de la Cultura, antes el Consejo Nacional para la Cultura y el Arte (Concultura).

Entre las obras a presentarse están La Fiesta, de la Bocha Teatro; Sueño del ángel, de Mal Camino; El rastro, de Acento Escénica; Divertimento, de Jaime Ruano; Réquiem para un malabarista, de Viktorio Godoy; y Respuestas para un menú, de Los del Quinto Piso. Las funciones se realizarán del 4 al 8 y del 11 al 15 de noviembre.

“Esta vez hemos dado un paso adelante en el sentido que ahora son más espectáculos y también tenemos una Asociación más sólida y fortalecida”, mencionó Francisco Borja, miembro de Arttes, quien además anunció que la organización está abierta para todos aquellos que quieran unirse.

Los interesados podrán solicitar información e inscribirse al principio de cada función.

También el sábado 14 de noviembre de 8:00 a.m. a 12:00 m. la Asociación llevará a cabo una asamblea abierta para elegir la nueva junta directiva, por lo que sus representantes invitaron a participar a todo el gremio teatral.

Crecimiento

Sobre los avances de la Muestra, Oscar Guardado, presidente de Arttes, comentó: “Lo que hemos tratado de hacer es abarcar la mayor cantidad de grupos independientes. Ahora tenemos algunos que no estuvieron el año pasado, aunque por espacio, tiempo y presupuesto no podemos abarcarlos todos”.

En 2008 la Muestra contó con alrededor de mil 500 asistentes, según informó Francisco Borja.

“Hicimos las valoraciones de que era más la gente joven que se acercó como público. Es importante porque tiene que ver con que los estudiantes están de vacaciones y con el precio de entrada, entonces ellos tienen la iniciativa propia de ir al teatro”, apuntó.

Otras de las piezas participantes son Lo que no se dice, de Escena X; Maquila, de La Cocina Teatro; A puerta cerrada, de La Barraca Teatro; Niños prohibidos, de Teatro Libre; y Vecinas, de Moby Dick. Todas las funciones se han programado en el Luis Poma de miércoles a sábado a las 7:00 de la noche, y los domingos a las 5:00 de la tarde. Entrada $3 general y $2 estudiantes.

García, Alfredo. “Teatro independiente llega en noviembre”, El Diario de Hoy, San Salvador, miércoles 28 de octubre de 2009.

Sobre Avalovara

2009-12-02T09:17:00.000-08:00

«En abril de 2001 el escritor salvadoreño Jorge Ávalos –quien radicó en Nueva York- fundó la revista electrónica Avalovara ante el cierre de los espacios editoriales y creativos en El Salvador. Su perfil editorial consistió en una revista donde los creadores (artistas) fueron los protagonistas.

Ávalos asegura que durante la primera semana de cada uno de los 12 meses que la revista estuvo en línea recibió hasta 900 visitantes al día; en el resto del mes era vista por unas 300 personas diariamente.

“Como en ese momento las revistas culturales se habían muerto (Tendencias y Búho) era necesario tener un medio para que los creadores compartiéramos”, sostuvo.

Así, www.avalovara.org alojó artículos de escritores e intelectuales nacionales como Ricardo Lindo, Miguel Huezo Mixco, Jacinta Escudos, Carlos Santos, Carlos Henríquez Consalvi, Rafael Menjívar Ochoa, Ana María Gómez, Rafael Lara Martínez, Sheila Candelario; incluyó escritos de Johana Godoy (Guatemala) y Roberto Bolaño (Chile).

Una de las secciones que a juicio de Ávalos cobró mucho interés fue la galería de arte, en la que hubo muestras de artistas como Mayra Barraza y Muriel Hasbún.

Paradójicamente, el éxito de la revista la condenó a la muerte, ya que los patrocinadores -al constatar los niveles de audiencia- decidieron cobrar por el servicio de alojar el sitio en un servidor. Ante la escasez de recursos, Avalovara dejó de existir.»

* En el mismo artículo también se menciona la participación activa de Jorge Ávalos en el proyecto Búho: «En 1999 y después del cierre de Tendencias, el grupo editorial Coopex –dirigido por Turcios- estableció una alianza con La Prensa Gráfica para publicar mensualmente la revista Búho, que nació con el objetivo de ser un soporte literario para los estudiantes de Bachillerato. Su directora fue Breny Cuenca. Incluyó artículos de finas plumas internacionales como Juan Villoro (mexicano) y con artículos de escritores y poetas salvadoreños como Geovani Galeas, Carlos Santos, Miguel Huezo Mixco, Jorge Ávalos, Francisco Andrés Escobar, Rafael Menjívar Ochoa, Ricardo Lindo, fotógrafos como Thirza Ruballo y Augusto Vásquez, entre muchos otros.»

Molina Tamacas, Carmen. Fragmento del artículo “Periodismo Cultural en El Salvador”, Ciencia en El Salvador, 16 de noviembre de 2008, San Salvador.

Programa de mano de Lo que no se dice

2009-12-02T01:15:00.000-08:00

La balada de Jimmy Rosa: Al otro lado del espejo

2009-12-02T00:46:00.001-08:00

Documental visual sobre la creación de personajes antes de cada función de la obra La balada de Jimmy Rosa, estrenada en el Teatro Luis Poma de San Salvador el 10 de septiembre de 2009. Escrita y producida por Jorge Ávalos y dirigida por César Pineda. Con el elenco: Patricia Rodrìguez, Karen Castillo, Alejandra Nolasco, Fernando Rodrìguez, Alexander Córdova y Geovanny Alvarado. Grabado el 21 de septiembre de 2009.

La balada de Jimmy Rosa: anuncio de fin de temporada

2009-12-02T00:43:00.001-08:00

Una nota de agradecimiento del elenco y el equipo artístico que trabajó en La balada de Jimmy Rosa, la obra teatral de Jorge Ávalos, dirigida por César Pineda y estrenada el 10 de septiembre de 2009 en el Teatro Luis Poma. En el video aparecen los miembros del elenco: Patricia Rodríguez, Karen Castillo, Alejandra Nolasco, Fernando Rodrìguez, Alexander Còrdova y Geovanny Alvarado. Filmado detràs de escena el 21 de septiembre de 2009 en el Teatro Poma, San Salvador.

La balada de Jimmy Rosa

2009-12-01T15:08:00.000-08:00

LA BALADA DE JIMMY ROSA

Premio Nacional de Teatro Ovación 2009

La balada de Jimmy Rosa es la historia de una joven prostituta acusada de un crimen horrendo. Construida como un drama policial, la acción toma lugar en un cuarto de interrogación de una estación de policía de Nueva York. A través de los diálogos y de la acción escénica se devela poco a poco la historia de Alba Rosa, alias “Gypsy Rose”, una inmigrante ilegal salvadoreña. La tensión dramática crece cuando una fiscal de Nueva York busca y descubre la verdad sobre Alba Rosa. La obra está integrada por seis personajes latinos. Todos serán transformados por la intensa hora que viven en torno al caso de la joven salvadoreña.

Escrita y producida por Jorge Ávalos

Dirigida por César Pineda

El estreno mundial de La balada de Jimmy Rosa

fue el jueves 10 de septiembre de 2009

en el Teatro Luis Poma

en San Salvador, y contó con la participación

del siguiente elenco:

Patricia Rodríguez - Catherine MacLaverty

Karen Castillo - Alba Rosa, alias “Gipsy Rose”

Alejandra Nolasco - Maya Marley

Fernando Rodríguez - Manuel “Manny” Velasco

Alexander Córdova - Félix Fernández

Geovanny Alvarado - Eulalio Ramírez, alias “Wabbit”

Escenografía: Tito Hasbún

Estilista: Kesia Palomares

Sonidista: Mauricio González

Luminotécnico: César Noé González

Vestuarios: Jorge Ávalos y elenco

Producción ejecutiva: Jorge Ávalos

La temporada de la obra fue entre el jueves 10 y el domingo 20 de septiembre de 2009. Además se realizaron dos funciones privadas para la empresa Confía, un ensayo general y una presentación especial para los medios de prensa. Alrededor de tres mil personas vieron la obra en su primera temporada.

» Prensa

Teatro Poma anuncia temporada, Alfredo García, El Diario de Hoy, miércoles 26 de agosto de 2009.
Mañana se estrena La balada de Jimmy Rosa, Alfredo García, elsalvador.com (El Diario de Hoy), miércoles 9 de septiembre de 2009.
Conozca la verdad sobre Jimmy Rosa, Patricia Cruz, La Prensa Gráfica, jueves 10 de septiembre de 2009.
Alba, la historia de una inmigrante, Alfredo García, El Diario de Hoy, jueves 10 de septiembre de 2009.
La balada de Jimmy Rosa: un éxito de primera, Raquel Cortéz, MagaZine La Urbe, 17 de septiembre de 2009.
Un drama neoyorquino muy latino, Mauro Arias, Galería Grafos en El Faro, 18 de septiembre de 2009.
Una obra audaz: La balada de Jimmy Rosa, Elmer L. Menjívar, El Faro, 18 de septiembre de 2009.
La apuesta artística de este año, Roberto Salomón: “¡En teatro hay tanto por hacer!”, entrevista al director del Teatro Poma por América Late, jueves 8 de octubre de 2009.
Al otro lado del espejo, video promocional sobre la creación de personajes detrás de escena, 17 de septiembre de 2009.
Anuncio de fin de temporada, video (teaser) para agradecer a los que apoyaron esta producción, grabado detrás de escena ofrece información de la temporada, 20 de septiembre de 2009.

La balada de Jimmy Rosa: un éxito de primera

2009-12-01T12:32:00.000-08:00

El primer éxito teatral de esta temporada en el Teatro Luis Poma, ovacionada por el público por su alta calidad y su fuerte sentido de drama, de acción y de humor.”

Cortéz, Raquel. “La balada de Jimmy Rosa: un éxito de primera”, MagaZine La Urbe, 17 de septiembre de 2009.

Poma anuncia temporada

2009-12-01T12:24:00.000-08:00

Alfredo García

Hipocresía, falsos devotos, payasos, rockeros y prostitutas estarán presentes en la segunda temporada del año del Teatro Luis Poma, que ayer anunció los espectáculos que se presentarán a partir de mañana viernes.

Por primera vez se presentará en el escenario del Poma un grupo de metal que mezcla el teatro y la danza contemporánea en su propuesta. Se trata de la banda Tiara, que tocará mañana a las 8:00 de la noche.

Esta agrupación se ha aliado con la Bocha Teatro, y en conjunto presentan un montaje que mezcla las artes escénicas con la música experimental de Tiara.

El segundo espectáculo, y único estreno de la temporada, es La balada de Jimmy Rosa. Esta obra, del dramaturgo Jorge Ávalos, fue la ganadora del Premio Ovación que entregó la Fundación Poma en marzo de este año.

“Construida como un drama policial, toda la acción toma lugar en un cuarto de interrogación de una estación de policía en Nueva York. Una inmigrante salvadoreña es acusada de un crimen, todos los personajes son latinos”, explica la síntesis de la obra, cuya puesta en escena está bajo la dirección de César Pineda. El elenco está integrado por Patricia Rodríguez, Karen Castillo, Fernando Rodríguez, Alejandra Nolasco, Alexander Córdova y Giovanni Alvarado. Esta obra estará en cartelera del 10 al 20 de septiembre.

Los vientos de octubre traerán nuevamente la comedia de Molière Tartufo, con la dirección de Roberto Salomón. La obra presenta personajes que “juega” a engañar para cumplir sus objetivos. Tartufo se presentará del uno al 18 de octubre.

Las prostitutas os precederán en el reino de los cielos, de Dorita de Ayala, cerrará la temporada a finales de octubre.

García, Alfredo. “Poma anuncia temporada”, El Diario de Hoy, miércoles 26 de agosto de 2009.

Alba, la historia de una inmigrante

2009-12-01T12:15:00.000-08:00

El Poma estrena hoy una obra sobre derechos, amor y solidaridad humana.

Alfredo García

Alba Rosa es una inmigrante originaria de San Miguel radicada en Nueva York. En esa ciudad se convierte en víctima de explotación sexual y de un sistema judicial que la acusa de la muerte de su propio hijo, Jimmy Rosa.

A partir de esta situación salen a la luz una serie acontecimientos donde están involucrados políticos, fiscales, inmigrantes, policías y una trabajadora social.

Esta es la historia con la que el dramaturgo Jorge Ávalos recibió el premio Ovación 2009, entregado por la Fundación Poma, y cuya puesta en escena se estrena hoy a las 8:00 de la noche en el Teatro Luis Poma.

La obra, titulada La balada de Jimmy Rosa, plantea temas como los derechos de los inmigrantes y el choque cultural entre una salvadoreña y un país que le muestra su lado menos amable.

Sin embargo, para el autor de la obra, detrás de todo el conflicto lo que en realidad hay son personajes cuyas vidas no tienen mucho en común al principio, pero que al conocerse terminan dando algunas muestras de empatía y solidaridad.

“La obra no es solo sobre los temas aparentes como la explotación y un crimen. También hay otros temas detrás y eso la hace más universal, porque toca fibras emocionales a las personas”, explicó Ávalos.

“Hay una discusión más amplia sobre la maternidad y la solidaridad entre las mujeres. Aquí todos los personajes empiezan distanciados por las posiciones diferentes donde están, pero poco a poco se van acercando”, agregó.

Jorge Ávalos recibió el premio Ovación en marzo de este año. Dicho reconocimiento incluyó un presupuesto de cinco mil dólares para la realización de un espectáculo. Esto le permitió trabajar en la producción y en la elección del elenco artístico.

La dirección de La balada de Jimmy Rosa está a cargo de César Pineda. Los actores son Patricia Rodríguez, Karen Castillo, Alejandra Nolasco, Fernando Rodríguez, Alexander Córdova y Giovanni Alvarado.

“Para mí lo más importante era trabajar con artistas emergentes como César Pineda, uno de los mejores directores del país. También las tres actrices principales me parecen maravillosas”, mencionó el escritor.

La obra estará del 10 al 20 de septiembre. Las funciones son de jueves a sábado a las 8:00 de la noche. Domingos a las 5:00 de la tarde. Las entradas valen $5 y $3.

García, Alfredo. “Alba, la historia de una inmigrante”, El Diario de Hoy, jueves 10 de septiembre de 2009.

“La apuesta artística de este año”

2009-12-01T12:09:00.000-08:00

¿Cuál es la apuesta artística del teatro para este año?

Uno de los proyectos importantes desarrollándose en este momento es la producción del premio anual Ovación, otorgado por la Fundación Poma a un proyecto teatral. El primer Ovación fue para La balada de Jimmy Rosa, una obra salvadoreña escrita por el dramaturgo Jorge Ávalos y dirigida por un joven director, César Pineda, que trata de problemas personales que sufren inmigrantes salvadoreños en los Estados Unidos.

Roberto Salomón: “¡En teatro hay tanto por hacer!”, entrevista al director del Teatro Poma por América Late, jueves 8 de octubre de 2009.

Mañana se estrena La balada de Jimmy Rosa

2009-12-01T11:56:00.000-08:00

El teatro Luis Poma estrenará mañana una obra sobre amor, derechos y solidaridad humana.

Alfredo García

Alba Rosa es una inmigrante originaria de San Miguel radicada en Nueva York. En esa ciudad se convierte en víctima de explotación sexual y de un sistema judicial que la acusa de asesinar a su propio hijo.

A partir de esta situación salen a la luz una serie de acontecimientos en los cuales están involucrados políticos, fiscales, inmigrantes, policías y trabajadoras sociales.

Esta es la historia con la que el dramaturgo Jorge Ávalos recibió el premio Ovación 2009, entregado por la Fundación Poma, y cuya puesta en escena se estrenará mañana a las 8:00 de la noche en el Teatro Luis Poma, de San Salvador.

La obra, titulada "La balada de Jimmy Rosa", plantea temas como los derechos de los inmigrantes y el choque cultural entre una salvadoreña y un país que le muestra su lado menos amable.

García, Alfredo. “Mañana se estrena La balada de Jimmy Rosa”, elsalvador.com (El Diario de Hoy), miércoles 9 de septiembre de 2009.

Conozca la verdad sobre Jimmy Rosa

2009-12-01T11:37:00.000-08:00

Teatro Poma presenta el proyecto ganador del Premio Ovación, la obra “La balada de Jimmy Rosa” de Jorge Ávalos. El estreno es este día.

Patricia Cruz

La idea de crear un drama policial es darle a la gente la posibilidad de adentrarse y asimilar temas que de otra manera serían muy difíciles, muy duros de presentar.”

Jorge Ávalos, periodista y dramaturgo escritor de la obra “La balada de Jimmy Rosa”

Un cuarto de interrogación. Una acusada de asesinato, la fiscal que intenta descubrir la verdad, un político que quiere encontrar un culpable y tres personajes más intentan encontrar la verdad sobre lo que le pasó a Jimmy Rosa.

La principal sospechosa es Alba Rosa o “Gypsy Rose”, una salvadoreña ilegal que terminó trabajando como prostituta en El Matadero, un club de mala muerte en Nueva York. Jimmy era su pequeño bebé que murió en condiciones extrañas.

Esta es la trama de la La balada de Jimmy Rosa, un drama policial escrito por Jorge Ávalos y que resultó ganadora del Premio Ovación otorgado por primera vez este año por la Fundación Poma y el Teatro Poma, en marzo pasado.

El elenco es joven y está integrado por Patricia Rodríguez, Karen Castillo, Alejandra Nolasco, Fernando Rodríguez, Alexander Córdova y Geovanny Alvarado.

“La idea de crear un drama policial es darle a la gente la posibilidad de adentrarse y asimilar temas que de otra manera serían muy difíciles, muy duros de presentar”, afirmó Ávalos. Detalló que el suspenso que se mantiene a lo largo de la obra, hora y media que dura, está salpicado con finos toques de humor.

El director del Teatro Poma, Roberto Salomón, aseguró la calidad de la obra, sobre todo por la actualidad de los temas que trata.

Cruz, Patricia. “Conozca la verdad sobre Jimmy Rosa”, La Prensa Gráfica, jueves 10 de septiembre de 2009. Fotografía de Milton García.

Un drama neoyorquino muy latino

2009-12-01T06:07:00.000-08:00

La segunda temporada del Teatro Luis Poma presenta hasta este domingo 20 de septiembre la obra La balada de Jimmy Rosa. Es un drama del salvadoreño Jorge Ávalos dirigido por César Pineda.

Galería de fotografías de Mauro Arias en Grafos.

Arias, Mauro. "Un drama neoyorquino muy latino", El Faro, 18 de septiembre de 2009.

Una obra audaz: La balada de Jimmy Rosa

2009-12-01T03:30:00.000-08:00

Elmer Menjívar

La letra de la balada

La balada de Jimmy Rosa, escrita por Jorge Ávalos y dirigida por César Pineda, es una pieza interesante en la escena nacional, cuyo texto incursiona con cierta audacia en un formato narrativo con el que la televisión nos ha familiarizado. Hablo de esa narrativa que vemos a diario en series que mezclan exitosamente varios géneros, poniendo y quitando a cada uno, en función de mantener el interés del público.

Ávalos, a mi juicio, sigue esta línea, y basa su texto en dos pilares genéricos que tienen su origen en la literatura, pero que se han consagrado ante el gran público en un medio más inmediato: el cine policiaco y el thriller, quitándole al primero el protagonismo policial y al segundo el terror. Conserva el planteamiento de la trama y los recursos literarios, los cuales adereza con el ingrediente más identitario, eso que yo me atrevo a llamar “suspenso forense”, que implica el manejo en el guión de una serie de tecnicismos judiciales y deducciones racionales que a posteriori explican el hecho principal, dando giros impactantes al desarrollo de la historia que mantienen involucrado al espectador. También hay componentes que casi nunca faltan frente al público salvadoreño: el humor (voluntario o involuntario), la caricatura idiosincrásica y el melodrama.

Lo que tenemos en el centro de esta historia es un crimen y una hipótesis (acusación), una amenaza, víctimas débiles, un enemigo poderoso, una heroína en desarrollo y unos entrañables coadyudantes que aportan la simpatía y la empatía. Todo descansa en la fortaleza de los representativos personajes femeninos. Vale decir que el contexto elegido por Ávalos para desarrollar la historia es una ciudad de Nueva York a la que tenemos solo acceso alegórico precisamente por las referencias del cine y la televisión, pero no por lo que se deja ver en el escenario.

El buen manejo de la dramaturgia hace posible que seamos testigos de una historia compleja con un solo decorado y resolviendo con efectivas alegorías y evocaciones los otros espacios narrativos. Otra característica a destacar es el desarrollo de la historia en tiempo real, es decir, los hechos llevan una sucesión lineal y se van resolviendo durante la hora con 20 minutos que dura la obra...

Aquí diré que los diálogos son en su mayoría muy buenos, ágiles, entretenidos o dramáticos, según la necesidad... Lo que merece mención es el procesamiento de la información de la que se vale el guión para ser veraz. Los tecnicismos judiciales y policiales se vuelcan efectivamente en el guión, y discurren sin estorbar en la fluidez y aportando lógica y claridad a los hechos que se van describiendo.

El montaje y el elenco

La puesta en escena, a cargo de César Pineda, ha logrado el cometido del espectáculo teatral: entretiene, involucra e impacta. Lo bueno es que lo hace con sencillez y franqueza, con escenografía realista y en un espacio escénico bien medido con tres planos dispuestos para totalizar el ambiente; apenas un par de efectos de iluminación han sido suficientes para resolver la dinámica emocional. El uso de la música incidental tiene un efecto ambiguo. Yo supondría que fue usado con serias intenciones dramáticas, sin embargo, causan risa porque se interpretan como una parodia de las telenovelas mexicanas de Televisa. El resultado, voluntario o no, es efectivo con el público, que siempre agradece un motivo para reír...

Pineda hace una literal interpretación del tiempo escénico que propone el texto, aunque puede suponerse que por ser el primer montaje de esta obra pueda haber una especie de coautoría entre escritor y director para esta puesta en escena. La acción fluye agradablemente y el silencio es bien administrado, el suspenso se consigue y aunque el desenlace no es tan sorpresivo, resulta entretenido el transcurso...

Ahora bien, la dirección de los actores es un aspecto que puede coronar la calidad de un montaje... Patricia Rodríguez, como la fiscal/defensora, carga con mucho del peso de la obra, tiene cualidades y presencia escénica... su voz... es agradable, potente y con buena dicción... Karen Castillo, como la víctima... cuenta con una muy buena presencia escénica, voz, buena dicción y una caracterización que le da fuerza a su personaje... esa humilde joven migueleña obligada a la prostitución en la gran ciudad de Nueva York, que además es una madre que ha perdido a su hijo y, por si fuera poco, enfrenta la acusación del homicidio del menor y la posibilidad de la pena de muerte.

Alejandra Nolasco ha demostrado su gran talento cuando tiene un personaje y un director que la hacen brillar. Alexander Córdova, como el fiscal general (o algo así), tiene un interpretación rígida y acartonada... Fernando Rodríguez como el joven e incauto policía, aspirante a héroe, aporta una actuación tan natural que parece que le será fácil crecer en las tablas si encuentra las posibilidades. Un caso similar es el de Giovanni Alvarado, que como pandillero salvadoreño, convicto y testigo, por unos minutos ofrece una actuación fresca y suficiente para lo que podemos exigir al personaje.

Estamos ante una propuesta teatral que concilia mucho del gusto de nuestro público, y no dudo que funcione en taquilla...

Menjívar, Elmer. Fragmentos de "Afines y desafines de una balada", El Faro, 18 de septiembre de 2009.

Artículo sobre Kijadurías en El Faro

2009-11-30T06:25:00.000-08:00

«Jorge Ávalos, diseccionando el poema Manchas de ruidos antiguos, escribió sobre el poeta en un texto publicado en El Faro en 2007: “Los poemas de [Alfonso] Kijadurías son la evidencia de que es posible para nuestras conciencias sobrevivir la tenaz hipocresía de nuestros tiempos, el naufragio cotidiano. Pero con la palabra como guía”.»

Dada, Carlos. Kijadurías recibe Premio Nacional de Cultura, El Faro, 9 de noviembre de 2009.

Blasfemias

2009-11-26T13:54:00.000-08:00

Jorge Ávalos

En 1962, una producción cinematográfica de Luis Buñuel perturbó al mundo por sus ataques a la Iglesia Católica y por el uso «blasfemo» de ciertas imágenes. Funcionarios políticos y religiosos alrededor del mundo clamaron por la censura de Viridiana, la película al centro del escándalo.

En medio de la algarabía, Ignacio Ellacuría tomó una vía alterna. El joven sacerdote y filósofo español, que se encontraba en Londres, le escribió una «carta abierta» a Buñuel. Ellacuría no sólo se oponía a la censura, también descubrió que el valor artístico de Viridiana radicaba precisamente en sus imágenes irracionales, como la emblemática «última cena» interpretada por un grupo de mendigos.

La «Carta abierta al director de Viridiana» es un documento singular en el corpus ensayístico de Ellacuría. En ella, se cuestiona el logro artístico de Buñuel porque no fue capaz de llevar su invectiva aún más lejos. Hay una diferencia, señaló Ellacuría, entre el signo y el significante, entre el imaginario católico y la Iglesia en sí. La «última cena» en Viridiana, ¿es una parodia del evangelio o de Leonardo?

Una cosa es examinar la naturaleza de la vocación religiosa, otra cosa es reducir las concepciones populares de la religión a un espectáculo de parodias superficiales. Cuarenta años después, las objeciones de Ellacuría contra la película de Buñuel aún están vigentes. Y Viridiana es recordada como un clásico del surrealismo, un catálogo de imágenes irracionales, no como un ataque a la Iglesia.

En 1980, Graham Greene, el autor de El poder y la gloria, señaló que la Iglesia Católica y sus representantes se jugaban la vida, literalmente, en El Salvador.

«No debemos olvidar nunca», escribió, «que Oscar Arnulfo Romero es, después de Tomás Becket , sólo el segundo arzobispo asesinado en un santuario religioso en dos mil años de historia».

Eso, y el asesinato sistemático para silenciar las voces de tantos catequistas, monjas y sacerdotes en nuestro país, incluyendo a Ellacuría, constituyen la verdadera blasfemia: la censura llevada a su más brutal extremo.

Ávalos, Jorge. “Blasfemias”, La Prensa Gráfica, 23 de noviembre de 2002. Esta columna de opinión se publicó en el contexto de un fuerte debate sobre la censura por el Gobierno de la película mexicana El crimen del padre Amaro, una censura que la Iglesia Católica solicitó y avaló.

El premio de Ávalos

2009-11-26T13:04:00.000-08:00

Geovani Galeas

Poseedor de una admirable cultura libresca, un fino sentido del lenguaje y una experiencia vital cimentada en su cosmopolitismo, Ávalos suele iluminar con sus escritos los aspectos más complejos y sutiles de un libro o de un espectáculo, de una personalidad o de un evento.

No conozco los cuentos con que Jorge Ávalos, colega en esta sección cultural, ha ganado recientemente un importante reconocimiento en Panamá, pero algunos de los mejores poemas que he leído en los últimos años son de su autoría.

Tampoco me une a él una estrecha amistad, pero sí la admiración por su prosa periodística y su inteligencia crítica. De hecho, creo que a partir de ambos factores ha impactado positivamente el nivel de calidad de estas páginas, al tiempo que ha contribuido a redimensionar la manera en que normalmente damos cuenta de los hechos artísticos y literarios.

Poseedor de una admirable cultura libresca, un fino sentido del lenguaje y una experiencia vital cimentada en su cosmopolitismo, Ávalos suele iluminar con sus escritos los aspectos más complejos y sutiles de un libro o de un espectáculo, de una personalidad o de un evento.

Fue el poeta Carlos Santos quien me habló de él y me mostró algunos de sus textos a mediados de los años noventa. Por aquellos tiempos yo editaba la sección cultural de la revista Tendencias y el suplemento “Búho” de La Prensa Gráfica, y le pedí que desde Nueva York, donde residía, me enviara sistemáticamente colaboraciones.

Algunas de las publicaciones más memorables en aquellas revistas le pertenecen, sin duda. En una ocasión lo invité a mi programa de televisión, Universo crítico. Allí leyó unos poemas que provocaron una lluvia de correos electrónicos de personas maravilladas por sus versos.

El premio que ahora le ha sido concedido seguramente habrá de incidir para que su obra se haga más visible y pueda ser apreciada por un número cada vez mayor de lectores. Pues hasta ahora, como suele suceder entre nosotros, a pesar de su evidente calidad, no ha sido publicada más que de manera dispersa en algunas revistas.

Su libro de cuentos será publicado en Panamá... ¿Será imposible que un editor nacional haga lo mismo con sus poemas?

Galeas, Geovani. “El premio de Ávalos”, La Prensa Gráfica, San Salvador, 23 de abril de 2004.

El Asco: la pesadilla de Castellanos Moya

2009-11-26T12:21:00.000-08:00

Juan Ramón Galeas logró interpretar de manera creíble su papel e involucrar al público asistente llevándolo de la risa —desatada por la ironía extrema del autor— hasta el silencio reflexivo y quizás colérico provocado por la irreverencia y crudeza de la propuesta de Castellanos Moya.”

Marta Eugenia Valle

En el marco de la celebración del décimo primer aniversario de La Luna, Casa y Arte, el martes 3 de diciembre de 2002, se presentó un monólogo basado en la novela El Asco de Horacio Castellanos Moya.

La presentación incluyó el ensayo videográfico que dirigiera el cineasta salvadoreño Guillermo Escalón sobre el autor de la obra. Esta unión de literatura, teatro y artes visuales subraya el carácter de La Luna como un importante espacio cultural independiente.

El coordinador del evento, Jorge Ávalos, dijo que esta presentación fue una cuestión de oportunidad y creatividad.

“De creatividad porque la obra de Castellanos Moya fue concebida por su autor a partir de una conversación sostenida con un amigo canadiense, precisamente en el local de La Luna; ambos platicaron sentados en la mesa que ahora sirve de escenario para la presentación del monólogo. Y de oportunidad porque teníamos un video sobre el libro, un actor que proponía representar el monólogo y el espacio mismo donde la novela fue concebida celebrando su aniversario. Las estrellas se alinearon”.

Hace un año, Escalón sugirió la idea de hacer no un documental sino un ensayo videográfico sobre El Asco. La novela ha sido muy controversial en nuestro país, por ello se pensó que una entrevista con el autor de la obra permitiría aportar una perspectiva del libro desde su dimensión literaria e intelectual, más allá de su contenido polémico. Es así como Escalón dirige este proyecto, producido por La Camioneta de Guatemala, y El Museo de la Palabra y la Imagen de El Salvador.

“El video está lleno del humor cáustico de Castellanos Moya, y había que resolver cómo y dónde estrenarlo, y dado que el escenario que inspiró al de la novela es La Luna, creí que una representación actuada de El Asco en su ubicación original sería un contrapunto perfecto a la entrevista con el autor”, dijo Ávalos.

Es ahí donde surge la idea de crear un monólogo por medio de la lectura de fragmentos del libro. Ávalos adaptó el texto y dirigió al actor Juan Ramón Galeas, quien interpretó a Thomas Bernhard, el personaje central de la novela. Beatriz Alcaine diseñó el espacio escénico y aportó la idea de incorporar a San Simón (una estatua de cartón piedra, santo de los bohemios) como el callado interlocutor de Bernhard.

El Asco en vivo

Galeas logró interpretar de manera creíble su papel e involucrar al público asistente llevándolo de la risa —desatada por la ironía extrema del autor— hasta el silencio reflexivo y quizás colérico provocado por la irreverencia y crudeza de la propuesta de Castellanos Moya.

En la presentación, el monólogo se interrumpe para dejar ver el trabajo de Escalón, quien nos facilita con eficiencia el encuentro con el autor y sus ideas, que están antes y a la par del texto al que nos enfrentamos. Castellanos Moya habla de su admiración por la obra del escritor austriaco Thomas Bernhard; la musicalidad de sus escritos y la crítica profunda en torno a todos los valores de la sociedad austriaca y en general de la humanidad.

Para el escritor salvadoreño, Bernhard es un maestro de la musicalidad, que toma como recurso literario la repetición tenaz, continua y a veces agobiante, de una frase que se convierte, como en la música, en un motivo de fuga, de manera que esta frase da paso a la siguiente.

Castellanos Moya lee a continuación fragmentos de Bernhard y luego de su propia obra para establecer la forma en que él mismo ha querido recrear al novelista austriaco, como un tributo y como una necesidad para decir lo propio en su obra: con un lenguaje igualmente obsesivo y cuestionador.

También hace las reflexiones sobre temas como la inseguridad, la violencia y lo que llama la “actitud frenética” de los salvadoreños que le dan la impresión de “hormigas sobre un comal caliente”.

“En El Salvador hay tanta violencia”, dice, “que las personas manejan cierto grado de paranoia para sobrevivir; al final, cuidarse cansa”.

La presentación conjunta del monólogo y el video definitivamente nos permite penetrar y conocer otras facetas del libro El Asco, que nos obligan a separarnos de lo emotivo, para llevarnos a la reflexión sobre los procesos históricos, políticos, sociales y culturales que hemos vivido y que estamos viviendo los salvadoreños.

Valle, Marta Eugenia. “El Asco: la pesadilla de Castellanos Moya”, Infocentros [infocentros.org.sv], viernes 6 de diciembre de 2002.

Madera de la buena

2009-11-26T12:13:00.000-08:00

Mauricio Orellana

Así en la luz como en la sombra, hay madera de la buena en el olvidado edificio de nuestras letras contemporáneas... Ahí están los premios regionales de Jorge Ávalos...

Expuestas en sus vitrinas; exhibiéndose, torneadas y pulidas, en sus salones principales; tendidas al sol tras un baño de barniz con tinte; enmarcando sus preciosos ventanales y glorificando sus umbrales; realzando sus fachadas; sirviendo de quicio a sus puertas; fungiendo de vigas que soportan su techumbre; oficiando de tabiques, de pisos, de columnas. O amontonadas en sus recovecos, olvidadas en sus armarios oscuros, ocultas en sus húmedos sótanos. Así en la luz como en la sombra, hay madera de la buena en el olvidado edificio de nuestras letras contemporáneas.

A la luz: ahí está Horacio becado en Berlín, la obra de Claudia Hernández reconocida internacionalmente una vez más. Ahí están los premios regionales de Jorge Ávalos y de Jacinta Escudos: el Sinán y el Monteforte, el primero ya ganado en poesía por Miguel Huezo Mixco. También están ahí los que recién conquistaron una vez más a Quetzaltenango y sus florales (la lista es larga), y otros, muchos otros.

A la sombra: también hay un pequeño pero sustancioso ejército de creadores literarios, finas maderas no aptas para fachadas, pues en la intemperie se echarían a perder: estupendos cedros, rojizos caobas dignos de la mejor ebanistería, tablones de cedros, tablas de práctico pino y demás madera con temple de exportación.

Y en la oscuridad: me atrevo a decir que hay también otro grupo nutrido de talentos en ebullición, maderas aún en bruto comprometidas con sus noches y sus ratos libres. Conozco un par de esas regias vigas guardadas por ahí. Ya sea por esfuerzo individual o colectivo (hasta una casa hay para ellas en Los Planes), pujantes y con disciplina se irán ganando los puestos en la armazón de letras nuevas de nuestro edificio literario.

Estas maderas no son hechas para hogueras, y dejadas por desidia al desamparo, hasta se pueden pudrir.

Aunque también hay otras, categoría aparte, cuyos fines precisamente incendiarios las hacen buenas para expurgar y purificar. Vienen sin instrucciones. Manéjeselas con precaución.

Orellana Suárez, Mauricio. “Madera de la buena”, La Prensa Gráfica, 9 de septiembre de 2004.

Carta de Carlos Velis sobre Ángel de la guarda

2009-11-26T04:55:00.000-08:00

Jorge:

He llegado del teatro, de ver tu monólogo. Me ha encantado. Has tratado un tema sórdido, con la candidez de un ángel.

Creo que has conseguido penetrar muy profundamente en la psicología del abusado —ojo, que digo "del abusado", porque allí puede caber cualquiera; podría ser un hombre también.

No hay duda que Naara y Roby han hecho un gran trabajo. Es un trabajo de puesta en escena muy fino que me sorprendió, no porque no crea capaz a Roby de hacer algo así, sino porque volví a ver al Roby que conocí hace ya muchísimos años, haciendo un teatro audaz, chingón, sin preocuparse por la taquilla. Además, creo que podría llevarse una sorpresa, porque es un trabajo tan bueno, que puede tener una buena respuesta del público.

Claro que es un texto difícil. Además de difícil para aprenderlo, también para asimilarse en concepto, ya que es muy intelectual, pero tiene la virtud de ser muy vivencial, o sea que lo conceptual va acompañado de imágenes poéticas muy profundas y sugerentes, que lo hacen sobrecogedor.

Carlos Velis
Dramaturgo e historiador del teatro salvadoreño

Hai kai Lili

2009-11-25T21:42:00.000-08:00

Fotografía en blanco y negro [la versión original está dividida en tres paneles]
Julio de 2004, 68 (largo) x 20 (altura) centímetros

El proceso de documentar fotográficamente los lenguajes de la danza o, más específicamente, cómo éstos lenguajes son revelados por medio de los cuerpos de bailarines individuales, me ha conducido a un proceso de abstracción. Como en una composición dancística, “Hai Kai Lili” propone un juego visual inspirado en la poesía japonesa. Tres imágenes organizadas en una secuencia horizontal crean un conjunto dinámico sobre las cualidades particulares del cuerpo de una bailarina. Motivos esenciales a la danza —línea, forma, masa y ubicación espacial— son integrados y contrapuestos por medio de detalles del cuerpo desnudo de Lili.

Una fotografía artística es un evento silencioso; la música, por lo tanto, es reemplazada aquí por un manejo riguroso y armónico de la fuente de iluminación. El cuerpo desnudo, el silencioso tiempo detenido y las cualidades escultóricas que la luz y la sombra configuran, crean una atmósfera neoclásica. Sin embargo, ni la fragmentación ni la organización de imágenes abstractas en función de permitir lecturas ambiguas pertenecen al paradigma del clasicismo. En esta obra, el impulso tan propio a la fotografía de contener y significar es supeditado a un objetivo estético más personal. Quiero permitirme la oportunidad de realizar una búsqueda acaso ilusoria: acceder, con el arte de la luz y la sombra, a ese estado inaprensible de la danza y la poesía.

Jorge Ávalos

Historia de un amor

2009-11-25T17:55:00.000-08:00

Carta a mis colegas periodistas informando de mi renuncia como colaborador de La Prensa Gráfica.

San Salvador, miércoles 21 de Julio, 2004

De: Jorge Ávalos
A: Mis amigos y colegas

Necesito informarles que he dejado de colaborar para La Prensa Gráfica. El sábado 17 de julio, debió aparecer en la sección cultural una columna mía titulada «Angelitos». La columna no apareció porque fue censurada. Hacía referencia a una exposición homónima en Photo Café que estará allí hasta el 9 de agosto. La exposición, que contiene fotos históricas de hace un siglo, fue preparada y curada por el Centro de Investigaciones Regionales de Mesoamérica (CIRMA), una institución guatemalteca. La Prensa me paga por mis artículos no por mis ideas, sin embargo las comparto generosamente y hay muchas actividades y eventos que han sido cubiertos por otros periodistas para la sección cultural o para la Revista Dominical a partir de mis propuestas. Nunca he tenido ningún interés personal al hacer estas cosas; simple y sencillamente creí que era valioso que el lector tuviera acceso a esa información. No hice nada fuera de lo común cuando la semana del 5 de julio, propuse un especial, más gráfico que textual sobre esta colección de fotografías de CIRMA.

La exposición, que abrió el viernes 9 de julio, no fue cubierta ni como noticia cultural ni como especial en La Prensa Gráfica. La razón, y esto es algo que La Prensa no podría negar, tiene que ver con el contenido de las fotos: los «Angelitos» en cuestión son niños muertos. Las fotografías parten de una tradición europea llamada «memento mori» que fue asumida por las comunidades centroamericanas y enriquecida con el imaginario católico e indígena. A diferencia de la fotografía mortuoria europea, en la centroamericana los familiares despliegan una imaginación barroca al decorar a sus muertos con puestas en escena que incluyen estatuas de ángeles y cochecitos decorados con exquisita fantasía. Son fotografías realmente muy hermosas. Y al leer la información histórica que sustenta esta exposición llegamos a comprender algo que ahora nos parece casi inaudito: los familiares trataban así a sus hijos muertos y guardaban la memoria de sus niños de esta manera porque en su profunda religiosidad católica creían que la vida era sagrada: sus angelitos, que iban directo al cielo, habían sido una gracia compasiva aunque fugaz de Dios.

De allí mi profunda amargura cuando los lectores de La Prensa no fueron informados de forma sustancial sobre esta exposición. Así que escribí una columna explicando la razón de mi decepción. Usé palabras muy fuertes: hablé de «censura» y de «doble moral». No lo lamento porque así soy yo y así escribo. Mis cuarenta columnas anteriores contienen el mismo tipo de lenguaje, el mismo tipo de ironía, el mismo tipo de síntesis expositiva y el mismo tipo de argumentación dialéctica. Tampoco era la primera vez que escribía con palabras muy fuertes sobre un tema que me preocupa. La diferencia en este caso es que el editor de la «sección blanda» del periódico (cultura, sociales y deportes) se sintió aludido y la censuró bajo el brillante argumento de que en La Prensa Gráfica no hay censura. También escribió un memorando en el que argumentaba que yo no era nadie para dar «lecciones de periodismo», que a mí sólo me pagaban «para escribir crítica» y sugirió que si yo tenía intereses personales en Photo Café entonces debía «buscar otro foro». La implicación de este último punto es que yo tengo un conflicto de intereses económicos en relación con ese centro cultural. En el ámbito periodístico esa es una acusación muy seria. Dado que es absolutamente falsa, constituye un acto de difamación.

El memorando y el rechazo de mi columna ocurrieron el viernes 16 de julio. Ese día recibí una llamada de la coordinadora de la sección cultural informándome que yo tenía dos opciones: a) escribir otra columna con un tema completamente distinto; o b) incorporar el punto de vista del editor a mi columna de opinión, la cual aparece claramente identificada con mi nombre y mi fotografía. Yo rechacé ambas opciones y hablé con el editor para discutir todo esto. «¿Por qué», le pregunté, «no publicás mi columna y respondés a ella? Tenés el poder, los recursos y el espacio para hacerlo». Él no aceptó ninguna propuesta que implicaba publicar esa columna y, por lo tanto, mi respuesta final fue: «Entonces no habrá columna mañana». Pero no tenía por qué haberlo dicho. Antes de hablar conmigo, él ya lo había decidido y así me lo expresó. Por un lado, el editor no parecía saber que en las páginas de La Prensa Gráfica, que refleja con suficiente fidelidad lo que está ocurriendo en la sociedad, se publican rutinariamente fotografías de estudiantes asesinados (recuerdo cinco sólo en las primeras dos semanas de julio). Por otro lado, tampoco parece comprender que los silencios de la cobertura de un periódico en ocasiones dicen tanto como lo que se publica, y entre lo que se publica y lo que es silenciado se crea un nuevo discurso. Intencional o no, ese discurso llega al lector. El editor rechazó mi columna porque contiene un incómodo grano de verdad. Lo que comprendí, a partir de nuestra conversación, es que los dos hechos centrales que sostienen mi argumento no son rebatibles precisamente porque son hechos, y como ya sucedieron también son, por lo tanto, innegables. Eso significa que mi columna, sean mis conclusiones correctas o no, sí logran revelar esa contradicción de propósitos que a veces llamamos «doble moral».

El silencio periodístico que rodeó la exposición «Angelitos» contrasta muy drásticamente con el hecho de que durante el último año La Prensa Gráfica ha publicado en las noticias nacionales numerosas imágenes de niños muertos, principalmente estudiantes balaceados o apuñalados, descansando solitariamente sobre lunas de sangre o rodeados de familiares angustiados por el dolor. Algunas de estas fotografías han aparecido, incluso, en la portada, precisamente porque la violencia se ha convertido en algo tan cotidiano. En una edición reciente de La Prensa, aparece la imagen de un fotógrafo que posicionó su cámara directamente sobre la ventanilla del ataúd, para que tuviéramos una visión clara de una joven mujer cuyo rostro estaba hinchado por golpes y laceraciones. ¿En qué me ayuda a mí, cómo lector, este tipo de amarillismo? Y sin embargo, no es eso lo que cuestiono porque La Prensa tiene el derecho (y para algunos, la responsabilidad) de publicar esas imágenes. Lo que yo cuestionaba en mi última columna, la que fue censurada, es el silencio de La Prensa alrededor de esa otra manera de ver la muerte que no es sino otra manera de comprender el valor de la vida. Discúlpenme los ateos por reconocer el hecho de que las fotografías en la exposición «Angelitos» representan un paradigma infundido con la espiritualidad y los valores de la fe católica. Discúlpenme aquellos que creen que tratar la condición humana en su dimensión cultural y subjetiva no tiene lugar en un periódico. Yo sí creo que la vida es sagrada y creo que al no hablar de «Angelitos» hemos perdido una oportunidad preciosa y única para hacerlo porque nos habría permitido cuestionar también esas otras fotografías que vemos cotidianamente en los periódicos matutinos y la actitud que representan, una actitud que nada dice acerca del valor de la vida.

Al hablar con ese editor de La Prensa y al escuchar sus argumentos a favor de la censura de una columna de opinión comprendí que un pacto, hasta entonces inviolado, se rompía en mi relación de dos años como colaborador. Y comprendí que esta situación de excesivo celo y control editorial hacia mi trabajo se repetiría una y otra y otra vez. Así que necesito ser muy claro: no renuncio a mi labor como colaborador porque censuraron una columna. Que nadie se haga ilusiones; la censura a veces sucede: es una realidad del periodismo que pasa oculta bajo el proceso diario de la selección y diseño de la pauta. Pero generalmente, en condiciones normales, es como una fiebre ocasional y no acarrea malas consecuencias. Además, eso mueve al escritor a un constante juego estilístico, pues siempre hay maneras de ironizar o de aludir implícitamente lo que no se puede exteriorizar. En una columna titulada «Letras» me burlé del concurso literario Letras Nuevas que La Prensa anunció con bomba y platillo, y con un pomposo nivel de cobertura que ningún premio Nóbel ha recibido; decenas de correos me indicaron que los lectores habían comprendido un mensaje que yo creí era demasiado críptico. Y en una columna titulada «El Gigante» me burlé del servilismo verbal de los medios que llamaron «guerra» a la invasión militar de Irak. Cualquier niño que busque la palabra en un diccionario sabría que eso no fue una guerra. Nombrar las cosas con precisión es la primera lección de redacción de prosa que yo aprendí. No es algo tan obvio como parece; en el periodismo es crucial reconocer las distinciones: de allí que los medios se mantengan firmes en llamar actos violentos a los actos violentos en las calles de San Salvador, aunque algunos insistan en llamar a eso «libertad de expresión».

En mi actividad como escritor necesito ser honesto conmigo mismo y llamar las cosas por lo que son. El precio de una columna no compra la integridad de un escritor, al menos no compra la mía. Este incidente de censura fue demasiado perturbador para mí porque fue acompañado de una calumnia y de una vana demostración de poder cuando lo único que se necesitaba era la apertura a un diálogo. Un columnista es un intelectual que debería tener la libertad para hacer cuestionamientos profundos y provocativos; y esa libertad debería extenderse para cuestionar el medio que gestiona su voz, si el proceder del medio amenaza con condicionar o relativizar la validez misma de la libertad de expresión. Sé que hay personas que piensan que mi labor en La Prensa era importante. A ellos, tanto como para los que no piensan así, quiero decir esto: cuando se cierra una puerta a un diálogo necesario, hay que abrir otra, y cuando no se encuentra nada más que un muro de ladrillos entonces hay que abrir un boquete para entrar y hacer posible ese diálogo. Sucede que cuando llegué por primera vez a La Prensa Gráfica no conocía a nadie. Llegué con un portafolio de mi periodismo y mi fotografía bajo el brazo, y con un entusiasmo rebosante de ideas. Así me abrí camino: con los méritos de mi trabajo. Para mí fue una parte importante de mi relación de amor con las artes, una forma imaginativa de aplicar mis estudios y una actitud ante la vida que se basa en este supuesto personal: cuando las artes alcanzan un alto grado de belleza es porque el artista ha encontrado el camino de su verdad, de la verdad. Siempre me interesó saber cómo el artista había encontrado ese camino, porque esa es la historia humana detrás de las artes. Ese es el hilo conductor de todos mis artículos.

En una columna del 6 de marzo de este año hablé de cómo la crítica teatral debía estar cimentada en una práctica ética: «Un crítico no es un juez, es un testigo», escribí. «Por esto, su conciencia ética le exige que cada juicio de valor esté sostenido por un ejemplo concreto y que cada conclusión emerja, inevitable, del discernimiento honesto de la obra en cuestión. El texto crítico es la piedra de toque de un diálogo que le permite al espectador sacar sus propias conclusiones». Durante dos años fui un testigo privilegiado del desarrollo de las artes en El Salvador y no me arrepiento en lo más mínimo. Tampoco me arrepiento de dejar la actividad periodística y crítica a un lado porque mi actividad central ha sido siempre la creación de mi propia obra artística. Si mi contribución a través de La Prensa Gráfica ha terminado, eso es circunstancial. El diálogo de los artistas con los medios, sin embargo, debe ser ahora más fuerte que nunca. Los artistas tienen no sólo el derecho sino la responsabilidad de exigir que las artes sean tratadas con inteligencia y con ética y —¿por qué no?— también con amor.

Un abrazo,

Jorge Ávalos

Guadalupe, una fiesta teatral

2009-11-25T16:38:00.000-08:00

El martes se estrenó la obra “Guadalupe, la rosa de los vientos”, un ambicioso montaje escénico que reunió a más de 60 personas en el escenario del Teatro Presidente.

Jorge Ávalos

Guadalupe: la rosa de los vientos es, ante todo, una celebración. Durante la ovación final, acompañada de música de mariachis, se reunieron en el escenario más de 60 personas. Nunca antes en El Salvador, creo, se ha realizado una mayor movilización de recursos humanos, sociales y materiales para una sola producción teatral.

No es oficio de la crítica teatral señalar estas cosas, pero habría que ser muy ingenuo para obviar la abrumadora presencia de la empresa privada. La obra fue producida por Simán. Nueve grandes empresas (incluyendo La Prensa Gráfica) patrocinaron la obra. El impacto de ese apoyo se hizo evidente en los altos niveles de producción y en la gran afluencia del público.

No cabe duda, por los agradecimientos y discursos que enmarcaron la obra, que el apoyo de la empresa privada se efectuó para proyectar los valores humanos y católicos que la obra representa. Pero la nueva producción de Tatiana de la Ossa Osegueda también posee indudables valores como gran espectáculo escénico. Eso la convierte en otro tipo de celebración: una fiesta teatral.

La obra fue inmensamente enriquecida con la danza de Humanum Tempore, las voces del Coro Schola Cantorum, la Orquesta de Cámara Clásica, la producción videográfica de Relativo Films, el sonido de Estudios Doble V y muchos otros participantes, incluyendo un enorme reparto actoral. En ese sentido, Guadalupe es un triunfo de producción.

Guadalupe posee la indudable estampa de la tenacidad y la visión integral de Tatiana, quien es autora del guión, productora general, directora artística y realizadora de la puesta en escena. El programa también le da crédito por el diseño de iluminación y como colaboradora en el diseño de vestuarios y accesorios.

Desde un punto de vista dramático la obra es elemental: recupera la historia, popular y mítica a un tiempo, de cómo Juan Diego se convirtió en un mensajero de la Virgen María. Esa línea narrativa, heredada de la tradición, se presenta sin complicación alguna.

El contexto histórico, ilustrado con imágenes de video, se presenta como una introducción y un epílogo narrados. La perspectiva de que la “leyenda” de Juan Diego está emplazada en la encrucijada histórica entre los períodos de la conquista y la colonia española nunca se pierde.

La simplicidad del drama sería aceptable de no ser por un factor tan positivo como inusitado: la extraordinaria actuación de Ana Ruth Aragón. Interpretando a la criada Carmiña, Ana Ruth es tan espléndida entre la multitud de actores como la guardiana de los religiosos que revela de inmediato la ausencia de verdaderos acontecimientos dramáticos en la obra. Vemos momentos en una historia, pero no el tipo de conflictos que esperamos de un drama.

Con su leve cojera, con su patrón sincopado de habla, Carmiña es una verdadera creación actoral. Cuando Juan Diego (Francisco Cabrera) se presenta por segunda vez a buscar al arzobispo, ella levanta su escoba y en ese momento de tensión entre ambos personajes sentimos de manera entrañable el tipo de temor que Juan Diego tiene de los españoles. El detalle humorístico de una escoba utilizada como un arma de contención surge de manera orgánica de la actuación de Ana Ruth.

La exuberancia de algunas escenas multitudinarias, como la fiesta popular en la plaza, podría haber sido calibrada con escenas de interacción más directa y dramática entre los actores como esos breves encuentros entre Ana Ruth y Francisco. El revuelo de tantos actores en escena no siempre es favorable, sobre todo al principio, pero la llegada del Virrey Don Francisco, interpretado por Juan Barrera, posee la fuerza de una verdadera ceremonia por su fastuosidad visual.

Jorge Alberto Jiménez, como Fray Juan de Zumárraga, y Leandro Sánchez Arauz, como el Almirante Don Fernando, son ejemplos de casting perfectos: ambos proyectan con naturalidad sus respectivos papeles como la mayor eminencia religiosa y como la mayor autoridad militar.

Karen Castillo, en el papel de Guadalupe, es otra cuestión: como espectador no dejo de pensar que veo a una joven “actuando” el papel de la Virgen. Sin embargo, en el video, su rostro irradia placidez y belleza.

En cierto sentido, el elemento protagónico de la obra, lo que le otorga una extraordinaria coherencia espiritual al conjunto, es la música de Walter Quevedo-Osegueda. Es una propuesta perfecta de música incidental para una obra teatral. La música está al servicio de la acción escénica, la complementa y la encumbra, pero mantiene su valor propio.

El video está ingeniosamente añadido a la obra. Es documental, didáctico casi, al principio y al final, pero asume un papel activo en las transiciones escénicas. La obra se abre así al campo y vemos a Juan Diego, en las pantallas, correr en un bosque real. El video se utiliza también para proyectar una aparición de la Virgen sobre las aguas. Pero nada anticipa el mágico uso que adquiere en la escena crucial de la revelación, cuando un collage de imágenes crea, en efecto, una visión.

Ficha técnica

Obra: “Guadalupe, la rosa de los vientos”.
Género: tema religioso que explora el misticismo del encuentro de la cultura española con la azteca.
Clasificación: para toda la familia.
Elenco: 64 actores, en una conjugación de diversas ramas de las artes: teatro, danza, música y video.
Libreto, dirección y producción: Tatiana de la Ossa.

Ávalos, Jorge. “Guadalupe”, una fiesta teatral”, La Prensa Gráfica, San Salvador, 28 de noviembre de 2003.

On Maxine Hong Kingston’s Silence

2009-11-24T11:00:00.000-08:00

Jorge Ávalos

We write stories about our past so that we can define who we are. A definition of our identities begins by recognizing that we exist in history, that our stories make up that which we call history.

An autobiography takes us back into the past, but not a past disguised as history but exposed as memory. Memory brings into the writing of the autobiography a double perspective, for just as we bring into the present the baggage of the past, we take into the past the baggage of the present. Maxine Hong Kingston’s autobiographical essay, Silence, carries this double perspective with astonishing clarity. The Chinese immigrant girl Kingston once was is met at the crossroads of memory by the adult Chinese-American writer. From this encounter springs forth the woman who, had she lived in China, would have been an outlaw knot-maker, as in the legend Kingston uses to open the essay:

Long ago in China, knot-makers tied string into buttons and frogs, and rope into bell pulls. There was one knot so complicated that it blinded the knot-maker. Finally an emperor outlawed this cruel knot, and the nobles could not order it anymore.

The “cruel knot” of the legend is a powerful image. By telling us that she would have been an “outlaw knot-maker,” had she lived in China, Kingston is also telling us that what she is (as a writer, at the time of writing Silence) is equivalent to being an “outlaw knot-maker.” The essay recounts a time during her childhood when her silence was “thickest” (total), the time when she first became conscious of her speech. Kingston draws the relationships between language, culture and society in the making of her identity. Identity is the complicated knot made out of these relationships. To prevent “blindness,” Kingston never loses sight of her identity as a Chinese-American writer, as an author of books that seek to define her own self in relation to American society —as she does in The Woman Warrior, 1975, from which this essay is taken. While there are no “nobles” in American society, Kingston confronts through her writing a set of social expectations, a set of racial, gender and economic divides.

Kingston’s language is rhythmic and vivid, but the most startling aspect of her style is her complete disregard for a linear progression. Kingston identifies the specific time in her life when speech became the main tool of social interaction and, by removing the layers of memory, she takes us to the core of her search: the significance of language in the formation of her identity. Kingston freely explores and contrasts her experiences as a student during the three-year period between kindergarten and the second grade. For this reason, Silence is not structured chronologically but, rather, in thematic blocks. The first section is a complex introduction to the essay; the second and third sections deal, respectively, with her education in American and Chinese schools.

The opening paragraph, quoted above, is only loosely connected with a “maybe” to the story that follows, a graphic depiction of how Kingston’s mother cut her tongue in order to free it, to make it ready for speech. It is a story that fills the young Kingston with both terror and pride. The story suggests the breaking of a taboo: “a ready tongue is an evil”; but it also introduces myth as an answer to the riddles posed by immigration: “Things are different in this ghost country”. But the reality doesn’t match the story. The young Kingston’s frenum appears to be intact. Hungry for understanding, she questions her mother until her mother looses her patience and says, sharply: “Why don’t you quit blabbering and get to work?”. Her mother’s words come unexpectedly, and must have hurt Kingston profoundly because the pain is still present: she should have cut more, scraped away the rest of the frenum skin, because I have a terrible time talking. Or she should not have cut at all, tampering with my speech. That Kingston still has “a terrible time talking” comes as a revelation. Kingston traces the origin of her broken voice back to the time when she first had to speak English, but instead became silent.

At first, Kingston enjoyed the silence. As a child, in fact, as any child during the first year of school, Kingston was simply being herself, in herself. To be in society, a child must communicate, must speak. Through the interplay in society we arrive at our own sense of self. This is true for every child in every society. However, for an immigrant child this is complicated by the fact that identity is a construction made mostly through the mediation of language. Kingston is explicit on this point as she sums up her experience in an American school:

It was when I found out I had to talk that school became a misery, that the silence became a misery. I did not speak and felt bad each time that I did not speak. I read aloud in first grade, though, and heard the barest whisper with little squeaks come out of my throat. “Louder,” said the teacher, who scared the voice away again. The other Chinese girls did not talk either, so I knew the silence had to do with being a Chinese girl.

Kingston’s essay is packed with autobiographical details, cultural references and historical allusions. Kingston is very skillful in weaving together anecdotes and reflections in a seamless narrative that quickly shifts focus from the broader issues to the viewpoint of a little girl and back. In one characteristic passage, Kingston states plainly that reading was easier than speaking because she did not have to make up what to say. She then brings the narrative back into the classroom by simply mentioning the teacher. The heart of the passage contains a micro-essay on Chinese ideographs that illuminates the relationship between language and culture: The Chinese “I” has seven strokes, intricacies. How could the American “I,” assuredly wearing a hat like the Chinese, have only three strokes, the middle so straight? . The young Kingston’s difficulty in reconciling these differences gets her in trouble during reading sessions. At the end of the passage, Kingston is sitting with the noisy boys, identified as a bad student, as someone who resists learning.

The intricacies of the Chinese “I” parallel the concept of the “cruel knot.” In keen contrast with the American “I,” the Chinese identity is portrayed as intricate, as more substantial. So it is remarkable that Kingston’s mother would say that they, the Chinese immigrants, like the ghosts, have no memories. Kingston, the writer, the knot-maker, seeks to reconcile her two identities. She may have lost her ancestral memories, but she is no less Chinese for that reason, and she is no less American for being of Chinese ancestry. In a country of ghosts, immigration is a transgression. Language and culture are not the borders of society, but the arenas in which the conscience of a people are shaped. Even the Chinese school, where the children read together, not alone with one voice, can’t escape the transgressive nature of immigration. At one point, a new teacher calls for the first time on the second-born to [recite] first and the children are nearly overcome by fear.

Not all of the children who were silent at American school found voice at Chinese school, writes Kingston. Her own voice, she tells us was like a crippled animal running on broken legs. But she was loud, and she was glad she didn’t whisper. There was one little girl who whispered. Something must be lost for those who live between two worlds. A precious memory or the attachment of the tongue, perhaps. But then, something must be gained. Certainly, a distinctive voice. Scarred by experience, the sharpness of Kingston’s tongue can open a wound in the present.

1996

Photograph of Maxine Hong Kingston by Christopher Felver.

A Few Words About Nothing

2009-11-24T10:48:00.000-08:00

An Essay on “Race”

Jorge Avalos

Race is everything or nothing.

John Edgar Wideman

1.

And we thought the old trickster was dead.

He’s back. He arrived and came into our house as if he had never left. He sat at our table. He asked for a piece of our bread, for a hot cup of coffee. We shared with him the little food we had left. He was dark and silent. We told him we had heard the stories and the songs.

“The tricks and the mayhem are now legend,” we said. “Neither plagues nor wars have stopped you. You have wrestled the devil himself, we’ve heard.”

He didn’t say a word. He drank his black coffee.

We wanted to hear yet another story, perhaps a story about ourselves. Instead, he placed his old bag of tricks on the table and gave us back what he had taken from us. And then he left, once again. We just wanted to hear another story.

2.

Race is an old, timeless trickster. The dark angel of history. The evil twin of progress. Welcome to the circus of reality, where race is the ringmaster. Welcome to the New World, this way to the looting, this way to the genocide. Welcome to the cotton fields of America. Welcome to Auschwitz, the gas chambers are to your right. Welcome to Bosnia, too little, too late. Welcome to Hiroshima, welcome to the fire. You are the color of your skin. You are the child of a lesser god. You have an inferior mind. You are trespassing. You are illegal. Your food is so spicy. Your culture, so traditional. And the funny accent. The oriental charm. The exotic spell. I’d love to take that veil off your face.

3.

I remember the war. I remember my sixteenth birthday in a torture chamber in San Salvador. I remember the cold Christmas Eve of 1980, shortly after crossing the Mexican-American border. I remember sleeping in the streets of San Francisco. I remember crying over my first warm meal in two months. I remember the noise of English. I remember two boys dressed as girls in the youth shelter of Mission Dolores. I remember the prostitutes I flirted with in the alleys of the Tenderloin. I remember my first job, caring for a rose garden. I remember those days with a strange, dark passion. I didn’t know who I was. And nobody gave a damn.

4.

Race is a political border. The superstructure of Plato’s Republic over two thousand years in the making. The hegemonic axis of modern capitalism. The iron curtain that separates the powerful from the oppressed, the developed master from the developing slave. The American Civil War was in fact an economic war, the high noon of modern history. The South didn’t loose to the Yankees, they lost to the Industrial Revolution. Race is class. We can’t speak about race in terms of progress. If the historicist is at home retelling the history of the world as a history of technological development, as the natural progression of civilization, then race is the reminder that there is no such thing as human progress. After two thousand years, we are still crucifying the savior. After two thousand years we are still the predators of our own liberation.

5.

To cross the political border of race is to leave behind the trickery of race. We are afraid to leave race behind, so we stay and live amidst the trickery. We think we can outwit the oldest trickster, but, can we wrestle the devil? Our liberation from racism can only come about by transcending the notion of race as color, race as culture, race as the standard of measure of human value. Our liberation from racism can only come about by implementing a just economic order, for race is above all an economic question. There was slavery before there was racism. There was depreciation of human value before there was colonialism. We have misread the history of our shame because we now inhabit Plato’s cave. We debate a story of shadows projected on the walls of a cave. At the center of the cave, the fire of history consumes our true memories. So I say: “Dare, dare yourself to look into the fire and listen to the words we have forgotten, revisit the mountains and the rivers of your childhood, dream the dreams that you no longer dream. And forget nothing.”

May 1st, 1996

Lectura de poesía en la Universidad Matías Delgado

2009-11-23T23:49:00.000-08:00

«Dentro de las actividades culturales de nuestra Institución, y contando con la presencia del Señor Rector, Dr. David Escobar Galindo, el día 29 de agosto de 2003 se efectuó una Lectura de Poesía, con la participación de los poetas: Carmen González Huguet y Javier Alas, acompañados por: María Cristina Orantes, Jorge Ávalos y Federico Hernández Aguilar.»

Boletín Cultural Informativo de la Universidad Dr. José Matías Delgado, Año II, Vol. I, No. 6, Diciembre del 2003, p. 6.

Política cultural y el teatro de calidad

2009-11-23T23:20:00.000-08:00

«Algo que creo que es importante, es que tengamos referentes de calidad porque si no existen, entonces hay más excusas para los que quieren seguir dependiendo del Estado, de los que creen que hay que hacerlo a través del Estado, porque suponen que no hay otra forma de hacerlo. Recientemente tuve un debate muy interesante con Jorge Ávalos, el crítico de arte, que mencionaba que la Muestra Nacional de Teatro no había presentado calidad por culpa de Concultura. Eso es absurdo, quiénes tienen la responsabilidad de presentar calidad son los grupos de teatro y no Concultura, que finalmente sólo es un organizador nada más.»

Federico Hernández, presidente en el período 2004-2009 del Consejo Nacional para la Cultura y el Arte (Concultura), en una entrevista realizada por el grupo Tiempos Nuevos Teatro (TNT). Entrevista al Lic. Federico Hernández, Opiniones, TNT, 2009.

Debate poético en Cultura 94

2009-11-22T22:57:00.000-08:00

«Antes de finalizar el 2006, el Consejo Nacional para la Cultura y el Arte (Concultura) presentó los nuevos números de las revistas El Salvador Investiga y Cultura. [...] Se incluyen en esta edición de Cultura 94 una muestra de 20 obras pictóricas de Francisco Zayas, acompañada de un perfil biográfico y profesional de la trayectoria artística de este pintor salvadoreño. Se incluyen esta vez dos temas sobre arqueología, un debate poético sostenido a través de cartas entre Carlos Santos y Jorge Ávalos, un comentario sobre una investigación de Justo Armas, un ensayo sobre la influencia de los medios de comunicación en la sociedad salvadoreña, entre otros.»

Cruz, Patricia. “Nuevos números de El Salvador Investiga y Cultura”, Clic, 22 de diciembre de 2006, San Salvador.

Miel de tigre

2009-11-22T21:24:00.000-08:00

Jorge Ávalos

Amaba los pájaros. Y era tan pequeño que hasta el día de su muerte a los 81 años, el viernes 7 de febrero de 2003, sus amigos creyeron que era un gatito. Debo decir la verdad. Era un jaguar: el gran felino de Guatemala, su más famoso «tigre». Antes que nadie lo afirmó Luis Cardoza y Aragón, su compatriota, que sabía lo que decía cuando sugirió que si los zarpazos de Augusto Monterroso eran dulces no por ello dejaban de ser zarpazos.

Ahora que ha muerto, sus colegas escritores recuerdan con cariño el humor de Monterroso. Y recuerdan también, con agradecimiento, la brevedad de su obra. Un escritor salvadoreño, por ejemplo, ha exaltado su «poder de síntesis». Pero los que amamos los libros de Monterroso sabemos que uno de los encantos de su prosa es la ausencia de síntesis. Su estilo es coloquial, indeciso a veces, travieso casi siempre. La brevedad de su obra es leyenda sólo para quienes no lo han leído. Para quienes lo han leído, sus lacónicos libros constituyen una fábula cuya moral Monterroso explicó sin dejar lugar a equívocos: «No quiero llenar el mundo de más basura literaria».

Monterroso fue breve porque nunca quiso repetirse. Como él mismo lo señaló, cada uno de sus libros es un ejercicio literario en un género distinto. De su brevedad Monterroso acusa también a su timidez, aunque ese es otro cuento, porque su timidez no es la razón de la brevedad de su obra sino de la brevedad en su obra. Su timidez lo hacía buscar temas pequeños. El tema de las moscas, por ejemplo. O el tema de los escritores de provincia. Honestamente, ¿cuánto se puede escribir sobre una mosca o sobre un poeta de provincia sin colmar la paciencia de los lectores?

Después de Monterroso, todo buen escritor lleva en su rostro sangre y miel, la marca de su dulce garra. Esa es la fábula que quería contar.

“Miel de tigre”, La Prensa Gráfica, 15 de febrero de 2003.

Amor propio

2009-11-22T18:43:00.000-08:00

Jorge Ávalos

Cumplir los cuarenta años es alcanzar una edad media personal. Me lo anuncié a mí mismo cuando era un adolescente, sin proponérmelo. El profesor de historia que tuve en noveno grado lo sabe. Cada vez que en un reporte escolar escribí «medioveo» en lugar de «medioevo», anticipé la condición de caer en un estado donde paulatinamente comenzamos a perder de vista el progreso o, más bien, a perder de vista toda mentira que se nos dice acerca de la posibilidad de un progreso humano, que no es lo mismo. A nuestro alrededor, escuchamos el ruido ensordecedor de la música que no nos gusta, vemos en los periódicos los mismos titulares sobre violencia y corrupción que hemos leído un centenar de veces antes, reconocemos al fin no sólo la hipocresía de los políticos sino esta triste verdad: ellos rigen nuestras vidas cotidianas en un nivel apenas presentido. Y sin embargo todo lo novedoso, sospechosamente reincidente, continúa provocando estragos en nuestras billeteras con regular despejo.

Para dar un ejemplo de nuestra medieval aprehensión, nada cómo volver a los libros que cambiaron nuestras vidas durante nuestra adolescencia. Una muerte me ha recordado de esa etapa de mi vida y de uno de esos libros. Guillermo Cabrera Infante, que en algún momento firmó con el seudónimo de «Caín», murió esta semana a los 76 años en Londres, donde residía desde su exilio de Cuba, iniciado a mediados de la década de los sesenta. De la década de los sesenta del siglo veinte, por supuesto, niños infames. Como decía, tener cuarenta años es reconocer que soy lo suficientemente joven para maravillarme de que los adolescentes de ahora no hayan leído nunca Tres tristes tigres (1968), y soy lo suficientemente viejo para recordar el período en el cual surgió ese libro: el «Boom» de la narrativa latinoamericana. No, jovenzuelos, nadie voló en pedazos pero sí fue como una bomba la irrupción de tanto talento. Y ahora, ¡fuera! ¡O les pegaré con mi bastón si no me dejan escribir en paz!

Ser adolescente es desear. Desear intensamente cada minuto del día. El corazón y la respiración llevan la cuenta: la vida es un ritmo. A los doce o trece años, en casa de un amigo, vi una vez una revista con fotografías de mujeres desnudas y, al hojearla, creí que mi corazón explotaría. Una sola imagen bastaba para enriquecer un año de sueños húmedos. Mi época de gloria comenzaba. Esa época inocente, que el Internet y el acceso a las más grotescas variedades de pornografía parecen haber destruido, fue también una época cuando los libros valían oro. Y algunos autores, y algunos libros en particular, poseían, lo sabíamos, más quilates que otros por el poder para evocar un mundo rebelde y sensual a un mismo tiempo. Cabrera Infante era uno de ellos. No puedo explicar el gozo de leer por primera vez una novela tan lúdica como Tres tristes tigres. Tantos escritores hacen esfuerzos por inventar técnicas novedosas. A Cabrera Infante no le importaba inventar nada: le importaba contar historias, y las técnicas experimentales eran para él como los efectos especiales contratados para una superproducción verbal.

En una sola ocasión vi a Cabrera Infante. Fue en una universidad y, aunque no lo crean, la persona que lo presentó y lo entrevistó para el público estudiantil con suma inteligencia y humildad fue nadie más y nadie menos que Mario Vargas Llosa. En esa ocasión, Cabrera Infante habló con pasión sobre la influencia del cine sobre su obra, y un consternado Vargas Llosa trataba de argumentar con un cauteloso inglés que su narrativa no era muy «cinemática», es decir, no era muy visual. Sin embargo Cabrera Infante insistía en proclamar su amor por el cine y el influjo vital que había tenido para su carrera como escritor. He releído algunas de sus páginas y me doy cuenta de que Vargas Llosa tenía razón: Cabrera infante no es un escritor visual sino auditivo y, extrañamente, con un sentido muy agudo de los espacios. No es la imagen del mundo, sino su circundante sensualidad lo que nutre su escritura. Léase Tres tristes tigres para escuchar la ciudad de La Habana como un concierto de voces y sonidos. Y léanse las primeras páginas de Habana para un infante difunto (1979) para comprender cómo esa sensualidad es verdaderamente envolvente. Ahora comprendo. Cabrera Infante amaba el cine desde su simbólica butaca: desde el oscuro anonimato del espectador, el cine es una experiencia sensual. Son los sonidos, las voces en inglés y la efusiva música de cuerdas del cine de las décadas de los 30s y 40s y 50s, los que abrazan al espectador para llevarlo hacia la imagen y no al revés.

Es verdad que Cabrera Infante a veces se portaba como un imbécil. En una entrevista con el Paris Review describió las etapas de los escritores latinoamericanos del Boom por el pelo de sus caras. «Aren’t you being a little bitchy?» (No estás siendo un poco hijueputa?), le preguntó la entrevistadora, hastiada de su actitud. Y en Vidas para leerlas (1998), se recrea con demasiados «bochinches» malévolos sobre otros escritores. Contó, por ejemplo, como durante su época de agregado cultural de la revolución cubana en Francia, Alejo Carpentier se bajaba de su limosina una cuadra antes de llegar a su oficina, descendía al metro y salía en la otra esquina para pretender que se manejaba entre el pueblo sin malgastar los recursos de la revolución. Cuando leí eso, cerré el libro y lo tiré a un bote de basura. Aun si fuese cierto, no me importaba saberlo. Nadie ni nada pueden defender a un escritor que se porta como un imbécil sino el olvido. Lo que se espera de los escritores que uno ama es que el olvido sea selectivo: que se pierda todo menos su obra. La mayor gloria de un escritor sería perder el nombre para que su obra pase a ser obra del único autor sin recelos con su tiempo: Anónimo.

Quiero confesar que una de las tantas razones por la cuál me es imposible olvidar mis lecturas de Cabrera Infante es porque sus libros fueron una de las mayores fuentes de sensualidad de mi adolescencia. Esos libros eran manuales de resistencia, prontuarios para la imaginación, incluso guías para el «amor propio». No me refiero a la autoestima; me refiero a la masturbación, porque así la llamó Cabrera Infante en La Habana para un infante difunto: amor propio. Y tenía razón. Cuando uno se masturba, al menos está teniendo sexo con alguien a quien ama. Y cuando es un joven el que lo hace, está aprendiendo a amarse a sí mismo. Gracias a Gabriel García Márquez, a Vargas Llosa y a Cabrera Infante, antes de cumplir los dieciséis años mi amor propio era muy, muy grande.

Jóvenes: no se masturben. ¿Qué estoy diciendo? Más bien: mastúrbense, y manchen los libros de sus padres, los de lecturas más sensuales, dejen atrás una huella duradera de su propia sensualidad. Cuando tengan mi edad apreciarán ese detalle. Pero no puedo dejar de advertirles lo que me advirtieron a mí. Como bien lo saben, la masturbación causa ceguera. Con el tiempo verán los indudables efectos. El pelo se blanquea y se cae; los dientes se llenan de cavidades; los huesos se hacen endebles; los músculos, fofos. A los cuarenta años alcanzarán la edad media y se sentirán grotescos, fuera de lugar, viejos. Pero si gracias a unos cuantos libros han aprendido a amar la vida más intensamente, entonces podrán decir: «Fue una larga y dura lucha pero valió la pena; ahora puedo vivir la otra mitad de mi vida como el huraño cascarrabias que merezco ser». Así que apártense, niños indecentes y déjenme leer en paz.

Viernes, 25 de febrero de 2005

Guillermo Cabrera Infante nació el 22 de abril de 1929 en Gibara, Cuba. Murió en Londres el 21 de febrero de 2005. Este artículo fue originalmente publicado en El Faro bajo el imprudente título de "No se masturben" en la edición de la semana del 28 de febrero de 2005.

Calidad de periodismo y calidad de libertad

2009-11-22T15:04:00.000-08:00

Sobre la supresión de un artículo de opinión de Paolo Luers en El Faro.

Jorge Ávalos

Los errores de la libertad de expresión sólo los puede corregir más y más libertad de expresión, porque más importante que la calidad del periodismo es la calidad de nuestra libertad para pensar y opinar; sin esta libertad, el periodismo no es nada.

Hace una semana todas las personas que nos preocupamos por la libertad de expresión y por el desarrollo del periodismo, descubrimos que un artículo de opinión publicado en El Faro fue removido con un pretexto que muy rara vez utiliza un medio de prensa públicamente: control de calidad. Este concepto, en efecto, debería ser invisible. Un mal artículo no debería ser publicado. Pero la semana pasada, una columna de Paolo Luers fue eliminada de forma definitiva de la edición digital después de haber sido publicada porque, según una nota editorial, se había escapado a los “filtros de calidad” de El Faro.

Esta acción podría motivar varias discusiones. La primera, sobre el artículo mismo de Luers: removerlo del periódico, ¿fue un acto editorial justificado o fue un acto de censura? La segunda pregunta es de carácter conceptual: ¿cuáles son los criterios de calidad de una columna de opinión? La tercera pregunta entra en el campo de la ética: si un artículo evade los filtros y criterios de calidad de un periódico y es publicado, ¿qué debe hacer un periódico? ¿Cuáles son las acciones constructivas que debe tomar para reparar el daño?

El 21 de mayo pasado, en su “Columna transversal”, Luers publicó un artículo de opinión titulado “Del PC y su madre KGB”. El tema: “El cuento sobre la incidencia del KGB en la guerra salvadoreña, publicado pomposamente por La Prensa Gráfica”, según Luers. Un reportaje que, añade él, vale la pena analizar porque “hizo el milagro de hacer feliz, al mismo tiempo, al PC y a ARENA”. No es mi interés principal discutir el tema de la columna, sino por qué El Faro habría considerado el texto de Luers de pobre calidad.

Para ser justos, hay que señalar primero que en ningún momento Luers cuestiona la veracidad del artículo que analiza: “Yo no pongo en duda los hechos reportados por La Prensa Gráfica. Bien pueden ser correctos. La mentira no está en los detalles, las fechas, los nombres, las cifras. Está en el contexto”. El propósito fundamental de Luers al escribir este artículo radica en criticar lo que él llama “el contexto”. Pero hay que notar que al utilizar esta palabra se refiere a dos cosas muy distintas entre sí.

El primer uso de “contexto” es el propósito inmediato de su crítica. El reportaje de La Prensa Gráfica, argumenta, se enfoca de forma tan limitada en el hallazgo de la relación entre el Partido Comunista (PC) y la agencia de inteligencia soviética (KGB), que da una imagen desproporcionada del papel del PC durante la guerra. Por lo tanto, Ricardo Valencia, el periodista que escribió la serie de reportajes para la revista Enfoques, ha cometido el error de descontextualizar el objeto de su investigación. Un resultado de esto, advierte Luers, es que el artículo se presta a la manipulación de la propaganda de izquierda para justificar la preponderancia actual del PC en el FMLN; asimismo, agrega, se presta a la manipulación de la propaganda de derecha para perpetuar la idea de que la guerra civil no tuvo raíces históricas sino que se debió a la injerencia internacional del imperio soviético.

Este es un debate interesante, sin duda, pero ¿cómo explica Luers que esto haya sucedido? El segundo uso de “contexto”, implícito, es que la ausencia de un marco histórico o político en el reportaje de La Prensa Gráfica sobre la relación entre el PC y la KGB tiene raíces estructurales y revela fallas metodológicas, pero, sobre todo, una carencia de capacidad personal: “Si uno no tiene la capacidad de complementar, contrarrestar, contextualizar la información cebo, es pecado tragársela. Es fatal. Es veneno. Es trampa”. Por consiguiente, la crítica de fondo de Luers se centra en esta noción de “información cebo”. ¿Qué implica este concepto cuando se aplica como crítica en este caso en particular? Que Ricardo Valencia y La Prensa Gráfica se han dejado manipular más allá de lo permisible por el PC, puesto que se les ofreció una carnada, y contra todo precepto ético, la han seguido hasta las últimas consecuencias sin cuestionar qué está detrás de ese interés por revelar esas fuentes. El argumento de fondo de Luers es que tanto Valencia como La Prensa Gráfica, mordieron un cebo, como ingenuos pececillos, y, por lo tanto, intereses políticos fantasmas han predominado sobre los intereses de información a la que tiene derecho la ciudadanía.

Sin lugar a dudas, Luers está tocando un punto válido, porque la información cebo relacionada a un tema espectacular ofrece una de las mayores tentaciones a los periodistas. Algunas fórmulas claves para definir la competitividad en el periodismo se definen con términos como “la primicia” (lo escribí y lo publiqué antes que nadie más), “la exclusiva” (sólo yo he tenido acceso a esta información) y “la bomba” (este reportaje revela lo que nunca se ha sabido y lo cambia todo). El reportaje de Ricardo Valencia para La Prensa Gráfica sobre una relación económica y militar entre el Partido Comunista y la KGB fue una primicia, una exclusiva y una bomba. Pero, ¿fue correcto hacerlo tal y como se hizo? Luers dice que no, pero el problema de su artículo es que para hacerlo comete un “pecado” mucho mayor que el de la ausencia de contexto histórico del cual acusa a La Prensa Gráfica. Luers presume que conoce la verdad sobre cómo se realizó la investigación. Toda su argumentación se basa en la premisa de que fue el PC, y sólo el PC, quien le permitió a Valencia ir a Cuba y entrevistar a ex miembros de la KGB.

“Está bien”, escribe Luers, “que un reportero reciba del PC salvadoreño la oportunidad de ir a Cuba y entrevistar a un general del KGB retirado (porque cuesta imaginarse a un periodista de La Prensa Gráfica llegando por cuenta propia a La Habana buscando a generales retirados del KGB); está bien que reciba del PC toda la información y las pistas para reconstruir la historia de las armas recuperadas por el Vietcong y después regalados a Schafik.”.

Aunque cueste imaginar que un periodista haya logrado, en La Habana, los contactos que Valencia obtuvo con ex generales de la KGB, creo que nadie tiene el derecho a cuestionar eso, ni siquiera cómo lo hizo, porque a fin de cuentas la información y la documentación necesarias para sustentar sus hallazgos están ahí, disponibles, en su reportaje. Eso es lo que cuenta. Como periodista, si yo me viese en la necesidad de entrevistar a ex generales de la KGB, yo hablaría primero con miembros del PC, porque sería el camino más fácil para hacerlo. Cualquier periodista habría hecho eso. Ahora bien, qué ocurrió primero, ¿el cebo o el impulso investigativo? Eso sólo lo puede decir Valencia y sus editores, pero no se puede armar un argumento suponiendo que sólo hay una conclusión posible. Sin embargo, Luers construye su tesis sobre el fracaso “juvenil” de Valencia y de los editores de La Prensa Gráfica sobre la presunción de que se dejaron llevar, ingenuamente, por el “periodismo de cebo”. Por muy válido que sea un argumento general contra la “información cebo”, en este caso específico, Luers está atacando a un periodista sobre la base de una especulación.

Como periodista, yo he realizado reportajes que me han llevado a descubrimientos sorprendentes. En un caso en particular, por un reportaje que escribí y que apareció publicado en El Diario de Hoy sobre el tráfico y la trata de menores de edad, la Fiscalía General de la República investigó a la División de Fronteras de la Policía Nacional Civil para tratar de averiguar quién me había proporcionado la información que me llevó a descubrir el caso. ¿Por qué hicieron esto? Por el mismo juego de razonamiento que ahora utiliza Luers: porque les costaba creer que un periodista, por su cuenta, hubiera descubierto la información y los documentos que yo descubrí. Esto a pesar de que toda la documentación que yo utilicé como referencia era de carácter legal y, por lo tanto, sólo podría haber provenido de dos fuentes: los tribunales y la Fiscalía. Tratar de desvirtuar el trabajo de un periodista suponiendo que sólo un cebo malintencionado podría justificar el logro de una investigación conlleva peligros más grandes que restarle contexto histórico a un reportaje. Por esta razón realmente no importa cuál fue el camino que utilizó Valencia para llegar a la KGB, en este caso en particular realmente no importa. Es mucho más importante recordar que tanto una investigación periodística como un artículo de opinión necesitan estar sólidamente sustentados. El reportaje de Valencia, a pesar de sus faltas, sí está sustentado. El de Luers, no.

Curiosamente, Ricardo Ribera, en su columna de opinión “Desde la academia”, también publicó un artículo sobre el mismo tema la semana pasada, y también en El Faro, titulado “¿Periodismo o historia?”. Cómo Luers, Ribera también responde a un artículo de Héctor Silva Jr., y ambos responden a la pretensión manifestada por Silva de que La Prensa Gráfica podría estar llenando los vacíos de la historia de la guerra con sus reportajes. No creo que nadie crea esto. Nunca es buena política que un medio de comunicación se eche flores a sí mismo. Ribera tiene palabras tan fuertes como las de Luers. Refiriéndose a la opinión de Silva escribe: “Una superficial preparación académica probablemente explica que caiga en el desatino de plantear que el periodismo sea ‘una fuente alternativa de narración histórica’. El país necesita de buen periodismo y de buena investigación histórica. Son dos cosas distintas”.

Al plantear la diferencia entre el periodismo y la investigación histórica, Ribera toca la misma preocupación que toca Luers, la ausencia de contexto, pero lo hace con un sentido filosófico y por eso se convierte en una opinión más sólida. Sin tener que probar nada, sin tener que sustentar su opinión, Ribera simplemente se preocupa por expandir los límites del diálogo, incitándonos a preocuparnos por el más amplio contexto de la guerra para entender mejor nuestro pasado: “El historiador académico, ya de entrada, va a plantear las cosas desde otra perspectiva: no se enfocará exclusivamente en la injerencia soviética, sino más bien su tema será el papel de ambas superpotencias, en el marco de guerra fría que se vivía, en el conflicto nacional. Por otra parte, no hay que pecar de ingenuos. ¿Acaso estará preparando La Prensa Gráfica una investigación periodística similar sobre el rol de Estados Unidos en la guerra civil? ¿Por qué no investigar sobre la injerencia de militares argentinos o de la inteligencia israelí? ¿Un especial sobre las actividades del terrorista cubano Posada Carriles mientras era asesor del gobierno de Duarte? ¿Qué tal sobre el apoyo de la extrema derecha guatemalteca a los futuros fundadores de ARENA? Mientras ese diario no impulse algún reportaje sobre temas como los que señalo o similares, su investigación periodística no dejará de oler a campaña electoral y a intereses políticos partidaristas. Cosa que no desdice de su calidad profesional. Ni de la inocencia de sus empleados. Pero sí de quienes les dan empleo y deciden los temas”.

A fin de cuentas, estas palabras de Ribera, que ponen el dedo sobre la llaga, son más efectivas que las de Luers. ¿Tiene razón El Faro a decir que su artículo no pasa “filtros de calidad”? Me temo que sí. Y sin embargo, me duele que una vez publicado lo hayan eliminado, por la sencilla razón de que el mal ya estaba hecho. Además, el artículo de Ribera nos decía que la preocupación de Luers es compartida por otros intelectuales. Cuando un periódico comete un error y publica algo que no debió haber publicado, porque contenía alguna falla periodística, debe hacer dos cosas. Primero, reconocer su error, tal y como lo hizo El Faro. Y segundo, abrir el debate. En lugar de eliminar la columna de Luers, un acto que creó un morbo innecesario en el ámbito periodístico, El Faro debió abrir sus páginas a la opinión de Valencia, a la de Silva y a la de todos los interesados. Los errores de la libertad de expresión sólo los puede corregir más y más libertad de expresión, porque más importante que la calidad del periodismo es la calidad de nuestra libertad para pensar y opinar; sin esta libertad, el periodismo no es nada.

Ávalos, Jorge. Calidad de periodismo y calidad de libertad, El Faro, 28 de mayo de 2007.

En defensa de Horacio Castellanos Moya

2009-11-22T12:15:00.000-08:00

Respuesta a la publicación El “caso” Castellanos Moya de David Hernández

A través de su periodismo combativo, de su pionera labor como editor y de sus polémicos libros, Castellanos Moya ha puesto sobre la mesa de discusión temas antes intocables para la sociedad salvadoreña: la inmoralidad en el seno de la izquierda, la identidad nacional construida sobre la base de símbolos frívolos, las raíces socioeconómicas o históricas de la violencia, y mucho más. La innegable popularidad de novelas como El asco ha permitido discusiones abiertas, perseverantes y, finalmente, provechosas, sobre preocupaciones y obsesiones nacionales que, como descubrimos más tarde, atañen a toda la región por las experiencias compartidas de guerras y posguerras.

Jorge Ávalos

San Salvador, Viernes, 13 de Agosto de 2004

Señor Peter Ripken
Sociedad para el Fomento de la Literatura
de África, Asia y Latinoamérica
Francfort, Alemania

Estimado Señor Ripken:

He tomado la iniciativa de responder a una carta escrita por el señor David Hernández, que ha sido masivamente difundida en El Salvador y que, bajo el título «El ‘caso’ Castellanos Moya» fue formalmente publicada en el semanario El Faro (elfaro.net) la semana del 2 al 8 de agosto pasado. Aunque el señor Hernández asegura que su carta es una petición para que se «revise» la aceptación de Castellanos Moya al programa Ciudad Refugio, es evidente para mí, y quiero demostrar esto con mi respuesta, que su propósito es otro. El título mismo de la carta del señor Hernández delata su intención: fabricar un caso, un proceso público, contra Castellanos Moya.

«Me siento», escribe el señor Hernández, «con la obligación ética de hacer este pronunciamiento público ante una mentira tan grande, mediante la cual el ciudadano hondureño Castellanos Moya se ha burlado de la buena voluntad de sus anfitriones alemanes, a quienes va dirigida en primera instancia esta carta». La ejecución de una obligación ética es siempre acompañada de un proceder ético. Pero la carta del señor Hernández está mucho más cerca de un linchamiento verbal. A continuación yo enumero y respondo a 10 acusaciones distintas que él hace contra el escritor salvadoreño Horacio Castellanos Moya.

Es claro que el punto de partida de la carta, su resorte argumental, es la opinión de que la aplicación de Castellanos Moya al programa Ciudad Refugio carece de méritos. Quiero, por lo tanto, ofrecer una prueba destacada y contundente de que esto es falso y que Castellanos Moya sí tiene razón en buscar albergue y apoyo fuera de las fronteras de El Salvador para realizar su labor creativa.

Ofrezco como única prueba la carta escrita por el señor David Hernández, que menciono al inicio de mi carta y a la que respondo a continuación. Obviamente, la carta del señor Hernández fue escrita recientemente, pero este documento cristaliza, como ninguno, la voluntad de violento rechazo que Castellanos Moya y su obra literaria padecen en El Salvador, a pesar de, o quizás debido al creciente prestigio internacional que ha generado en la crítica especializada y entre escritores prominentes a escala internacional.

En un entorno globalizado, donde la rapidez de la difusión informativa genera reportajes vertiginosos, la noticia de que Castellanos Moya había sido aceptado en el programa Ciudad Refugio en Francfort causó revuelo y provocó fuertes reacciones en los niveles más altos del periodismo y la política salvadoreña. El eje principal de las reacciones negativas, que especulaban a partir de información confusa e incierta, fue la larga carta escrita por el señor Hernández, pues esta contenía los principales ataques que luego se esgrimieron contra Castellanos Moya.

La carta del señor Hernández, tal y como lo demuestro a continuación, es una porosa masa de calumnias sin estructura lógica, diseñada para agredir y menoscabar la reputación de Castellanos Moya. Nótese que en la sección «2. Los hechos concretos» la carta del señor Hernández no ofrece ningún hecho concreto. Nótese que después de la petición que el señor Hernández hace «a los anfitriones de la ciudad de Francfort del Meno a que revisen el ‘caso’ Moya», se mueve rápidamente a la sección «4. Conclusión del ‘caso Moya’». Obviamente, sin haber realizado una verdadera investigación del «caso», sin hechos concretos y sin pruebas de ningún tipo, el señor Hernández no puede presumir de tener la autoridad para pasar juicio sobre la persona de Castellanos Moya ni sobre el programa Ciudad Refugio en Francfort.

Necesito, entonces, realizar un detallado ejercicio lógico y responder, una por una, a las acusaciones injuriosas e injustas del señor Hernández. Pido disculpas, de antemano, por escribir una respuesta tan larga pero, a mi manera de ver, necesaria.

1.

De acuerdo al señor Hernández, para aplicar al programa Ciudad Refugio Castellanos Moya ha recurrido a «trucos» que «bien pueden ser fantasías de él o de su madre, o de sus amigos» y que considera «nada comprobables». «Sus argumentaciones», alega, «se basan en afirmaciones bastante dudosas», incluyendo amenazas de muerte que su madre recibió por teléfono o «un correo electrónico anónimo, no digno de credibilidad, y que los mismos protagonistas pueden haber hecho circular».

Estas no son pruebas de que Castellanos Moya ha mentido, son especulaciones infundadas. Sobre qué base verificable puede el señor Hernández cuestionar estos argumentos, no lo sé. Lo que sí es claro es que si el señor Hernández tenía duda alguna sobre cualquiera de las explicaciones que Castellanos Moya utilizó para fundamentar su aplicación al programa Ciudad Refugio, su carta debió haber terminado aquí, con este cuestionamiento básico del contenido de la aplicación de Castellanos Moya. El paso siguiente habría sido solicitar más información al respecto. Pero esto no es lo que hizo.

2.

El señor Hernández asegura que Castellanos Moya «ha manipulado a sus amigos para que mientan en su provecho personal». Y esta aseveración lleva a una acusación mucho más seria: «Incluso sus amigos se ofrecían para montarle una farsa de atentado». Si esto último fuera cierto, es decir, si un grupo de amigos hizo una propuesta semejante, esta no tiene ninguna relevancia en este caso por dos razones: a) porque Castellanos Moya no puede ser hecho responsable de lo que sus amigos piensen, digan o hagan; y b) porque nunca se montó ninguna «farsa de atentado», porque nunca ocurrió algo semejante que merezca consideración alguna. No se puede acusar a una persona de haber incitado una acción que nunca ocurrió.

Por lo tanto, debemos considerar seriamente que el propósito del señor Hernández al hacer esta acusación no es lógico sino maquiavélico: relativizar cualquier apoyo que Castellanos Moya pueda recibir en su defensa. Si sus amigos también son farsantes, no hay nada que ellos puedan decir por él. Esta es una falacia sólo sustentada por otra falacia.

Por si fuera necesario decirlo, hago la siguiente aclaración: Castellanos Moya y yo no somos amigos. Aparte de intercambios casuales de correspondencia, no he tenido nunca un diálogo con él. Una sola vez hemos coincidido en el mismo país y el único encuentro que tuve con él en esa ocasión duró 10 minutos.

3.

Una de las imputaciones más sorprendentes hechas por el señor Hernández es esta: «no puedo más que condenar este hecho que linda con el parasitismo social a un nivel de lumpen proletariado». Esta es la misma acusación —exactamente la misma— que el gobierno soviético hizo contra el poeta Joseph Brodsky en febrero de 1964 para justificar su arresto y condena a cinco años de trabajo forzado. Dado que el lenguaje de esta afirmación sólo puede encontrar eco en el sector más retrógrado de la intelectualidad de izquierda, el señor Hernández reintroduce después la misma afirmación con un lenguaje que busca eco en un sector conservador: «Se trata de un gandul que ha hecho de la manipulación y la mentira su ‘modus vivendi’». Esta es la descripción de un gangster o de un rufián de poca monta, no de un intelectual, y está tan lejos de la verdad que se trata de una calumnia descarada. La carrera literaria de Castellanos Moya, que se inicia en su adolescencia, es una de las más productivas e infatigables que yo conozco. El mejor testimonio de que Castellanos Moya no es un «parásito» ni un «gandul» es su notable productividad periodística y literaria.

4.

La acusación más seria del señor Hernández es también la más negligente. «de paso ha quitado la oportunidad a un verdadero escritor perseguido para que venga en su lugar». En declaraciones hechas a La Prensa Gráfica de El Salvador (LPG), él mismo se encarga de explicar la verdadera implicación de lo que dice: «este hecho es antiético porque le quita el puesto a algún escritor que pueda estar en peligro de muerte» (LPG, julio 28, 2004).

La gravísima insinuación de que Castellanos Moya es potencialmente culpable de la muerte de un escritor en peligro es tan insensata que por sí misma merece una investigación por parte del Parlamento Internacional de Escritores (PIE), y quien merece ser investigado no es Castellanos Moya sino el señor Hernández. Evidentemente, el señor Hernández no puede ofrecer pruebas de que esto haya ocurrido ni puede anticipar objetivamente que esto habrá de ocurrir. Pero demos un paso atrás y conjeturemos, por razones argumentativas, que esto es cierto.

Supongamos que por razones financieras, cuando el programa Ciudad Refugio acepta a un escritor se niega el puesto a otro; por lo tanto, al momento de evaluar a un escritor, el programa debe considerar el grado de necesidad o de peligro del escritor. A partir de este razonamiento tenemos que considerar dos cosas con respecto al caso específico que ocupa nuestra atención.

Primero, el programa aceptó a Castellanos Moya dos años después de su aplicación; evidentemente, ni Castellanos Moya ni la Red de Ciudad Refugio vieron que su caso merecía acción inmediata, y su aplicación fue aceptada por el PIE sobre otras bases, no sobre la consideración de peligro inminente.

Segundo, cuando Castellanos Moya aplicó al programa Ciudad Refugio por mediación del francés Phillipe Olle-Laprune, en México, lo hizo con transparencia, utilizando el mismo argumento que empleó públicamente al abandonar su país de origen. El PIE encontró validez en la aplicación de Castellanos Moya. Cabe recordar que son ellos y sólo ellos quienes tienen el poder y el criterio para aceptarlo o rechazarlo. Por lo tanto, si se diera el caso extraordinario de que un escritor, rechazado del programa porque se aceptó a Castellanos Moya en su lugar, fuese asesinado, la culpa no sería de Castellanos Moya. Tampoco sería culpa del PIE, aunque en ese caso extremo sus miembros deberían evaluar su propio proceso de decisión para garantizar así la eficacia del programa.

Esto es algo, señor Ripken, en lo que claramente estamos de acuerdo. Por una nota periodística supe que usted, como anfitrión de Castellanos Moya en Francfort, hizo la declaración siguiente: “Es totalmente irresponsable de parte del señor David Hernández hablar en tales términos. Decir que Castellanos Moya está tomando el lugar de otros escritores (en peligro) es incorrecto y está lejos de la verdad” (LPG, julio 31, 2004).

5.

El señor Hernández cree que la beca otorgada a Castellanos Moya por el programa Ciudad Refugio «está poniendo en entredicho todo el proceso de democratización, sobre todo a nivel cultural, que se ha iniciado en un ambiente de consenso social en El Salvador, luego de la firma de los Acuerdos de Paz de 1992».

¿Es el proceso de democratización en El Salvador tan frágil que las acciones de un escritor son suficientes para ponerlo «en entredicho»?

En realidad, lo opuesto es la verdad. El señor Hernández está acusando a Castellanos Moya de perturbar un proceso al que Castellanos Moya ha contribuido tanto como cualquiera y, en el ámbito literario, quizás más que nadie. A través de su periodismo combativo, de su pionera labor como editor y de sus polémicos libros, Castellanos Moya ha puesto sobre la mesa de discusión temas antes intocables para la sociedad salvadoreña: la inmoralidad en el seno de la izquierda, la identidad nacional construida sobre la base de símbolos frívolos, las raíces socioeconómicas o históricas de la violencia, y mucho más. La innegable popularidad de novelas como El asco ha permitido discusiones abiertas, perseverantes y, finalmente, provechosas, sobre preocupaciones y obsesiones nacionales que, como descubrimos más tarde, atañen a toda la región por las experiencias compartidas de guerras y posguerras.

Por otro lado, es necesario recordar que el señor Hernández se equivoca en otro punto. En El Salvador se vive actualmente un período de polarización política y violencia social. No existe «un ambiente de consenso social», excepto aquel que Castellanos Moya ha sabido hurgar con su palabra: el consenso alrededor de lo que es más despreciable acerca de nuestra realidad, el consenso acerca de lo que es necesario cambiar absolutamente. Porque esto es, sin duda, lo que nuestros políticos tratan de hacer o deshacer como pueden: cambiar las condiciones de violencia, atraso y pobreza del país para crear prosperidad y forjar futuro. Si no fuera así, no necesitaríamos de los políticos. Hay que admirar, por lo tanto, la tenacidad de Castellanos Moya para hablar mal de su país: en El Salvador encuentra su centro de acción creativa, su imaginario vital, su pasión más duradera. Su función intelectual contra El Salvador no es, por lo tanto, distinta a la que Thomas Bernhard ha realizado contra Suiza o Juan Goytisolo contra España. A propósito de éste último, Mario Vargas Llosa ha escrito: «Hay que desconfiar de los novelistas que hablan bien de su país: el patriotismo, virtud fecunda para militares y funcionarios, suele ser pobre literariamente. La literatura en general y la novela en particular, son expresión de descontento: el servicio social que prestan consiste en recordar a los hombres que el mundo siempre estará mal hecho, que la vida siempre deberá cambiar».

6.

El señor Hernández escribe: «Que ahora Castellanos Moya, blandiendo el fantasma de ese pasado que El Salvador ya superó, diga que es perseguido político y que está amenazado a muerte, es algo muy triste en primer lugar y de una catadura moral bastante deleznable, pues pone sus egoístas intereses personales oportunistas, para lograr un estipendio mediante la mentira y la farsa».

Todo escritor que aplica y acepta una beca o un subsidio, tal y como el señor Hernández lo hizo hace casi veinte años cuando llegó a Alemania («estipendiado» como él mismo explica) está tomando una oportunidad para llenar sus «egoístas intereses personales». Ese es el propósito de las becas, para eso son creadas, para impulsar las carreras de individuos con fuertes motivaciones personales. No se requiere «catadura moral» para ello, sólo autoestima, mérito y tenacidad.

El interrogante moral, en este caso en particular, es el siguiente: Para lograr la realización de sus intereses personales, para conseguir esa beca, ¿ha recurrido Castellanos Moya a «la mentira y la farsa»? En otras palabras, ¿carece de mérito su petición? Este es un punto muerto, un punto que no es necesario debatir, por dos sencillas razones aclaradas en los medios de prensa: a) Castellanos Moya no ha pedido asilo político: nunca ha manifestado que «es perseguido político» del estado o que está «amenazado a muerte» como consecuencia de esa supuesta persecución política; y b) lo que se le ha otorgado a Castellanos Moya es una beca de escritor, porque el PIE considera que él, tal y como lo explicó usted, señor Ripken, «es un escritor experimentado que se integrará a la vida cultural y literaria de la ciudad» (LPG, julio 29, 2004). Esta declaración es, por cierto, muy similar a la reacción previa de Manlio Argueta, quien conoce muy bien el mundo internacional de las becas para escritores: «Es importante el apoyo que se le da en Alemania. Estará en un centro cultural mundial (la ciudad de Francfort), donde tendrá acceso a bibliotecas para investigación y el tiempo necesario para dedicarse por completo a su obra» (LPG, julio 28, 2004).

¿Se puede decir, entonces, que Castellanos Moya «está falseando la verdad y, aprovechándose de la buena voluntad de los anfitriones alemanes, los ha engañado con su ‘viejo truquito’ de escritor perseguido y amenazado a muerte»? Por supuesto que no. Por lo visto, quien está esgrimiendo una mentira no es Castellanos Moya sino el señor Hernández. Este último debe, por lo tanto, facilitar pruebas si lo que dice es verdad.

7.

Ninguna otra línea de pensamiento del señor Hernández genera más extrañeza que ésta: «Castellanos Moya alega que su ‘persecusión’ se debe a las obras que él ha escrito. Esto es una falsedad más, ya que en El Salvador se están publicando libros más atrevidos y de mejor calidad que las supuestas ‘obras malditas’ de Moya, sin que a los autores el actual régimen los persiga a muerte, los encarcele o los exilie».

Si el propósito principal del programa Ciudad Refugio fuese únicamente proteger la vida del escritor amenazado, tal y como el señor Hernández asegura, ¿qué importancia tiene la calidad de la obra? ¿Cuál sería la «catadura moral» del programa si su misión fuese proteger sólo a los escritores que «están publicando libros más atrevidos y de mejor calidad»? ¿Es acaso un objetivo del programa que los peores escritores mueran? ¿Es su propósito último ejercer una forma letal de crítica literaria?

¿Cuál es el criterio mínimo que salvaría a un escritor de la muerte? ¿Su buena ortografía? ¿Su capacidad para la experimentación? ¿La riqueza de su vocabulario? ¿La profundidad sicológica de sus personajes?

Esta declaración del señor Hernández es meramente hipócrita. Ningún régimen, ningún sector violento, ningún grupo de poder persigue a un escritor sobre la base de criterios literarios.

8.

La noticia de que Castellanos Moya había «obtenido asilo por persecución» (LPG, julio 28, 2004), generó reacciones inmediatas de la comunidad intelectual, de José Roberto Dutriz, Director de La Prensa Gráfica y vicepresidente regional de la Sociedad Interamericana de Prensa (SIP), y del Presidente de la República de El Salvador, Elías Antonio Saca. La principal discordancia fue entre la noticia de «asilo por persecución» y la «realidad del país», como lo manifestó con claridad el presidente Saca.

Para ser justos, la primera noticia fue confusa, apresurada y carente de investigación: las declaraciones de Castellanos Moya, de Holger Ehling, portavoz de La Feria del Libro en Francfort, y de Peter Ripken, de la Sociedad para la Promoción de la Literatura de África, Asia y América Latina en Alemania, llegaron poco a poco. Pero sí es muy claro que las principales reacciones negativas no se dieron a partir de la noticia, sino a partir de las elaboradas declaraciones y denuncias del señor Hernández, que comenzaron a circular de inmediato, tanto por los medios estables de prensa como por vías informales del internet.

«Por este medio», escribió en la larga carta que motivó esta respuesta, «solicito a los anfitriones de la ciudad de Francfort del Meno a que revisen el ‘caso’ Moya. Creo que merece toda la seriedad del caso, ya que se trata de implicar a todo un conglomerado, la República de El Salvador, en una burda mentira que no se sostiene». El señor Hernández empuja la noción de que este caso en particular representa un peligro para los intereses diplomáticos y económicos de El Salvador: «Este aspecto tan sensible, que puede afectar a todo un país, debe ser tratado de forma responsable por los anfitriones germanos, ya que tiene repercusiones directas en la política internacional y la ayuda para el desarrollo».

Este es el quid del argumento del señor Hernández: la beca recibida por Castellanos Moya no sólo es inmerecida, pone en peligro el futuro de El Salvador, estigmatizando a los ojos de la comunidad internacional su reputación como nación democrática. En consecuencia, el hijo pródigo de El Salvador no merece premios en su nombre; sus obras literarias constituyen una forma de traición a la integridad patria: a su nombre, a su literatura, a su «ambiente de despertar democrático».

Nunca antes había leído yo un ataque contra un escritor tan absurdo e irresponsable como este. Es increíble también que este ataque haya sido calculado, ideado y fraguado por otro escritor. Si Castellanos Moya, por sí solo, tuviese el poder de manchar la reputación internacional de El Salvador, al punto de poner en riesgo la ayuda para su desarrollo económico, seis millones de salvadoreños seríamos inmediatamente elegibles para pedir asilo político en Alemania. Perseguidos por un poder más grande que el estado, el ejército, la empresa privada y los medios de prensa, huiríamos en desbandada. Y Castellanos Moya tendría un país para sí mismo.

9.

«Me siento con la obligación ética», escribe el señor Hernández, «de hacer este pronunciamiento público ante una mentira tan grande, mediante la cual el ciudadano hondureño Castellanos Moya se ha burlado de la buena voluntad de sus anfitriones alemanes».

Un elemento nuevo aparece en este párrafo: Castellanos Moya ha dejado de ser un escritor salvadoreño y se ha convertido en «ciudadano hondureño». Para un alemán los centroamericanos somos esencialmente iguales, y no podría reconocer el regionalismo xenófobo al cual apela el señor Hernández al utilizar ese gentilicio. Su utilización en este contexto es equivalente al uso de un calificativo racista en un contexto europeo. Es por eso que vincula su uso a su latente desestimación de los alemanes, contenida hasta el final de la carta: «Lamentablemente la burda maniobra mediante la cual el ciudadano hondureño Castellanos Moya ha manipulado a los anfitriones alemanes deja una lección. Se trata de que los criterios para escoger a los candidatos a ser refugiados de las ciudades santuarios, sean más serios, y no producto de las simpatías subjetivas o del accionismo ‘xenófilo’ que, en última instancia es igual a ‘xenófobo’».

Ahora resulta que el apoyo de los alemanes a Castellanos Moya es otra forma de racismo: una «simpatía subjetiva», la atracción a su novedoso exotismo.

10.

En el transcurso de su carta, el señor Hernández afirma, citando un reporte del PEN Club International, que en El Salvador sólo «figuran como perseguidos por haber denunciado un caso de corrupción de una transnacional en el país, tres periodistas salvadoreños, entre ellos Napoleón Altamirano y Laffite Fernández, que por cierto son periodistas de derecha. Pero de Castellanos Moya no hay señas». Esto no prueba absolutamente nada. Altamirano y Fernández son miembros poderosos de la prensa escrita que denunciaron valientemente un caso de corrupción. En relación con este caso, el reporte del PEN Club no utiliza nunca la palabra «persecution». El hostigamiento contra Altamirano y Fernández es de carácter legal, y ha sido ampliamente ventilado por los medios de prensa.

Sin embargo, esta alusión casual a la derecha es muy significativa, porque tal y como la carta del señor Hernández lo indica, la izquierda ahora constituye parte del status quo político. Y el hecho más importante que el señor Hernández omite en su carta es que los ataques más antiguos y persistentes contra la obra de Castellanos Moya provienen de la izquierda, de personas que confunden la literatura con la vida, la ficción con la verdad, y para quienes es insoportable la representación tan fiel, la verdad tan grotesca, que las obras de Castellanos Moya han hecho de ciertos sectores sociales de El Salvador, incluyendo la izquierda salvadoreña.

* * *

La carta del señor Hernández es la prueba más reciente y contundente del tipo de vejaciones, difamaciones y calumnias que Castellanos Moya ha tenido que soportar desde la publicación de su novela La Diáspora. Esa carta también demuestra por qué El Salvador es un territorio socialmente inhóspito para la estadía actual y permanente de Castellanos Moya. La actual propensión en los medios por aceptar, sin vacilación alguna, una perorata tan falaz como la escrita por el señor Hernández es lamentable y peligrosa, sobre todo porque su impacto en la opinión pública fue inmediato y estuvo a punto de precipitar un escándalo nacional. Ciertamente, Castellanos Moya no encontrará un espacio conducente a la creatividad literaria mientras sea asediado por un continuo torrente de declaraciones injuriosas capaces de incidir en la opinión pública, como las contenidas en la carta del señor Hernández.

En nombre de la justicia y la razón, creo que es necesario, señor Ripken, que tres cosas sucedan lo más pronto posible:

El programa Ciudad Refugio de Francfort debe difundir un comunicado oficial para informar y explicar la naturaleza real de la estadía de Horacio Castellanos Moya en esa ciudad.
Es necesario saber si la carta del señor Hernández está escrita, tal y como él lo afirma, con «el aval de los miembros de la Iniciativa de Hannover para Escritores perseguidos».
Finalmente, si el segundo punto es cierto, valdría la pena saber, de forma oficial, y por mediación suya, si la Iniciativa de Hannover para Escritores Perseguidos conoce los términos en que la carta del señor Hernández fue escrita y si ellos comprenden y avalan las declaraciones reales contenidas en esa carta.

Pido también, formalmente, que la carta del señor Hernández titulada «El ‘caso’ Castellanos Moya» sea aceptada por el programa Ciudad Refugio de Francfort como una prueba contundente que legitima, más allá de ninguna duda, tanto la aplicación de Horacio Castellanos Moya como su aceptación por el Parlamento Internacional de Escritores.

Les ofrezco mis mayores respetos.

Atentamente,

Jorge Ávalos

[Originalmente publicada en El Faro, cita bibliográfica pendiente]

Un hilo de oro

2009-11-22T11:32:00.000-08:00

Jorge Ávalos

Seda por Alessandro Baricco.
Rizzoli, Milán, 1996.
Norma, Madrid, 1997.

Seda es una novela épica y breve, sencilla y mágica, cuya característica principal radica en haber sido construida alrededor de una sola oración. En el capitulo 33, Hervé Joncour, el protagonista de la novela, se entrega a su destino, bajo un cielo poblado de pájaros multicolores, al descender a la aldea del rey Hara Kei en el Japón. «Él era un hilo de oro enhebrado a través del diseño y los patrones de una alfombra tejida por un loco», escribe Alessandro Baricco, el autor. Esta oración se manifiesta como una epifanía para el lector; un momento revelador que ilumina los primeros 32 capítulos anteriores y que iluminará los 32 capítulos posteriores. No nos sorprende saber que Baricco es un musicólogo.

Es el año 1861. Hervé Joncour compra y vende gusanos. Gusanos de seda. Joncour, un hombre impasible, inicia, a pesar suyo y como lo habrán hecho tantos otros en su tiempo, el comercio global de la seda. La epidemia de pebrina, que afectaría toda la producción de seda en Europa, obliga a Joncour a buscar huevos de seda más allá del mundo comercial de la Europa del siglo XIX. El más allá es Japón, en ese entonces impenetrable, cerrado al intercambio comercial, cerrado a la comprensión de los europeos. Joncour se gana la confianza del rey Hara Kei, y en su corte ve a una mujer «cuyos ojos no tenían el típico rasgo oriental, y cuyo rostro era el rostro de una niña». Joncour no la toca, no habla con ella, pero es cautivado por la visión de su enigmática belleza.

Baricco es un hábil creador. Con el uso de imágenes precisas, rechazando el claroscuro típico de la novela Europea, recurre a una límpida delineación de situaciones y a una transparencia narrativa que sugiere el arte pictórico japonés del siglo XIX. Pero el delicado artificio de Seda es ante todo de carácter musical, pleno de repeticiones y sesgos harmónicos. Los personajes se mueven como temas musicales a través de las texturas históricas y emocionales de sus vidas. Ninguno de los personajes, por cierto, representa tipos heroicos, con la excepción de Hara Kei, una figura clave pero menor. Antes del final de la novela, el autor le concede a Joncour una epifanía en la revelación de un secreto, en la traducción de una carta, en la concesión de un deseo:

él escuchaba, tenía la mirada fija en un marco de plata, colgado en la pared,
hasta que al final te bese en el corazón, porque te quiero, morderé la piel que late sobre tu corazón, porque te quiero, y con el corazón entre mis labios tú serás mío, de verdad, con mi boca en tu corazón tú serás mío, para siempre, y si no me crees abre los ojos señor amado mío y mírame, soy yo, quién podrá borrar jamás este instante que pasa, y este mi cuerpo sin más seda, tus manos que lo tocan, tus ojos que lo miran

dijo ella, se había inclinado hacia la lámpara, la luz daba contra los folios y pasaba a través de su vestido transparente,

Y a partir de esa lectura transfigurada por la luz del deseo, también el lector es enriquecido generosamente.

Alessandro Baricco nació en Turín en 1958. Su primera novela, Castelli di rabbia, ganó el premio Médicis en Francia y el premio Selezione Campiello en Italia. Su segunda novela, Océano-Mar, ganó los premios Viareggio y Pallazzo del Bosco en Italia. Seda, originalmente publicada en Italia bajo el título Seta en 1996, ha sido traducida a decenas de idiomas.

Ávalos, Jorge. “Un hilo de oro”, Búho, revista cultural de La Prensa Gráfica, junio 6 de 1999, San Salvador.

El crimen de los censores

2009-11-21T16:19:00.000-08:00

Jorge Ávalos

Hay una manera muy fácil para destruir una democracia: coartando las libertades individuales. La piedra angular de las libertades individuales es la libertad de expresión. Para comprender esto, tenemos que recordar que lo que llamamos «libre albedrío» es un fin en sí mismo, es un triunfo del desarrollo de cada ser humano. Los niños no lo tienen al nacer. Es algo que aprendemos, es una toma gradual de conciencia. La voluntad de actuar y expresarnos libremente es lo que nos hace personas, seres individuales. El libre albedrío y la libertad de expresión son los instrumentos más útiles que tenemos para construir nuestra propia identidad y para realizarnos como individuos en la sociedad a la que pertenecemos. Pero hay una dependencia del Ministerio de Gobernación que quiere actuar por nosotros, coartando nuestras libertades individuales.

La Dirección de Espectáculos Públicos ha impuesto restricciones de distribución y publicidad a la cinta El crimen del padre Amaro. Esta producción mexicana, actualmente nominada al premio Oscar como mejor película extranjera, está basada en la novela homónima de Eça de Queiroz (1845-1900), el más importante y reconocido novelista portugués antes que José Saramago sorprendiera a los lectores del planeta con sus hermosas parábolas. Incluso nuestro querido Salarrué admitió su deuda con Eça de Queiroz; la lectura de El crimen del padre Amaro, aquí, en El Salvador, lo inspiró a escribir su primera novela, El Cristo Negro, cuya primera edición data de 1926. Pero esto es algo que los censores de la Dirección de Espectáculos Públicos no podrían saber, porque una sólida formación humanística suele ser incompatible con la falta de tolerancia.

Tanto los lectores del gran narrador salvadoreño, como los del gran novelista portugués, como los de cualquier escritor, saben que la literatura puede explorar cualquier aspecto de la experiencia humana. Nada que contribuya a la autenticidad de la obra o a la formulación de su lógica interna está prohibido al escritor de ficciones; la imaginación se rige por leyes de creación que hacen del producto final un hecho artístico ineludible: reconocemos su validez en la medida en que reconocemos su verdad.

¿Cuál es la verdad explorada por El crimen del padre Amaro que la hace tan peligrosa a los ojos de las instituciones de poder? Una clave de su historia ha sido ampliamente referida por los medios de comunicación: un sacerdote entabla relaciones sexuales con una joven feligresa. Además, pequeños incidentes ocurren en la película que han sido considerados blasfemos por autoridades de la Iglesia Católica. En una famosa escena, una vieja beata, cuyo fanatismo religioso raya con la superstición y la brujería, da una hostia a su gato negro. En otra, la joven amante del padre Amaro, interpretada por Ana Claudia Talancón se cubre con el manto estrellado de la efigie de la Virgen de Guadalupe; sobrecogido de emoción, el padre Amaro, interpretado por Gael García Bernal, le dice: «Te ves más bella que la Virgen».

Ésta última escena se da con tanto candor que reconocemos de inmediato el aura de íntima autenticidad que sólo el cine puede evocar. Es un momento efectivo porque posee un curioso grado de verdad literal que nos demuestra la ironía inevitable del medio cinematográfico ante el hecho religioso: sin duda alguna, la actriz mexicana es más bella que cualquier representación de la «santa patrona de las Américas». Decir esto no implica una blasfemia; no creo que haya un solo espectador que pueda ser confundido por lo que ocurre; y es que entre la imagen de una actriz elegida para el papel por su belleza innata y la imagen de una mujer adorada por millones de fieles católicos por su santidad hay una distancia infranqueable. Nadie en su sano juicio confundiría al icono religioso, con su poderosa carga de simbolismo, con la imagen sensual de Talancón creada por el director Carlos Carrera, que no hace más que jugar con nuestros paradójicos referentes culturales sobre lo que constituye la belleza femenina. Pero son estas pequeñas escenas las que la máxima autoridad de la iglesia en El Salvador, el Arzobispo Saenz Lacalle, ha denunciado como razón suficiente para censurar esta película. Más allá de la sorpresa de que una autoridad religiosa condene los actos de personajes de ficción como si estos fueran reales, está el inexplicable silencio de la misma autoridad ante el verdadero «crimen» denunciado por la película.

El crimen en cuestión no es ni una herejía ni una blasfemia, sino el asesinato de una víctima inocente. ¿Por qué nadie ha mencionado esto? La soberbia del padre Amaro y su tenacidad en proteger su reputación ocultando sus pecadillos sexuales lo inducen a cometer una serie de imprudencias que causan, finalmente, la muerte de su amante. Y dado que es el abuso del poder en el seno de la Iglesia misma la que ocasiona esa muerte, los miembros del clero que le rodean carecen de la autoridad moral para corregir y castigar lo que ha ocurrido. Esta es una crítica implacable contra afirmaciones recientes de la Iglesia Católica en torno a la superioridad moral de sus sanciones internas sobre las de la ley. Sólo ellos, afirman sus autoridades, pueden corregir los crecientes abusos de poder suscitados por sacerdotes pederastas y por los obispos que se han esforzado por ocultar esos crímenes con el fin de proteger la reputación de la iglesia. El crimen del padre Amaro parece decir que si una grave transgresión, cometida en el seno de una estructura de poder, es sistémica a esa estructura, entonces es el sistema de poder el que necesita ser examinado y puesto en tela de juicio. ¿Por qué? Porque «la sangre de la víctima clama desde la tierra», porque la justicia así lo demanda y porque la ley así lo exige.

Todos los dramas, tragedias y comedias que se representan en los teatros o en los cines contienen y revelan transgresiones humanas. Los pecados de mayor y menor grado son también la materia de las grandes historias bíblicas. Una historia sobre «el pecado» no asusta a ningún lector inteligente, mucho menos a los lectores católicos, a los lectores cristianos, a los lectores de la Biblia. Por ello, el hecho de que la Dirección de Espectáculos Públicos esté tratando de censurar la versión cinematográfica de una obra intelectual que ha circulado libremente por el mundo durante los últimos 125 años, sólo expone los niveles de profunda ignorancia con que el actual gobierno se manifiesta en reacción a la producción artística. Qué puede ser más ridículo y necio que cuando los miembros de una institución gubernamental deciden censurar a un clásico de la literatura sólo porque hasta ahora pudieron ver la versión cinematográfica. ¿Qué harán cuando se enteren de que Plaza y Janés Editores ha lanzado al mercado una exitosa edición masiva de la novela original, la cual es mucho más fuerte, sensual y profunda que la adaptación de Vicente Leñero? Tenemos suerte de que no existan versiones cinematográficas de La Celestina ni de Edipo Rey, o tendríamos al gobierno arrancando esos libros de las manos de los estudiantes.

Pero los censores no sólo inducen nuestro sarcasmo, también merecen nuestro repudio. En declaraciones hechas a La Prensa Gráfica, han afirmado que suspenderán la exhibición de la película si esta genera «alguna clase de polémica». Olvidan que la democracia se ejercita y se consuma en la polémica, en el debate, en el libre intercambio de ideas. El crimen del padre Amaro no presenta, en su contenido, historias de abusos e hipocresías del clero que los medios de comunicación no hayan ya reportado extensivamente en los últimos años. Lamento decir que en este caso la ficción es sólo un pálido reflejo de la realidad.

Las severas restricciones impuestas a esta película constituyen, por lo tanto, un abuso del poder regulador de la Dirección de Espectáculos Públicos; la Constitución de 1983 no les da el poder, como quieren hacernos creer, de actuar como reguladores ideológicos de lo que debemos o no debemos ver, sobre todo en materias de religión. Si la película sólo es accesible a un público adulto, a cualquier hora que se vea, ¿cuál es el propósito de prohibir su publicidad en los medios de prensa y de limitar sus funciones a un horario nocturno? Esta es, sin duda, una estrategia de censura selectiva que busca mitigar el impacto artístico y social de la película, negando las oportunidades comerciales de difusión masiva que las salas de cine hacen posible. ¿Por qué ésta película y no otras? ¿Por qué la Dirección de Espectáculos Públicos permite que adolescentes tengan acceso a películas ultraviolentas importadas de Hollywood mientras censura esta película? No se debe sólo a que el foco de su crítica es la iglesia católica sino porque su escenario mexicano es muy parecido al salvadoreño y esto le da a su mensaje una inmediatez y relevancia excepcionales.

Al contrario de las fantasías de Hollywood, El crimen del padre Amaro incita a la reflexión no sólo por su tema sino porque la película en sí existe, porque es un producto hasta ahora inaudito de nuestra cultura latinoamericana, que al fin se atreve a cuestionar las innegables hipocresías del poder eclesiástico. Es la audacia de sus creadores, esa voluntad para denunciar y provocar, la que está siendo castigada. Que los norteamericanos y los europeos protesten y debatan si quieren, en El Salvador el estado no espera nada más ni nada menos que la pasiva conformidad de sus ciudadanos. Esto explica por qué la Dirección de Espectáculos Públicos ha declarado, con un descaro y una soberbia que no nos permiten olvidar la ilegalidad de su acción, que su objetivo no es censurar la película sino prevenir cualquier polémica que ésta pueda suscitar. Lo que se prohíbe es la existencia de un público pensante.

El artículo 6 de la Constitución de El Salvador, que trata sobre la libertad de expresión, establece que “Los espectáculos públicos podrán ser sometidos a censura conforme a la ley”. Pero esa “ley” que la Dirección de Espectáculos Públicos usa como marco normativo para ejercer censura previa es el Reglamento para Teatros, Cines, Radioteatros, Circos y Demás Espectáculos Públicos (Decreto Ejecutivo No. 45, del 20 de agosto de 1948, publicado en el Diario Oficial el 28 de agosto de 1948). Este anticuado reglamento, emitido por el “consejo revolucionario” que sentaría las bases de los futuros gobiernos militares, no es una ley. Sin ningún estudio técnico para diseñarlo, sin ningún debate democrático para configurarlo con el fin de proteger la libertad de expresión y sin el debido proceso parlamentario para instituirlo como ley, el Decreto Ejecutivo No. 45 es inaceptable como marco normativo de un cuerpo estatal de censura.

Toda obra de arte es una creación humana, una huella del pensamiento humano. Y si, tal y como lo indica la Constitución de El Salvador, “toda persona humana puede expresar y difundir libremente sus pensamientos”, entonces es lógico suponer que una obra de arte es un medio para la libre expresión de la persona y que su libre difusión está constitucionalmente protegida.

Por lo tanto, en mi calidad de ciudadano, exijo saber por qué nuestros impuestos facilitan la existencia de una institución que busca asfixiar el ejercicio de la democracia. Una cosa es que el Ministerio de Gobernación provea a las familias salvadoreñas de guías de contenido —según los objetivos del Código de Familia—, pues una recomendación informada sobre el nivel de violencia, sexualidad o profanidad de una película puede ayudar a que los padres determinen si el contenido es apto para sus hijos. Otra cosa, muy distinta, es que el Estado ejerza censura previa y trate de impedir que los adultos ejerciten su acceso a obras intelectuales constitucionalmente protegidas, imponiendo condiciones sobre qué película ver y cuándo verla, restringiendo su libre mercadeo y amenazando con suspender su exhibición si esta motiva un justo intercambio de ideas.

Paradójicamente, es la opinión de un sacerdote salesiano, Miguel Ángel Ordóñez, la que mejor ejemplifica los sentimientos de los ciudadanos sensatos: «Cada persona tiene libre albedrío para decidir qué ver y qué no. A nadie le obligan a pagar un boleto».

He ahí otra expresión de inteligencia. Roguemos para que pase la prueba de los censores.

Noviembre de 2002

[Originalmente publicada en La Prensa Gráfica. Cita bibliográfica pendiente.]

Jorge Ávalos gana premio centroamericano de cuento

2009-11-21T15:41:00.000-08:00

Los cuentos de un salvadoreño ganan el Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán” de Panamá

Elmer L. Menjívar

El lunes por la tarde, Jorge Ávalos (1964) recibió una llamada telefónica del escritor panameño Enrique Jaramillo Levi. Así supo que era el ganador de la octava convocatoria del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán”, que auspicia la Universidad Tecnológica de Panamá. La ciudad del deseo es el título de la obra galardonada.

Los concursantes para este premio deben ser escritores nacidos en Centroamérica, o bien, latinoamericanos residentes en algún país del istmo. El género en competencia varía cada año.

Aunque identificado públicamente con el trabajo periodístico-cultural, Ávalos ha cultivado paralelamente la creación literaria en todos los géneros. Esta es la primera vez que somete su trabajo al escrutinio de los jueces de un concurso.

“Lo que me motivó a participar, y aunque esto suene raro, fue que he leído con atención la obra de Rogelio Sinán, un escritor que experimentó mucho con la literatura y que fue muy importante para mí. Puedo decir que yo sí he sido influido por la obra de Sinán; fue por identificación que me motivé a concursar”, explica el escritor.

La ciudad del deseo

La obra ganadora es una especie de “antología personal”. La componen 32 cuentos, que abarcan un período de 17 años de creación (de 1986 a 2003), y que fueron extraídos de cuatro libros inéditos.

Ávalos nos comenta la naturaleza de este libro: “Este es un premio con exigencias muy extremas, por muchos detalles que piden las bases, y por la extensión del trabajo que solicitan. Mis libros de cuentos son breves y para ajustarme al formato, reuní cuentos de los cuatro libros”.

Sin embargo, el escritor no enfrentó problemas de escasez.

“Fui un escritor bastante precoz”, comenta. “Empecé a escribir muy joven. En 1981 ya tenía mis primeros cuentos”.

Desde entonces cuatro libros encontraron contenido: La herencia (1992), Oficio de tinieblas y El coleccionista de almas, ambos cerrados en 1996, y el que da título a la antología, La ciudad del deseo (2003).

Caminos del arte

Entre 1981 y 2001 Ávalos vivió en San Francisco y Nueva York, donde estudió y se dio a conocer como artista visual.

Ahí obtuvo varios reconocimientos, entre los que destaca la Beca de Video de la Fundación para las Artes de Nueva York, en 1991, y, como ensayista, el premio de Estudios Culturales del Fideicomiso Nacional para las Humanidades, que por primera vez se entregó a un salvadoreño. En 2001 volvió al país y empezó a ejercer como periodista cultural.

Ávalos cuenta también con obra poética, la cual reúne en Tierra incógnita. Hasta ahora su obra ha sido publicada en revistas y antologías. El premio en cuestión incluye la publicación de mil ejemplares de la obra, aparte de un premio en metálico.

Menjívar, Elmer. “Jorge Ávalos gana premio centroamericano de cuento”, La Prensa Gráfica, miércoles 21 de abril de 2004.

Entrevista a Jorge Ávalos

2009-11-21T14:40:00.000-08:00

“Escribir ficciones requiere de una relación de amor con el mundo”

Jorge Ávalos, el narrador salvadoreño ganador del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán” 2004, habla sobre la identidad de sus cuentos y sobre las condiciones actuales en la región para el escritor creativo.

Enrique Jaramillo Levi

No puedo empezar una entrevista como esta sin hacerte la pregunta de cajón: ¿Qué significa para ti el haberte ganado el Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán” 2003-2004 con tu primer libro de cuentos?

Yo pertenezco a una generación de escritores que se formó durante la guerra de El Salvador, en medio de un gran vacío de oportunidades para publicar y difundir nuestra obra. Como mis colegas, me acostumbré a escribir desde el exilio para un público muy reducido de amigos. Y como ellos, he acumulado mucho trabajo sin publicar. Hace dos años comprendí que esto tenía que cambiar, así que en agosto del 2001 le informé a mi familia y a mis amigos de que regresaba a El Salvador para preparar la edición de mi obra inédita. Mi objetivo era de que en el año 2004 lanzaría mi primer libro; de hecho, pensaba hacerlo en España o en México, porque quería que mi trabajo literario tuviera la oportunidad de confrontar una fuerte opinión crítica, algo que en El Salvador no tenemos. Una publicación entregada al silencio de la crítica corre el peligro de convertirse en un libro sin eco, sin consecuencias históricas. El haber ganado el Premio Centroamericano de Literatura «Rogelio Sinán» significa que, en efecto, mi primer libro saldrá a luz en el 2004, pero validado de antemano por el exigente juicio crítico de Julio Escoto, Beatriz Valdez y Juan Antonio Gómez, los tres miembros del jurado. Es un gran privilegio.

Una de las primeras personas en felicitarme fue Alfonso Kijadurías, a quien yo considero un maestro, y quien me dijo: “Tu silenciosa entrega se ve así premiada”. El premio es un dulce recordatorio de que vale la pena seguir adelante con la labor solitaria y silenciosa de la escritura.

El jurado calificador parece estar muy impresionado con La ciudad del deseo, la obra premiada. Me gustaría que nos adelantaras una semblanza de sus contenidos temáticos y visión de mundo, una suerte de ficha de identidad hecha por su propio autor.

La ciudad del deseo es un libro de cuentos de amor. Consta de 32 cuentos muy variados en estilo, situaciones y temas, pero unidos por la fuerza del deseo de amor que impulsa a sus personajes. El deseo romántico y el deseo erótico se mezclan y confunden a veces. Uno de los cuentos, “La cifra desconocida” contiene una clave al libro: dos personajes tienen un encuentro erótico pero ambos viven y sienten el momento de maneras muy diferentes, casi opuestas. Esa es la naturaleza de los deseos encontrados: dos personajes hacen una sola relación, pero viven dos historias de amor completamente distintas. Ese tipo de paradoja marca la mayoría de los cuentos, que tratan sobre la guerra, el sexo, el amor y la muerte, aunque estos temas emergen de la realidad cotidiana de los personajes.

Creo que me oriento más por la caracterización de los personajes que por la fábula; y me preocupo más por retratar la vida interior de mis personajes que en dar evidencia de la realidad que los rodea. Sin embargo, el libro permite la coexistencia de dos polos estéticos opuestos: el realismo y lo fantástico. El cuento que le da título al libro es quizás el que mejor combina ambos mundos y el que mejor representa las ambiciones estéticas del libro. Juan Antonio Gómez observó que en ese cuento los aspectos fantásticos no son tratados de forma surrealista sino, al contrario, con un estilo que recurre a una forma de hiperrealismo. Y tiene razón, mi esfuerzo estilístico se encamina en esa dirección, pero creo que la mayor fascinación que ejerce este cuento radica en los personajes y las poderosas relaciones que se crean entre ellos. El cuento funciona porque el personaje de Lulú realmente sedujo mi imaginación. Amo a mis personajes; creo en ellos.

¿Dónde entra a escena el crítico de teatro y danza?

Irrumpí en la crítica porque era una manera de dar a los lectores un lenguaje claro y efectivo para discutir las propuestas de nuestros artistas escénicos. Por un lado, mi formación como antropólogo cultural me mueve naturalmente hacia la representación escénica. Es una práctica social que integra el juego, el rito, la magia y la investigación social. Por otro lado, la crítica es una actividad que te permite afinar tus poderes de observación. Antes de arribar al análisis de la obra un crítico debe aprehender la mecánica y la esencia de un acto, de la realidad de una representación que se sitúa, en ocasiones, más allá de la palabra. La crítica se convierte entonces en un desafío: ¿Cómo dar testimonio de lo que hemos visto y sentido ante una representación de danza, por ejemplo? ¿Sobre qué debe fundamentarse esa crítica, sobre los aspectos técnicos que hacen posible su representación o sobre los aspectos más subjetivos de tu recepción como parte del público? Esa tensión da cómo resultado una propuesta crítica que, al asumirla con disciplina y ética, confronta, valida, extiende y sustenta el impacto real de las artes escénicas.

Viviste muchos años en Nueva York. Cuéntanos algo de esa experiencia, así como de tu reinserción en la sociedad salvadoreña.

La brutalidad de la guerra en El Salvador me obligó a partir hacia los Estados Unidos a los 16 años de edad en 1981. Como un grano de arena en el mar, fui parte del éxodo más grande de refugiados en la historia de Centroamérica. Más de un millón de salvadoreños viven ahora en los Estados Unidos. Así que residí por siete años en San Francisco, donde viví en las calles y donde me formé como escritor y periodista colaborando con varios periódicos locales. Allí trabajé con reconocidos teatros itinerantes y de vodevil, aprendí casi todo lo que sé sobre las artes escénicas y conocí a grandes escritores. Durante esos años fui el ser humano más feliz de la tierra. En 1987 me mudé a Nueva York y me enamoré de la ciudad. La intensidad de la vida allí es increíble. Pero también fue un error, pues en esa gran ciudad me movía en círculos que no hablaban español y no tenía, por lo tanto, un público lector. Como escritor me aislé. Escribo en inglés muy bien pero no me nace escribir poesía o cuento, no sé por qué. Como artista visual gané grandes premios pero me agoté. En el año 2001 me ocurrió algo terrible. No entraré en detalles pero no exagero si digo que crucé “el valle de la muerte”. Eso fue lo que viví emocional y espiritualmente. Me rescaté a mí mismo escribiendo un largo poema: El espejo hechizado. Dejé de trabajar por varios meses, aprendí a vivir la vida nuevamente, me reuní por breves semanas con la mujer que más he amado en mi vida, una novelista a quien no había visto por diez años, y después empaqué mis maletas y regresé a El Salvador.

¿Cuál es tu concepción del cuento, no como definición, lo cual sería absurdo, sino como comprensión y proyección estéticas?

Alguien me preguntó, durante la mesa redonda en la Librería Exedra, si mis cuentos son autobiográficos. Y mi respuesta, muy sincera, es que sólo lo son en un sentido profundo. Hay personajes en mis cuentos que yo sólo conozco en el mundo de mi ficción y hay hechos que sólo les han ocurrido a ellos, no a mí. Pero toda ficción es autobiográfica porque nuestra percepción del mundo y la materia de nuestra memoria entran en juego a la hora de escribir. Los escritores de ficciones entregamos incontables horas de nuestra vida a nuestros mundos imaginarios, los cuales creamos a partir de nuestras sensibilidades y conocimientos. Estamos allí de forma virtual, reconfigurados con las obras de la palabra. Pero esas ficciones sólo son verosímiles en la medida en que el lector reconoce las texturas de la realidad o el ruido del tiempo que le ha tocado vivir. Escribir ficciones, entonces, requiere de una relación de amor con el mundo, de un conocimiento profundo de sus seres y sus entornos. Finalmente, un cuento es una forma breve que hace un uso estratégico y controlado de la síntesis y de la elipsis —la supresión de información. La experiencia estética del cuento requiere de la participación incondicional del lector como coautor de la ficción, pues es su imaginación la que llena los vacíos del cuento, la que resuelve los enigmas de su fábula. Por esto el escritor debe saber crear esos vacíos con tanta destreza como se crea la narración. El cuento es el arte de los equilibristas de la imaginación.

¿Cuál es la situación actual de la literatura salvadoreña, a tu juicio?

Nuestra mayor fuerza está en la narrativa. Las novelas “Euquenor” de Rolando Costa, “Tierra” de Ricardo Lindo, “La diabla en el espejo” de Horacio Castellanos Moya y “A-B-Sudario” de Jacinta Escudos son ejemplos muy sólidos de la diversidad y riqueza de nuestra literatura. No estamos a la misma altura en otros géneros. Hay mucha farándula alrededor de la poesía: festivales, encuentros, espacios semanales de lectura. Se trata de un activismo increíble, positivo en muchos sentidos, pero que da la falsa impresión de que estamos haciendo algo muy importante con la poesía. Pero la verdad es que nuestra poesía actual está estancada. La apariencia de salud literaria no compensa las grandes carencias: la falta de disciplina en el manejo del talento, la falta de formación técnica y, sobre todo, la falta de hambre por poseer la vida por medio de la palabra.

¿Y cómo anda en tu país el ambiente propiamente editorial?

En apariencia estamos muy bien. Tenemos una editorial estatal que publica alrededor de 40 títulos anuales, y varias editoriales independientes compitiendo por la atención de un sector principalmente estudiantil. Además, los medios de prensa son muy receptivos a la actividad literaria. En ese sentido estamos mucho mejor que otros países centroamericanos. Pero yo creo que no podemos ver la dinámica editorial exclusivamente en términos de producción impresa. En El Salvador tenemos mucha oferta creativa enfrentada a una insuficiente demanda editorial, y esto está complicado por una alta oferta de publicaciones enfrentada a una mínima demanda de lectores. Es un problema casi insuperable, y es evidente de que no se trata sólo de un problema de escasos recursos editoriales. Más bien, tenemos un serio problema social: un sector literario desesperado por expresarse y publicar ante un pueblo que no lee o lee muy poco. También existe el problema adicional de un público que, con muy pocas excepciones, no se siente identificado por la literatura que se escribe actualmente. Algunos cambios son urgentes: el Ministerio de Educación necesita promover la lectura de nuestros escritores en las escuelas, las editoriales necesitan ubicarse mejor en el mercado y los escritores necesitan profesionalizarse. Nada de esto tiene que ver con el arte de escribir pero sin estas cosas la literatura no tiene futuro.

¿Qué sugerencias podrías hacernos para mejorar la calidad del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán”?

El premio ha alcanzado un gran prestigio regional. Ahora que se aproximan a la décima edición tienen que convertirlo en una ocasión especial, evaluar sus logros y valorar críticamente a los autores premiados. Creo que el mayor reto para el futuro está en conseguir una mayor circulación de las obras ganadoras. Los acuerdos comerciales entre los países de la región centroamericana deberían facilitar la distribución y comercialización de los libros como parte de una política de integración cultural. Irónicamente, nuestros pueblos fueron divididos por una historia común, pero el Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán”, que celebra nuestra diversidad creativa, nos prueba que un mayor acercamiento cultural entre los centroamericanos no es una utopía.

Jaramillo Levi, Enrique. “Entrevista a Jorge Ávalos: Escribir ficciones requiere de una relación de amor con el mundo”, El Faro, 18 de octubre de 2004. Republicada en la revista panameña de cultura Maga, # 54-55, mayo-diciembre de 2004, Panamá.

Coordinador del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán”, Enrique Jaramillo Levi (1944) es un importante y prolífico cuentista, ensayista y promotor cultural panameño. Entre sus publicaciones más recientes destacan: Caracol y otros cuentos (Alfaguara, México, 1998); Duplicaciones (Casiopea, Barcelona, 2001); El vendedor de libros (Dirección de Publicaciones e Impresos, San Salvador, 2001); Pequeñas resistencias: Antología del cuento centroamericano contemporáneo (Páginas de Espuma, Madrid, 2001).

La poesía es la sed de mis ojos

2009-11-20T22:03:00.000-08:00

II Festival Internacional de Poesía: Entrevista a Jorge Ávalos

Geovanny Ábrego

¿Qué te parece que se realice por segunda ocasión el Festival Internacional de Poesía en un país como El Salvador, donde no existe, lastimosamente, una gran cultura de la lectura?

El Salvador es el país ideal para un festival internacional de poesía precisamente porque no tenemos una gran cultura de la lectura. Politizados en extremo, todos tenemos una opinión, una causa, una verdad o un reclamo que expresar. El festival es nuestra oportunidad para cerrar la boca y aprender a escuchar.

¿Para qué sirve la poesía?

No puedo hablar por otros, pero para mí la poesía es la sed de mis ojos, el hambre de mis oídos, la voz de mi tacto, lo que me confunde y me recuerda que no todo tiene una explicación o una lógica. Yo escribo poesía no para decir algo sino para escuchar lo que me dice el mundo.

¿En qué puede aportar un festival de poesía, ya sea social o individualmente?

Que diga el presidente Francisco Flores lo que quiera, la verdad es que El Salvador es una tribu perdida en la selva global. Y la violencia social, la migración y la destrucción ecológica provocada por un crecimiento urbano sin control nos está llevando a la extinción. Pero cuando escucho un poema de Ricardo Lindo, cuando veo una pintura de Benjamín Cañas, cuando toco, furtivamente, una escultura de Verónica Vides, o cuando lucho para describir una coreografía de Eunice Payés, algo dentro de mí se estremece y me recuerda por qué estoy de regreso en este país que me ha quitado todo y me ha dado todo, porque no tengo nada de valor sino mi nombre y mis palabras.

¿Cuál es la función del poeta?

La figura opuesta a la de un poeta es la del político salvadoreño, que hace con la palabra lo que tantos otros hicieron con el colón, nuestra moneda nacional, por cien años: devaluarla. Para un político la palabra es un recurso para encubrir la verdad, para un poeta la palabra es luz: ilumina la realidad con la palabra utilizada en su forma más bella y más terrible. “Lo bello es apenas el comienzo de lo terrible”, escribió Rilke. En El Salvador estamos acostumbrados a lo terrible, pero muy pocos saben que lo terrible es también un camino hacia la belleza si la poesía es la lámpara que ilumina ese camino.

Ábrego, Geovanny. “La poesía es la sed de mis ojos” (II Festival Internacional de Poesía: Entrevista a Jorge Ávalos), La Prensa Gráfica, jueves 19 de junio de 2003.

Una mezcla perfecta de realidad y fantasía

2009-11-20T19:17:00.000-08:00

Sobre La ciudad del deseo de Jorge Ávalos

Juan Antonio Gómez

Abres un libro y sabes que no es un libro lo que abres. Te abres a ti mismo. Te abres en ti para leerte, para buscar los signos que te lleven de regreso al hogar de tu más auténtica vida, a la verdad de tu ser.

Jorge Ávalos, «Un libro abierto», en La ciudad del deseo, Pág. 9.

Las primeras palabras de un libro son cruciales para que decidamos mantenerlo abierto, no cerrarlo y mandarlo de vuelta al anaquel o a la mesa de la espera infinita. Con un inicio como el que acabo de leerles, con un texto como el titulado «Un libro abierto», Jorge Ávalos vence el primer obstáculo que debe sortear todo escritor: ganarse el interés y la confianza del lector. Interés para que siga leyendo, y confianza en que es un buen libro el que tiene entre las manos.

Y eso fue lo que sentimos Julio Escoto, Beatriz Valdés, y quien les habla y por eso acordamos darle por unanimidad el Primer Premio del Concurso Rogelio Sinán y sustentamos nuestro fallo afirmando que «en todos los cuentos que integran este libro se observa una cimentada cultura, dominio del género y oficio de escritor». Como decir, casi nada, para un autor de 40 años que se lanza al ruedo de los concursos y obtiene un premio a nivel centroamericano, compitiendo con otros autores.

Y es que no se trata, de ninguna manera, de simples escarceos, o de búsquedas sin hallazgos. Se trata de un escritor ya formado, y que ha sabido irse preparando a lo largo de los años, para darse a conocer con un libro definitivo, que va a suscitar muchos comentarios y reseñas favorables, y que merece quedar inscrito en la historia literaria, no sólo de El Salvador y Panamá, sino también de Centroamérica y Latinoamérica.

Espero no defraudarlos y por ello me adelanto y les pido que no esperen una relación o una revelación de la temática, o peor aún, de las anécdotas, que casi no las hay, de todos o algunos de los cuentos de Jorge Ávalos. Labor por demás inútil, porque a cada lector le toca hacer su propia lectura, sino también injusta y desacertada, ya que sería como si me propusiera explicarles los sonidos de la noche o del silencio, el poder de los abrazos o la magia de los magos. Y Jorge Ávalos es un mago, un prestidigitador del lenguaje, quien logra, sin mayor esfuerzo, ese hechizo que todos los grandes poetas, desde Homero hacia acá, han sabido provocar: mantener en vilo la atención de los oyentes o lectores.

La obra que esta noche tenemos el honor de presentar, gracias al encomiable esfuerzo de la Coordinación de Difusión Cultural de la Universidad Tecnológica de Panamá, está dividida en tres partes y cada una contiene diez textos. Treinta cuentos en total de variada temática, extensión y factura. Además hay dos textos: el de apertura y el de cierre: «Un libro abierto», y «Agorafobia». Textos que se muerden la cola y que le dan a la obra una perfecta unidad de estilo. Los cuentos están escritos de manera impecable, y con total dominio de las técnicas modernas de la narración: narradores alternados, narración desde variados puntos de vista, uso de diferentes tiempos narrativos, etc.

En cuanto a las historias contadas, puedo decir que los cuentos de Jorge Ávalos son inquietantes. Pareciera como si el autor siguiera muy de cerca aquella sentencia de Octavio Paz, que si mal no recuerdo (cito de memoria, y mi memoria no me es fiel) en la cual afirma que «el realismo es la escuela literaria más pobre». En sus textos (en los de Jorge), como en las narraciones de Kafka o de Reinaldo Arenas, sentimos ese cruce constante entre lo real y lo fantástico, entre lo vivido y lo soñado, entre la realidad y el deseo. No es casual entonces que uno de los cuentos más completos y elaborados, el que le da nombre al libro, se llame, precisamente, «La ciudad del deseo», como una metáfora de ese contraste entre lo real y lo posible, entre la realidad y el deseo, según aquella célebre antítesis cernudiana (de Luis Cernuda).

En sus cuentos Jorge Ávalos se ubica del lado de aquellos escritores (Borges, Cortazar, García Márquez) que consideran que la literatura no es un reflejo o imitación «más o menos fiel» de la realidad que vivimos y conocemos como tal los seres humanos, sino que, por el contrario, la buena literatura (el buen escritor) crea con el lenguaje (las palabras) una propia realidad, en este caso una realidad literaria, en la cual todo es posible. Y es por ello que en los cuentos de Jorge Ávalos nos encontramos con:

Libros que muerden y escritores (Monterroso, Cardoza y Aragón) «que ensayan su nueva profesión de fantasmas» («Los clásicos»).
Una «Venus del espejo», de Velásquez, que sale del cuadro y va al encuentro de un hombre agobiado por una reciente separación («Una mujer desnuda»).
Que encontremos a unos personajes suspendidos en el tiempo, veinte años atrás, dentro de un espejo («La ciudad del deseo»).
Que simplemente se nos diga, en un alarde de concisión que nos recuerda al admirado Monterroso, que «en el séptimo día, Dios murió» («Apocalipsis»).

Debes partir. Muerta la escritura, debes partir. Con un cuchillo hiciste pedazos los cuadernos salvajes de tu historia. No hay nada más que contar.

Jorge Ávalos, «Agorafobia», en La ciudad del deseo, Pág. 141.

Las palabras finales de un libro deben ser como una puerta trasera que cierre herméticamente la casa de nuestros sueños, y nos permita abrir otra puerta hacia nosotros mismos. Jorge Ávalos lo sabe, y por eso en las dos últimas líneas de su obra nos dice: «Abre, entonces, la quimérica puerta, la puerta que se abre en ti, hacia ti, y comienza a andar».

Este texto fue leído el 21 de septiembre pasado durante el acto oficial de la presentación del libro La ciudad del deseo de Jorge Ávalos en la librería Exedra de la ciudad de Panamá. Juan Antonio Gómez (1956), cuentista y dramaturgo panameño. Fue miembro, con Beatriz Valdéz y Julio Escoto, del jurado del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán” que concedió por unanimidad el premio único a Jorge Ávalos en el 2004 por esta colección de cuentos.

César Pineda sobre Lo que no se dice

2009-11-20T15:25:00.001-08:00

César Pineda, el director de Lo que no se dice, habla sobre el origen del montaje teatral de la obra escrita por el dramaturgo salvadoreño Jorge Ávalos. La obra se estrenó el 10 de octubre de 2009 en el auditorio Ignacio Ellacuría de la Universidad Centroamericana de El Salvador (UCA).

Lo que no se dice del abuso infantil

2009-11-20T14:13:00.001-08:00

Carola Cantó

El Diario de Hoy
Jueves, 8 de octubre de 2009

Lo que inició como un ejercicio educativo para la Junta de Vigilancia de la Carrera Docente en El Salvador, se convirtió en una obra para ser montada en gran sala.

Con la puesta en escena Lo que no se dice, escrita por el dramaturgo Jorge Ávalos y dirigida por César Pineda, Escena X Teatro iniciará este sábado 10 de octubre su nueva temporada.

La producción es una iniciativa de CARE El Salvador y está orientada a prevenir y denunciar el abuso infantil dentro de los centros escolares del país.

“La obra enfoca ese grave flagelo de lo que se vive es nuestro sistema educativo y de muchos países de América Latina: el acoso sexual y la violación de estudiantes, que muchas veces viene de parte de los docentes. El montaje es para sensibilizar sobre esta problemática en El Salvador”, explicó el director de la obra, César Pineda.

También indicó que esta puesta en escena forma parte del programa "Edúcame con equidad" del Ministerio de Educación y además cuenta con el apoyo del Instituto de Derechos Humanos de la Universidad Centroamericana “José Simeón Cañas” (IDHUCA).

“La verdad es que pretendemos que los niños, niñas y jóvenes, pero sobre todo maestros y maestras de los centros escolares, estén alertas para denunciar cualquier caso de abuso en los menores”, puntualizó Pineda.

De esta manera Escena X Teatro desea hacer del arte una herramienta comunicacional que transmita mensajes a todos los sectores de la sociedad.

“Muchos de los casos de abuso en las escuelas quedan en la impunidad, es por eso que nuestro grupo de teatro pretende decir ‘lo que no se dice’ en la sociedad”, concluyó el director.

Por su parte, Jorge Ávalos, el autor de la obra señaló que “la pieza teatral es una sátira y crítica bastante feroz de las burocracias en los procesos legales cuando se da este tipo de problemas”.

Asimismo, explicó que es una obra didáctica, autónoma y conmovedora por la estructura no convencional en la que se presenta.

El elenco de Lo que no se dice está compuesto por seis actores y actrices universitarios y la producción dura una hora 15 minutos. Se presentará también en Santa Ana y San Miguel.

Cantó, Carola. El Diario de Hoy, viernes, 9 de octubre de 2009, San Salvador.

Un mal de familia

2009-11-20T13:46:00.002-08:00

Jorge Ávalos

Un nuevo libro de cada uno de los tres poetas presentes esta noche merecería, por sí solo, una ocasión como ésta. Pero una publicación colectiva de los tres exige una atención especial porque Este mal de familia es más que una antología de tres de nuestros mejores poetas. Ante todo, es la constatación de una pasión incurable y la celebración de sus deslumbrantes efectos secundarios.

En 1971, nuestra insigne poeta salvadoreña Claudia Lars, escribió la introducción a uno de los primeros libros de Rafael Mendoza, Testimonio de voces. Y fue ella, antes que nadie, quien notó que este poeta, muy joven entonces, sufría de un mal de familia.

“Sobrino nieto de la notable educadora salvadoreña Antonia Mendoza”, escribió Claudia, “su niñez recibió el beneficio de singulares enseñanzas y desde muy pequeño estuvo rodeado de excelentes libros infantiles. Por el lado de su madre, Teresa Mayora, desciende de uno de los pioneros del cuento en El Salvador: Manuel Mayora Castillo. A los 15 años de edad, Mendoza vivió en casa de la mentora francesa doña Cecilia Chéry, y allí descubrió la riqueza de la literatura universal”.

Esa es nuestra Claudia, hablándonos con un candor y una familiaridad a la que ya no estamos acostumbrados. Pues bien, ese poeta que descubrió en su adolescencia “la riqueza de la literatura universal”, ya pertenece a la riqueza de la literatura salvadoreña. Pero yo creo que hay que corregir un equívoco, un desliz de la crítica literaria que insiste en clasificar a los poetas antes de comprender cómo esos mismos poetas han cambiado las categorías de la historia literaria. Mendoza, llamado “el viejo" para que no se le confunda con un poeta menor también llamado Rafael Mendoza —un poeta menor en edad que él, quiero decir—, es más que un poeta que llega a la cola de la llamada “generación comprometida”. Estoy convencido de esto.

La idea de una “poesía comprometida” en El Salvador, especialmente asociada a la generación inmediatamente anterior a la de Rafael Mendoza, se ha convertido en un tópico en nuestra historia literaria, en un lugar común que, sin embargo, ofrece muy pocas luces como concepto clarificador de la poesía que se escribió entre principios de 1930 y finales de 1970. En esa corriente se incluyen desde poetas fundacionales de nuestra literatura, como Pedro Geoffroy Rivas y Oswaldo Escobar Velado, y se remonta hasta la producción, primero, de Roque Dalton y de los miembros del Círculo Literario Universitario, como José Roberto Cea o Roberto Armijo o, inclusive, Alfonso Quijada Urías, y en la que a veces también se incluyen a las voces de los poetas de “Piedra y Siglo”, el grupo de Mendoza. Pero en ese largo período de tres o cuatro décadas ese concepto tan abarcador se transformó y se degradó. En efecto, pasó de representar una poesía de protesta y de compromiso con la historia a ser la etiqueta fácil de una poesía cuyo mérito ya no radicaba en el poder de la palabra sino en la militancia política del poeta, independientemente de la calidad de la obra.

Me alegra decir que Rafael Mendoza nunca ha comprometido la calidad de su obra porque la suya no es una poesía de protesta ni una poesía subordinada a una praxis política. Muy tempranamente, el crítico Luis Gallegos Valdés remarcó que su poesía era una poesía «de conciencia». Yo diría que es una obra que ejerce una continua y renovable toma de conciencia que se juega entre la tradición y la tensión de la realidad, y entre la memoria y la búsqueda de la verdad. Al leerlo esta última vez recordé los primeros versos de un poema del nicaragüense Carlos Martínez Rivas, “A quienes no perdieron nada porque nunca tuvieron”, y que cito a continuación:

Escribir sobre el Hambre,
no poesía de protesta sino de experiencia,
es difícil si no se pasa hambre.

Por tanto, quiero señalar lo que a mi manera de ver es el mayor valor de estos nuevos poemas de Mendoza, el viejo: la huella de su experiencia signada por un hambre sin compromisos por la vida. Esta es la herencia que se manifiesta, incólume, diáfana, en la poesía de sus dos hijos, también poetas. Es posible que Rafael, el joven, conserve además su respeto por la tradición y la pulcritud verbal, y que Mezti, la bella, se incline por una expresión más desnuda. En ambos casos el nítido registro de sus estremecimientos emocionales, y el de sus sobresaltos vitales y de sus angustias y alegrías cotidianas se cristalizan sin protesta, aunque con la plenitud de la experiencia.

No me corresponde a mí, en este momento, dar un diagnóstico del mal que aqueja a cada uno de estos poetas. Como lectores profesionales de la poesía y de la vida, ya podrán ustedes llegar a una conclusión propia a partir de los “cuadros clínicos” que se incluyen en el libro pero, sobre todo, a partir de las amplias muestras de poesía de cada uno, las cuales evidencian la gravedad del mal. Los síntomas varían, pero una febril honestidad es común a los tres. Un poema de Mezti basta para demostrarlo:

Estoy cavando porque hay
un fondo bajo la tierra.

Un fondo lleno de eso que me llena,
de eso que me toca y no puedo ver
con mis ojos humanos,
de eso que presiento tras los colores del cielo
a lo largo del día.

No puedo explicar porqué, pero estos versos me sorprendieron y me ubicaron en una emoción que no había reconocido antes en mí. Y así, cuando Mezti dice:

Cavo también con la boca,
cavo con el rostro
cavo con el cuerpo…

No sé cómo pero me lleva allí, a ese camino donde buscamos nuestro lugar sobre la tierra y, en cambio, encontramos nuestro vacío. Yo agradezco esa honestidad profunda, que descubro también en la poesía de Rafael, el joven:

Fugaz, lejana, casi en mi paciencia,
duelo a deshora, tu eco me reclama,
buscándome quien sabe en qué inocencia,

en qué paloma triste y en qué rama.
Estoy desnudo, grávido en mi esencia,
y tu cuerpo es el centro de la llama.

Y con estos versos, que nos recuerdan que escribir o leer o escuchar poesía es situarse en el otro, ver el mundo con los ojos de otro, sentir los sabores y oír la música que otro descubre en el mundo, me aparto y los dejo, contagiados de pasión y de bondad, de verdad y de emoción, con una familia unida por la poesía —una palabra que significa, se los aseguro, mucho más que amor.

Muchas gracias.

Este texto fue leído en la Sala Nacional de Exposiciones “Salarrué” para la presentación del libro Este mal de familia, de Rafael Mendoza, Mezti Súchit Mendoza y Rafael Mendoza López, el sábado 15 de noviembre de 2008.

Homenaje al escritor Enrique Jaramillo Levi

2009-11-20T13:25:00.000-08:00

En ocasión del Homenaje al escritor Enrique Jaramillo Levi

Jorge Ávalos

Colegas:

Mi primer encuentro personal con Enrique Jaramillo Levi estuvo signado por una curiosa nota de ironía. No guardo ninguna duda al afirmar que este escritor panameño, nacido en Colón en 1944, es uno de los más notables cuentistas latinoamericanos. Pero hasta hace dos años yo no lo sabía.

Todos los escritores de la región conocemos esta amarga realidad: es muy difícil, desde un determinado país centroamericano, tener acceso a las obras que se publican en un país vecino. Vivimos en una región minúscula: 523 mil kilómetros cuadrados de extensión en un área de estrecha y sinuosa geografía. Y a pesar de que compartimos una tierra y una historia común, nuestras libertades de expresión y de pensamiento enfrentan fronteras internas casi infranqueables. No tiene porqué ser así: nada detiene la distribución de la literatura europea y norteamericana. Tal parece que el empuje del mercado editorial internacional es más fuerte que las demandas colectivas de nuestras identidades.

Por eso no es extraño que Enrique, fuera de Panamá, sea mejor conocido y reconocido más allá de las fronteras de América Central. No intento con esto excusar mi ignorancia porque, después de todo, hasta hace dos años, yo sí conocía parte de la obra de Enrique. En ese detalle radica la ironía. Pero antes de entrar en pormenores, necesito contar cómo lo conocí.

En el 2004 gané el Premio Centroamericano de Literatura «Rogelio Sinán», uno de los contados esfuerzos actuales por hermanar la creación literaria de la región. Es así como entré en contacto directo con el coordinador de premio, el promotor cultural más infatigable que yo he conocido. Sólo pensar en lo que Enrique hace y logra cada año en Panamá y en el resto de la región me deja sin aliento. Su labor como escritor es envidiable por ser tan prolífica, su papel como editor es indispensable por ser tan necesario y su función como gestor cultural se ha hecho esencial por ser tan enriquecedora; y todas estas actividades se distinguen por la indudable calidad de ejecución que nos hemos acostumbrado a esperar de él.

Pero esto también me lleva a considerar al ser humano, al carácter detrás de los logros. Si estuviese escribiendo una crítica literaria tendría que obviar los aspectos más subjetivos, pero estoy escribiendo una pieza para un homenaje, y un homenaje es una venganza al revés: es rendir cuentas con una persona que se ha hecho imprescindible, y por esa razón no puedo evitar la tentación de confirmar que Enrique es la persona más insufriblemente tenaz que yo he conocido en mi vida. En dos ocasiones, gracias a él, he visitado Panamá sin tener un solo centavo en el bolsillo. De la última vez puedo asegurar que durante un período de dos meses me envió más de un centenar de correos electrónicos en los que trató de convencerme para que asistiera al Primer Congreso Centroamericano de Escritores. Por razones personales tuve que negarme. Y entonces Enrique apeló a mi sentido de responsabilidad. Si esos argumentos hubiesen venido de cualquier otra persona, los habría considerado un chantaje moral, pero al escucharlos de Enrique era imposible dudar de su sinceridad. ¿Por qué? Porque tarde o temprano uno llega a comprender que para él la literatura es más que una vocación, es una misión. Agobiado y avergonzado, sin ninguna otra excusa a mi alcance, finalmente le escribí para decirle que me era imposible asistir por razones económicas. Un día después recibí la llamada del rector de una importante universidad privada en El Salvador. «Hablé con Jaramillo Levi y creo que es necesario que vayas a ese congreso», me dijo. «La universidad pagará tus gastos de viaje».

Supongo que la sinceridad sin tapujos de Enrique es ya notoria. Pero cuando se mezcla con la vanidad literaria que poseemos todos los escritores emerge con un candor casi infantil. Mi primer encuentro con él ocurrió en abril de 2004, cuando vine a la ceremonia del premio Sinán, y el primer tema de nuestra conversación fue su claustrofobia; no recuerdo por qué pero eso nos llevó a sus afecciones visuales; la lista no terminó allí. Creí que estaba ante el mayor hipocondríaco que había conocido cuando caí en la cuenta de que todas las dolencias que estaba enumerando eran reales. Esto significaba que yo estaba siendo tratado con una dosis de honestidad personal tan alta que reconocerlo me dejó completamente desarmado, porque, sin lugar a dudas, él esperaba lo mismo de mí. Fue en ese momento cuando Enrique remató su neurasténico perfil personal con una pregunta que exigía una respuesta igualmente honesta: «¿Has leído mis libros?». Y esto estableció la pauta para esa nota de ironía a la que aludí al principio. «Sí, contesté. He leído tu poesía». Y entonces abrió la boca, meneó la cabeza para sacudirse el asombro y dijo: «Nadie me conoce por mi poesía». Gracias a esa respuesta inesperada me salvé de ser confrontado con la siguiente pregunta lógica: qué pensaba de su obra.

Pero yo también había sido honesto. Yo no conocía sus cuentos, pero sí conocía su poesía. Sus libros habían sido reseñados con regularidad en la revista Ars de El Salvador y en una ocasión apareció una nota crítica sobre una colección de poemas. Esto me llevó a buscar su obra poética y fue así como lo leí. El autor de Cuerpos mirándose en el espejo (1982), Fugas y engranajes (1982) y Extravíos (1989), despliega en su poesía un matiz estilístico particular, un aspecto que sus críticos reconocen en su obra narrativa y lo señalan como un ejemplo de metalenguaje. Sucede que mucha de la poesía de Enrique, aun cuando surge de experiencias emocionales, está filtrada por una conciencia que admite su condición literaria: presentimos en muchos de sus versos al autor consciente de que está escribiendo un poema.

Estoy convencido de que esa vocación por la poesía, con esa variante metaliteraria, es fundamental a la obra narrativa de Enrique. Esto explica la tensión poética que alcanzan muchos de sus cuentos, sobre todo a partir de su libro más conocido, Duplicaciones (1973). Enrique no explora el cuento breve en los mismos términos en que lo hicieron los escritores de la generación anterior: no hay nunca una intención paródica ni produce la sensación de que se trata de un pastiche. Ciertas aplicaciones usuales en los cuentistas, el uso de la síntesis, por ejemplo, adquieren en los cuentos de Enrique un valor particular. La función de la síntesis en sus cuentos no es estructural, no implica necesariamente una abreviación de sucesos; de hecho, en muchas ocasiones ocurre lo contrario: la lectura se hace más densa. El uso de la síntesis en su obra cumple una función poética y se distingue porque la prosa se intensifica: las emociones se suman, los miedos se acumulan, las ansiedades se concentran. Desde la publicación de ese libro clave para la literatura de América Central, los cuentos más breves de Enrique alcanzan la condición de poesía en prosa sin contradecir los preceptos de la ficción. Esto es un triunfo muy personal del autor porque indica que su vocación central, esa que proclama su amor por las palabras, ya no necesita ser marginada y se ubica indiscutible al centro de su oficio como narrador.

Él mismo lo confiesa en “Escritura automática”, el proemio de su libro Luminoso tiempo gris (2002):

Simplemente escribo sobre el arte de escribir de una cierta manera. Ésta. Y reflexiono mientras brotan las palabras que meditan, a su vez, sobre su propia secuencia proteica en el papel. Escribo lo que escribo porque escribo. Lo hago y me deleito en ello como quien fluye con la corriente. Sin personajes, sin escenas, sin argumento incluso, y probablemente con una vaga estructura implícita que no es más que la propia forma de su contenido. Un contenido que ni yo conozco, que no he buscado, pero que aquí se manifiesta para quien pueda penetrarlo.

Soy la escritura que se mira deletrear el infinito desde su precario inicio hasta el final que no termina.

Más allá de definirse como la escritura que se ve a sí misma, Enrique afirma ser la palabra en si, su palabra, que se multiplica «hasta ser todo y nada». No todo o nada, necesito señalar, sino «todo y nada»; es decir, su obra confirma una vocación de entrega absoluta a los misterios de la escritura: es la historia de la vida de un autor que lleva su vocación hasta sus últimas consecuencias, un cuento que a su vez configura una imagen poética. Por lo tanto, la ironía de mi primer encuentro con Enrique es también la ironía de un homenaje que pretende celebrar al cuentista panameño de mayor proyección internacional. Amigos, se equivocan, porque este homenaje merece una mejor definición: necesitamos reconocer que celebramos la vida y la obra de un poeta.

Muchas gracias.

San Salvador, octubre 30, 2006

Leído públicamente en el “Homenaje al escritor nacional Enrique Jaramillo Levi” por la escritora Lupita Quiróz (yo no pude asistir). Este evento se llevó a cabo en la ciudad de Panamá el lunes 30 de octubre de 2006, a las 7:00 p.m., en la librería Exedra Books. El artículo se publicó por primera vez en la revista Maga, Número 60-61, Julio 2006 - Julio 2007, pp. 87-89, Panamá (el último número de la revista, editada por Enrique Jaramillo Levi, Universidad Tecnológica de Panamá).

Lo que no se dice

2009-11-20T08:46:00.001-08:00

LO QUE NO SE DICE

Una obra que denuncia el abuso sexual en los centros escolares.

Una sátira feroz de las burocracias y de la corrupción.

Un llamado a la conciencia.

Escrita por Jorge Ávalos

Dirigida por César Pineda

El estreno mundial de Lo que no se dice
fue el sábado 10 de octubre de 2009
en el Auditorio Ignacio Ellacuria
de la Universidad Centroamericana de El Salvador,
en San Salvador, y contó con la participación

del siguiente elenco de Escena X Teatro:

Merly Rivera - La madre

María Ángel Velis - La abogada

Ronald Maravilla - La directora

Mauricio González - El docente

Marvin Pleitez - El periodista

Asistencia técnica: Bladimir Nolasco

Producción ejecutiva: Alexander Córdova

Una producción de CARE El Salvador enfocada a prevenir y
denunciar el acoso y el abuso sexual en los centros escolares.

La temporada tuvo su estreno mundial el sábado 10 de octubre de 2009 en el Auditorio Ignacio Ellacuria, UCA, San Salvador, a las 11:00 a.m. ante un público de más de 600 personas. Dos presentaciones más se realizaron el jueves 15 de octubre de 2009 en el Teatro Nacional de San Miguel, a las 10:00 a.m.; y el viernes 23 de octubre de 2009 en el Teatro Nacional de Santa Ana a las 10:00 a.m. La temporada culminó con una presentación en el Teatro Luis Poma, San Salvador, el miércoles 11 de noviembre de 2009 durante la Muestra Nacional de Teatro Independiente de ARTTES (Asociación de Artistas de Teatro de El Salvador).

» Un fragmento de Lo que no se dice

Monólogo de la madre, escena 4, Lo que no se dice, 2009.

» Prensa

Programa de mano de Lo que no se dice.
Lo que no se dice sobre el abuso infantil, Carola Cantó, El Diario de Hoy, viernes 9 de octubre de 2009. Artículo anunciando el estreno de la obra.
Teatro independiente llega en noviembre, Alfredo García, El Diario de Hoy, San Salvador, miércoles 28 de octubre de 2009.
Muestra Independiente de Teatro ARTTES 2009, Agenda Click, 4 de noviembre de 2009.
César Pineda sobre Lo que no se dice, Mauricio González, Xarivari producciones, noviembre de 2009. Entrevista en video con el director de la obra, en la cual se discute el origen del montaje teatral de la obra.

Premiación del certamen de periodismo 2007

2009-11-16T00:41:00.000-08:00

Con una amplia participación de los principales medios del país, fueron entregados los premios a periodistas de prensa, radio y televisión.

De izquierda a derecha: Ana Carolina Paz, Jaime Romero, Roxana Ruiz,
Eva Linares, Jorge Ávalos y Alberto César Morales.

El Centro para la Defensa del Consumidor (CDC) y la Asociación de Periodistas de El Salvador (APES) con el auspicio de Ayuda en Acción y la Agencia Española de Cooperación Internacional (AECI) entregaron este viernes los reconocimientos a las y los periodistas ganadores del certamen "ConSumo Derecho al Agua".

Este evento se enmarca dentro de la celebración del "Día del Periodista" y, de acuerdo a las y los organizadores, el principal objetivo del concurso es promover y estimular el periodismo investigativo en temáticas relacionadas a la problemática que enfrenta el recurso hídrico en El Salvador desde la perspectiva del Derecho Humano al Agua.

Las ramas del periodismo galardonadas abarcaron la prensa escrita, la radio y la televisión, durante más de un mes desde que fue lanzada la convocatoria, periodistas de diferentes medios hicieron llegar sus trabajos a las oficinas del CDC y a la sede de la APES.

Un jurado calificador integrado por profesionales de las comunicaciones y la Presidenta del CDC, Ana Carolina Paz, tuvo la dura tarea de seleccionar de entre el cúmulo de trabajos recibidos aquellos que cumplieran con los requisitos planteados en las bases.

Al final de la premiación, representantes del CDC mostraron su satisfacción por la buena aceptación que el concurso tuvo entre las y los participantes de los diferentes medios de comunicación del país y aprovecharon la oportunidad para invitarles a participar en próximas ediciones, así como a continuar su labor divulgando temas relacionados a la promoción y defensa de los derechos de las personas consumidoras.

A continuación se presenta la lista de periodistas que concursaron y ganaron en cada categoría:

PRENSA ESCRITA

Primer Lugar: Jorge Ávalos, El Diario de Hoy. Trabajo: Comunidades se adelantan a Ley Nacional de Agua.
Segundo Lugar: Lilian Angélica Martínez, El Diario de Hoy. Trabajo: Agua Origina Conflictos.

RADIO

Primer Lugar: Eva Marisol Linares, Radio Milenium. Trabajo: Agua: ¿Oro o Vida?
Segundo Lugar: Jaime Noel Romero, Radio YSUCA. Trabajo: La escacez del agua, un problema de falta de recurso o de mala administración.

TELEVISIÓN

Primer Lugar: Roxana Ruiz, Noticiero Megavisión, Canal 21. Trabajo: La lucha de las comunidades rurales por el acceso al agua.
Segundo Lugar: Alberto César Morales, Audiovisuales, UCA. Trabajo: Suelos cada vez con menos agua.

Centro para la Defensa de los Consumidores. Premiación del Certamen "ConSumo Derecho al Agua", comunicado de prensa, viernes 27 de julio de 2007.

Mención furtiva en una crónica

2009-11-15T23:27:00.000-08:00

En una nota de Nora Méndez sobre Mario Benedetti se cuela mi nombre en el primer párrafo, el cual describe los avatares cotidianos de la autora. Nunca me habría dado cuenta de no ser porque mi buena amiga Elisa me envió el enlace. Extraño pero gracioso. He aquí un fragmento de ese párrafo:

«Este ha sido un buen dia. Meme cocinó, el Oso no me despertó a la misma hora de siempre, el flaco ha hecho todo sin que nadie se lo pida, el gordito corre feliz por los caminos amarillos de la vida... También nos encontramos a Jorge Ávalos en el Supermercado, el cual ya puede contarse como un supermercado de lujo, pues en la misma semana nos encontramos con Leonardo Heredia y Armando Herrera. Ávalos se ve bien, juvenil, sereno, como siempre. Lo felicitamos por su premio en el cual ganó plata para producir una obra de teatro, incluso escogerá a los actores, qué chivo!»

Méndez, Nora. Por Mario Benedetti, Las Puertas, 12 de mayo de 2009.

La poesía estuvo en todas partes

2009-11-15T23:16:00.000-08:00

El día de nuestra poesía, la poesía salvadoreña, vigorosa y robusta, como se ha mantenido y se mantendrá, gracias a la fuerza incansable de los poetas y de la gente que sin serlo, ama la poesía.

Nora Méndez

Jorge, a quien no escuchaba desde hacía unos tres años, hizo una lectura emotiva de sus poemas más emblemáticos.

Cuando llegamos a La Luna, ya se encontraban allí Adriana, su novio, María Cristina Orantes y Aída Párraga. Habían llevado vejigas, listones, gallardetes de cuentas, cascarones y la noche empezaba a lucir prometedora. Luego llegó Sabi Reyes, con su mamá y su novio, toda gente muy hermosa y simpática. Sabi estaba un poco nerviosa, además de apurada porque tenía que regresar hasta su casa en Ilopango. Fueron llegando poco a poco más personas, así que cuando estuvieron alrededor de diez almas convocadas por la poesía dimos inicio a la noche poética.

La primera en leer sus textos fue Sabi Reyes, quien contó que empezó a escribir en la adolescencia y ésta era su primera vez en público y en un lugar tan diferente como La Luna.

Luego llamé a las brujas poderosas de Poesía y Más, que llegaron con un carnaval poético titulado "Detrás de la puerta está oscuro". María Cristina Orantes, Aída Párraga y Maura Echeverría, portaban antifaces y bailaban al ritmo de "la computadora", una famosa cumbia de ritmo vivaz. Así fueron entreteniendo al público, quien gozó con todas sus gracias: las actuaciones de Aída, la lírica de María Cristina y la voz y frases certeras de Maura Echeverría. Maura en especial, tuvo una presencia mágica y su voz retumbaba en aquel sitio.

La gente seguía incorporándose, hasta que fueron alrededor de cincuenta personas que disfrutaron escuchando poesía. Y es que nadie estaba allí para comer o de paso, todo el mundo estuvo atento a la palabras de los poetas, no hubo desperdicio alguno.

Luego llegó el turno de la magia de Tania Molina, que nos habló de la verdadera belleza femenina, no de la estereotipada, sino de la real, que asusta más de lo que se piensa. También nos habló de sus miedos en medio de la calle. Esa sensación de malestar que hemos empezado a sentir en las calles, donde tememos de tantos peligros, entre ellos de los automóviles si se es peatón y se intenta cruzar la calle.

Luego vino el turno de Xochilt Cabrera y de Nadie, dos jóvenes poetas que con sus versos dieron vida a los rostros de los poetas mayores.

Fue entonces el momento de llamar a los Señores de la Palabra y el Trueno, uno de los grupos literarios con más años de vida en la escena cultural: Piedra y Siglo o como Julio Iraheta Santos, los auto-rebautizó: Crack y Siglo. Estos poetas estremecieron a toda la audiencia, con su palabra desnuda, irreverente y tan poeta. Tres estilos distintos y tres hermanos: Ricardo Castrorrivas habló del amor y del dolor de la gente, Julio Iraheta Santos arremetió contra todas las instituciones posibles y Rafael Mendoza se lució con sus sonetos, que es donde alcanza su mejor voz poética.

Entonces, fue la hora de una chamana mayor, la poeta Silvia Matus, que cautivó a la audiencia con sus reflexiones agudas y su justa protesta. A ella le siguieron René Chacón y Jorge Avalos, que estremecieron a la audiencia con sus poemas. Jorge, a quien no escuchaba desde hacía unos tres años, hizo una lectura emotiva de sus poemas más emblemáticos y René, cautivó al público con sus metáforas sueltas y punzantes.

Los escuchas y los poetas ya no se eran ajenos, la gente estaba revuelta, todos éramos hijos de una noche sincera y plena.

Era hora de variar y apartando vejigas y listones proyectamos los multimedia y un Mario Noel Rodríguez vistiéndose frente a un espejo hizo su aparación, con poemas coloridos y una luz distinta a lo escuchado durante toda la noche. Y la poesía en la música tuvo su momento en el multimedia de Manuel Carcache, con los textos del Cantar de los Cantares.

La gente estuvo atenta y contenta. Todos llevaban su poemario en la mano y pedían más para regalar a amigos, hijos y parientes fuera de las fronteras. El poemario impreso, con amor y detalles, el mismo que ven arriba en sus pantallas, es un esfuerzo de nuestro amor, el de Manuel y el mío (que es un amor real con días alucinantes y otros días de conflictos), ese mismo amor que logró convocar a tanto poeta brillante la noche de ayer y a todos los que fueron convencidos a escucharles. El próximo lunes 26 saldrán 3000 poemarios más a caminar por las calles, buscando a la gente. Y como reza en la portada de éste mismo, termino:

Salvadoreño: éstos son tus poetas. Conócelos, quiérelos, leélos. Toma este poemario y llévalo a tu casa. Allí leelo con tu familia, amigos o vecinos. Hazlo en voz alta, como llamando a la esperanza.

Méndez, Nora. La poesía estuvo en todas partes, Las Puertas, 22 de marzo de 2007.

[Una crónica sobre la lectura de poesía en La Luna, Casa y Arte en el Día Internacional de la Poesía, 21 de marzo de 2007.]

Premio Nacional de Periodismo 2007

2009-11-15T21:40:00.000-08:00

Iván Escobar

Redacción Diario CoLatino

El periodista de El Diario De Hoy, Jorge Ávalos, obtuvo el primer lugar en prensa escrita por su reportaje sobre las respuestas comunitarias autónomas de distribución de agua potable y de manejo de desechos sólidos.

En un acto especial y en el marco del mes del periodista, el Centro para la Defensa del Consumidor (CDC), en coordinación con la Asociación de Periodistas de El Salvador (APES) y con el auspicio de Ayuda en Acción y la Agencia Española de Cooperación Internacional (AECI), fueron galardonados este viernes seis profesionales del periodismo salvadoreño.

El reconocimiento a estos comunicadores fue por sus trabajos periodísticos orientados a promover el derecho al agua a través de los medios de comunicación. “Consumo: derecho al agua”, fue denominado el certamen en el cual fue reconocido el abordaje profesional de la temática del recurso hídrico.

Los trabajos galardonados en esta oportunidad, en la rama de prensa escrita son los reportajes: “Comunidades se adelantan a Ley Nacional del Agua”, elaborado por el periodista Jorge Avalos, que obtuvo el primer lugar; y “Agua origina conflictos”, de la periodista Lilian Angélica Martínez, segundo lugar, ambos de El Diario de Hoy. En la categoría de Radio, los ganadores fueron: “¿Oro o vida?”, de la periodista Eva Marisol Linares, de Radio Milenium, quien obtuvo el primer lugar; y “La escasez del agua; un problema de falta de recursos o de mala administración”, elaborado por el periodista Jaime Romero, de Radio YSUCA.

En la categoría de televisión, el ganador del primer lugar fue la periodista Roxana Ruiz, de Noticiero Megavisión, Canal 21, con el reportaje titulado “La lucha de las comunidades rurales por el acceso al agua”; y el segundo lugar lo ganó Alberto César Morales, Audiovisuales de la UCA, con el reportaje “Suelos cada vez con menos agua”.

Armando Flores, director ejecutivo del CDC, durante la ceremonia de entrega de los galardones destacó los trabajos presentados en este certamen, a la vez que instó a los comunicadores salvadoreños a promover y divulgar temas relacionados a la defensa de los derechos de las personas consumidoras, y a trabajar en la promoción de derechos relacionados con el tema hídrico, el cual afecta a gran parte de la población en El Salvador.

Serafín Valencia, presidente de la APES, dijo que esta es la segunda ocasión que la gremial de periodistas apoya este tipo de proyectos que “son para bien del periodismo salvadoreño, en pro de motivar esa labor tan importante de los comunicadores”.

Escobar, Iván. Reconocimiento a periodistas. Diario CoLatino, sábado 28 de julio de 2007.

Presentación de la revista Maga 60-61

2009-11-15T21:24:00.000-08:00

Este número doble de la revista Maga, la última de la tercera época de esta publicación de literatura panameña, «recoge algunas opiniones fundamentales que se vertieron con motivo de un homenaje in vita que se le rindió al escritor Enrique Jaramillo Levi, donde se destacan mensajes leídos en el evento, de reconocidos escritores tales como Francisco I. Berguido, Jorge Ávalos, Vivian Nathan, Fernando Burgos e Irina de Ardila.»

Villarreal Castillo, Melquíades. Crónica de una resurrección anunciada, presentación del número 60-61 de la revista Maga, el 12 de julio de 2007 en la Universidad Tecnológica de Panamá. Noticias de los escritores de Panamá, 27 de julio de 2007, Panamá.

IV Feria Internacional del Libro de El Salvador

2009-11-15T20:21:00.000-08:00

Jorge Ávalos (izquierda), habla sobre "El periodismo y la literatura"
el 6 de septiembre. A la derecha, el escritor Mario Noel Rodríguez.

«El Foro de Escritores de El Salvador, tuvo presencia en esta IV Feria Internacional del Libro de El Salvador realizada en Metrocentro, 8ª. etapa, del 29 de agosto al 7 de septiembre de 2008, invitados por la Cámara Salvadoreña del Libro, participando con un stand de libros en el cual se vendieron títulos de diversos autores salvadoreños, de la Universidad Pedagógica y, sobre todo, con la presentación de una pequeña publicación de los talleres que se impartieron este año, tanto en narrativa por el escritor Jorge Avalos como en poesía por el poeta Roberto Laínez.»

Presentación de la antología de los talleres de poesía y narrativa.

Rafailán, Oscar. IV Feria Internacional del Libro, Un faro inesperado, San Salvador, 9 de septiembre de 2008.

El camino a La ciudad del deseo

2009-11-15T19:34:00.000-08:00

Luis Alvarenga

Con este volumen de cuentos el poeta salvadoreño Jorge Ávalos (1964) ganó el premio Rogelio Sinán convocado por la Universidad Tecnológica de Panamá el año pasado. Dividido en tres partes, La ciudad del deseo nos traslada a los grandes ámbitos del amor, el sueño y la muerte. Su lenguaje poético es, sin duda, su virtud más obvia.

«Abres un libro y sabes que no es un libro lo que abres. Te abres a ti mismo. Te abres en ti para leerte, para buscar los signos que te lleven de regreso al hogar de tu más auténtica vida, a la verdad de tu ser», escribe Jorge en el pórtico del tomo. Cada relato es un viaje y una introspección.

En casi todos los cuentos los personajes más importantes son femeninos. En ellas —amantes, madres, hermanas— está la cifra de un conocimiento que hará abrirnos los ojos de una manera definitiva. El libro está escrito de una manera hermosamente irrepetible. Este es el final del relato que lleva por título “La selva y el mar”:

Soy tu hijo y tu hermano, tu esposo y tu amante, tu confidente y tu amigo; también soy tu dedicado jardinero y tu ferviente guardabosque. Y tú… tú eres «el objeto más excelso» que Darwin anunció, el «animal mayor» en la pródiga historia de nuestra selección natural. Pero eres también la diosa a la que Lucrecio cantó, la Venus que merece un poema para dar fe de la verdad de las cosas.

Permite, amor, que sea yo tu poeta, el autor de tu historia natural.”

Son estremecedores los cuentos ambientados en la infancia, que podría ser la del autor o, más probablemente, La Infancia, ese paraíso o infierno perdido. Llevando las riendas del lenguaje del sueño hasta hacernos temer una colisión, Jorge Ávalos mantiene, sin embargo, su tono lírico, aun en medio de Escila y Caribdis. Prueba de ello es “El Gran Guiñol”, donde un congreso internacional de payasos es la ocasión para perder el conocimiento.

La ciudad del deseo es una muestra del don poético de este autor, cuyo respeto por la palabra lo lleva a ser sumamente cauteloso con las publicaciones. Esperamos, para nuestro bien, que los poemas de Ávalos se conviertan en nuevos libros a los que acudamos para buscar el camino de regreso «a la auténtica vida».

Alvarenga, Luis. “La ciudad del deseo”, Realidad, No. 103, enero-marzo, 2005, pp. 180-181 [enlace al índice de Realidad 103].

A R T Í S T I C A

2009-11-13T21:03:00.001-08:00

P R O F E S I O N A L

2009-11-13T21:01:00.000-08:00

D I S T I N C I O N E S

2009-11-13T20:58:00.000-08:00

Primer Premio de Teatro “Ovación”, otorgado por la Fundación Poma, San Salvador, 2009, por la dramaturgia y la producción de su obra teatral La balada de Jimmy Rosa.

Premio Internacional de Periodismo de Investigación en un tema de corrupción 2009, tercer lugar, por su investigación “Polémica Record”. Auspiciado por Transparencia Internacional y por el Instituto de Prensa y Sociedad, el premio fue otorgado por un jurado compuesto de periodistas de nivel mundial, procedentes de The New York Times, The Economist, The Miami Herald y de otros medios.

Premio de Periodismo en Derechos Humanos de El Salvador 2008. Reconocimiento Nacional a Jorge Ávalos por su “importante aporte periodístico en la promoción y defensa de los derechos humanos”, otorgado por el Instituto de Derechos Humanos de la Universidad Centroamericana “José Simeón Cañas”.

Premio nacional de periodismo 2008, por su investigación “Comunidades se adelantan a Ley Nacional de Agua”, otorgado por la Asociación Nacional de Periodistas (APES).

Premio Nacional de Medio Ambiente 2007, por su investigación “Áreas Naturales Protegidas: Paraísos Amenazados”, otorgado por un jurado autónomo, coordinado por el Ministerio de Medio Ambiente y auspiciado por Industrias La Constancia.

Premio Centroamericano de Literatura «Rogelio Sinán» 2004, por su libro de cuentos La ciudad del deseo (publicado por Editora Géminis, Panamá, 2004.)

Beca Nuevas Voces 2000 (New Voices Fellowship) de la Fundación Ford, otorgado por el Academy for Educational Development (AED).

Premio 1997 al Mejor Ensayo de Antropología, Long Island University.

Beca de Vídeo 1991 de Fundación para las Artes de Nueva York (NYFA).

Premio en Producción Cinematográfica 1991, Concilio para las Artes de Nueva York (NYSCA).

Beca Jóvenes Eruditos 1989 (Young Scholars), rama de Estudios Culturales, del Fideicomiso Nacional para las Humanidades (NEH), Washington, DC.

B I O G R A F Í A

2009-11-13T20:56:00.001-08:00

Jorge Ávalos, poeta, narrador y dramaturgo salvadoreño. Desde agosto de 2009 se desempeña como investigador, fotógrafo y escritor independiente.

I. Biografía

Jorge Antonio Ávalos nació en El Salvador en 1964.

Obtuvo su Licenciatura en Artes Liberales, con una especialidad en Antropología Cultural y una subespecialidad en Economía, en la Universidad de Long Island en 1997. Cursó estudios para una maestría en desarrollo económico en la Universidad de Southern New Hampshire (1998-2000), donde coordinó el “Scaling-Up Institute” un programa de postgrado para practicantes de desarrollo económico local financiado por la Fundación Rockefeller.

Entre el 2005 y el 2009 se desempeñó como periodista en el área de investigaciones de El Diario de Hoy, por cuyo trabajo mereció dos premios nacionales y un premio internacional. Ha sido columnista y colaborador (periodista y fotógrafo en temas culturales) de La Prensa Gráfica y de El Faro, entre otros medios de comunicación, en los cuales también se destacó por su labor como crítico.

II. Obra literaria

Su obra poética y ensayística ha sido publicada, desde 1979, en suplementos y revistas literarias de El Salvador, entre ellas: LetraViva [suplemento cultural de El Universitario, Universidad de El Salvador], Taller de letras [Universidad Centroamericana], Ars, Tendencias y Cultura. Entre sus publicaciones de poesía, se encuentran: El cuerpo vulnerado (1984), Lluvia negra (1992), y El coleccionista de almas (1996). Ha dirigido dos revistas culturales: Matraca y Avalovara, ambas publicadas en Nueva York. Su libro de cuentos La ciudad del deseo fue galardonado con el Premio Centroamericano de Literatura Rogelio Sinán 2003-2004, y fue publicado en septiembre, 2004 por Editorial Géminis, Panamá.

III. Dramaturgia

Su actividad escénica comenzó en 1980, a los 15 años, cuando se convirtió en aprendiz de la compañía de títeres Pequebú, bajo la dirección de Roberto Franco, en el Teatro Nacional. Entre 1985 y 1987, en San Francisco, California, trabajó con el Pickle Family Circus y con el Teatro de la Esperanza. El 27 de mayo de 1992 se estrenó en la legendaria galería Ronald Feldman de Nueva York, Deadly Transgressions, un performance creado e interpretado por el actor Walter Krochmal, para el cual escribió textos en colaboración con el poeta Carlos Santos. En el 2005, Artteatro estrenó en el Auditorio Fepade su comedia Con Policarpo y Rosa se enreda esta cosa, bajo la dirección de Fernando Umaña. Su monólogo Ángel de la Guarda, un drama sobre el abuso sexual de una niña, tuvo su estreno en agosto de 2006 en el Teatro Poma y recibió elogios unánimes de la crítica; la producción y la puesta en escena fue un acto de colaboración entre el director Roberto Salomón y su esposa, la actriz suiza Naara, que interpretó los dos personajes de la obra (el ángel es un desdoblamiento del personaje central). En el 2009 Ávalos tuvo tres estrenos: en marzo de 2009 se presentó en el Teatro Nacional La canción de nuestros días, dirigida por Fernando Umaña; y bajo la dirección de César Pineda estrenó en septiembre, en el Teatro Poma, La balada de Jimmy Rosa, y en noviembre Lo que no se dice. Ese año recibió el Primer Premio de Teatro Ovación por La balada de Jimmy Rosa, otorgado por la Fundación Poma.

IV. Artes visuales

Por su obra artística y videográfica ha recibido muchos premios, entre ellos: la Beca de la Fundación de Artes de Nueva York 1990, una Beca del Concilio para las Artes de Nueva York 1991, el premio de la Asociación de Artistas Latinos 1992 y la Beca “Nuevas Voces” de la Fundación Ford 2000. Ha expuesto su obra artística en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en la Bienal 1993 del Museo Whitney de Arte Americano, en el Museo del Barrio de Nueva York (con Creative Time: Up Tiempo!, 1988), en la Galería de Bellas Artes de Chicago (con Video Data Bank, 1991), en la Galería de La Raza en San Francisco (1986-87) y en programaciones especiales de las series de televisión Deep Dish TV y The 90’s. Entre abril y mayo de 2004 una amplia exposición individual de sus fotografías de danza fue exhibida en la galería del Teatro Luis Poma.

E S C E N A

2009-11-13T20:52:00.000-08:00

2001-2010 El Salvador

En repertorio

» La balada de Jimmy Rosa

Un drama escrito y producido por Jorge Ávalos.
Estreno mundial: 10 de septiembre de 2009 en el Teatro Luis Poma de San Salvador.
Temas claves: trata de personas, inmigración, corrupción, maternidad, sexualidad femenina, conflicto cultural.
Duración: 80 minutos. Dirección: César Pineda. Escenografía: Tito Hasbún. Elenco: Patricia Rodríguez, Karen Castillo, Alejandra Nolasco, Fernando Rodríguez, Alexander Córdova, Geovany Alvarado.

» Lo que no se dice

Teatro didáctico y participativo en clave de sátira, escrito por Jorge Ávalos.
Estreno mundial: 10 de octubre de 2009 en el Auditorio Ignacio Ellacuría, Universidad Centroamericana, La Libertad.
Temas claves: abuso sexual en las escuelas públicas, burocracias, corrupción.
Duración: 60 minutos. Dirección: César Pineda. Escenografía: Escena X Teatro. Elenco: Merly Rivera, María Ángel Velis, Ronald Maravilla, Mauricio González, Marvin Pleitez.

» Ángel de la guarda

Drama. Monólogo. Teatro de objetos.
Estreno mundial: 2006 en el Teatro Luis Poma, San Salvador.
Temas claves: ángel, realismo mágico, incesto.
Duración: 60 minutos. Dirección: Roberto Salomón. Elenco: Naara Salomón.

Fuera de repertorio

» La canción de nuestros días

Drama. Monólogo "a tres voces", escrito por Jorge Ávalos.
Estreno mundial: 27 de mayo de 2009 en el Teatro Nacional, San Salvador.
Temas claves: historia y memoria, vida en las montañas, sexualidad femenina, amor filial, Morazán, guerra civil, represión militar.
Duración: 80 minutos. Dirección: Fernando Umaña. Elenco: Marlen Argueta, Jennifer Vásquez, Gabriela Avilés.

» Con Policarpo y Rosa se enreda esta cosa

Comedia musical escrita por Jorge Ávalos.
Estreno mundial: agosto de 2005 en el Auditorio de FEPADE, La Libertad.
Temas claves: trata de personas, inmigración corrupción, maternidad, sexualidad femenina.
Duración: 60 minutos. Dirección: Fernando Umaña. Escenografía: TESS. Música: Joel Barraza. Elenco: Alejandra Nolasco, Alicia Chong, Paola Miranda, Víctor Candray, Omar Renderos.

» El asco

Monólogo. Adaptación de la novela homónima de Horacio Castellanos Moya, escrita y dirigida por Jorge Ávalos.
Estreno mundial: 3 diciembre de 2002 en La Luna, Casa y Arte, San Salvador.
Duración: 30 minutos, seguida de una entrevista en video con Horacio Castellanos Moya de 20 minutos. Escenografía: Beatriz Alcaine. Dirección: Jorge Ávalos. Elenco: Juan Ramón Galeas.

1998-2001 Nueva Inglaterra

[New Hampshire y Vermont] (el encuentro con la historia oral)

1987-1997 Nueva York

(performance/instalaciones/aprendizaje)

1981-1987 San Francisco

(actuación/teatro infantil/aprendizaje)

1979-1980 El Salvador

(aprendizaje/1980)

I M A G E N

2009-11-13T20:51:00.001-08:00